glossaire

Acronyme désignant les personnes aux deux esprits, lesbiennes, gaies, bisexuelles, transgenres, queers et intersexuées et les autres personnes de diverses identités sexuelles et de genre.

Œuvres produites par la technique de l’automatisme, une méthode de création artistique associée au mouvement moderniste surréaliste du début du vingtième siècle. Influencé par la théorie freudienne, l’automatisme cherche à accorder la priorité aux désirs inconscients de l’esprit en rejetant les choix esthétiques intentionnels ou logiques et en permettant à la main d’écrire, de dessiner ou de peindre la toile d’une manière incontrôlée, spontanée.

Centre d’artistes autogéré sans but lucratif, le A Space émerge dans le sillage de la Nightingale Gallery de Toronto, en 1971. Important centre pour la présentation et la promotion de l’art innovant, toutes disciplines confondues, dans les années 1970, A Space reste aujourd’hui un lieu d’exposition de premier plan pour l’art visuel contemporain. Sa programmation inclusive fait une large place au militantisme.

Berenice Abbott naît à Springfield, en Ohio, et devient une figure centrale de la photographie moderne. D’abord assistante de Man Ray, elle réalise dans les années 1920 des portraits de l’avant-garde parisienne et sauve de l’oubli l’œuvre du photographe français Eugène Atget. De retour aux États-Unis en 1929, elle acquiert une renommée durable grâce à sa documentation du paysage urbain en pleine transformation à New York durant les années 1930.

Historien de l’art et critique artistique, Abell a aussi été, de 1928 à 1943, le premier professeur de beaux-arts à l’Université Acadia à Wolfville, en Nouvelle-Écosse. Abell est un partisan de la démocratie culturelle ainsi que le fondateur de la Maritime Art Association qui soutient la programmation et les expositions artistiques partout dans la région. Cadre fondateur de la Fédération des artistes canadiens, son travail contribue à établir un discours critique concernant l’art canadien.

L’absence d’ego ou du sentiment de soi est un principe fondamental du bouddhisme qui correspond à une « voie du milieu » entre la croyance en une âme ou un soi éternel qui se perpétue après la mort physique, et la croyance en un soi transitoire contenu dans le corps physique et ne pouvant exister sans lui. L’ego est plutôt conçu comme un processus, non comme une entité stable, qu’il faut oublier ou perdre sur la voie de l’éveil.

Forme d’abstraction inspirée des formes courbes héritées de la nature. Le terme « biomorphique » fait son apparition comme descripteur de l’art abstrait dans les années 1930, quoique son usage ne se limite pas à cette période. L’abstraction biomorphique est visible dans les éléments stylistiques de l’Art nouveau, dans les peintures et les sculptures surréalistes de Jean Arp et Joan Miró, dans les œuvres de Henry Moore et Barbara Hepworth ainsi que dans le design américain des années 1940 aux années 1960.

Style d’art abstrait issu du mouvement de l’art informel, plus large, considéré comme le complément européen de l’expressionnisme abstrait américain. Les œuvres d’art informel s’inspirent généralement du monde naturel. Elles sont moins rigides et plus expressives que l’abstraction géométrique, qui prévalait à l’époque.

Étroitement associé à l’écrivain et philosophe français Albert Camus, l’absurde, tout comme l’existentialisme, reconnaît un univers essentiellement vide de sens dans lequel l’être humain lutte pour en trouver un. Contrairement à l’existentialisme, l’absurde ne dépend pas de l’acceptation du non-sens; il propose plutôt aux individus de se rebeller contre celui-ci en adoptant le paradoxe consistant à chercher des réponses à des questions auxquelles il est impossible de répondre, transformant la recherche de sens en une quête absurde.

Fondée à Paris, en France, par James Abbott McNeill Whistler, l’Académie Carmen est une école d’art privée. La directrice éponyme de l’école, Carmen Rossi, a été le modèle préféré de Whistler. Les cours sont ouverts aux femmes et aux hommes, bien qu’ils soient séparés selon leur sexe, et axés sur la peinture et le dessin. L’école a été en activité de 1898 à 1901.

Fondée à Paris en 1870 par le sculpteur italien Filippo Colarossi comme alternative à l’École des beaux-arts jugée trop conservatrice, l’Académie Colarossi est l’une des premières écoles françaises à accueillir des filles. Si les classes y sont formées selon les sexes, filles et garçons suivent un cheminement identique et notamment des cours de dessin d’après modèle vivant nu. Parmi les élèves les plus remarquables de cette académie, mentionnons Emily Carr, Camille Claudel, Paul Gauguin, Amedeo Modigliani et Alfred Pellan. L’école ferme ses portes dans les années 1930.

École d’art fondée à Paris en 1904 par l’artiste espagnol Claudio Castelucho, la Grande Chaumière est dirigée conjointement à partir de 1909 par les artistes Martha Stettler, Alice Dannenberg et Lucien Simon. Demandant des frais de scolarité moins élevés que les autres institutions parisiennes, cette école propose un programme d’enseignement fondé sur une approche non académique, expérimentale et moderniste de la peinture ainsi que de la sculpture.

Fondée en 1808 sous le nom d’Académie royale des beaux-arts par Maximilien I^er Joseph, roi de Bavière, l’Académie des beaux-arts de Munich tire son origine d’une école de dessin établie dans la ville à la fin du dix-huitième siècle. Dans la seconde moitié du siècle suivant, l’institution est devenue un centre important pour les peintres formés dans le style académique, étroitement associé aux artistes allemands influents de l’école de Munich. L’Académie a changé de nom pour sa version actuelle en 1956.

L'Académie Julian est une école d’art privée fondée par Rodolphe Julian à Paris en 1868. Maurice Cullen, J. W. Morrice, Marc-Aurèle de Foy Suzor-Côté, A. Y. Jackson et Clarence Gagnon figurent parmi les nombreux artistes du Canada qui y ont mené des études.

Organisation d’artistes et d’architectes professionnel·les modelée sur les académies nationales présentes depuis longtemps en Europe, telles que la Royal Academy of Arts de Londres (fondée en 1768) et l’Académie royale de peinture et sculpture de Paris (fondée en 1648).

Un style de peinture établi en Europe à la Renaissance, au sein des premières académies et écoles d’art qui visaient à professionnaliser les artistes, auparavant considérés comme des artisans. Dans les académies officielles, souvent associées à un mécène royal, les artistes acquièrent des compétences dans diverses disciplines utiles à la pratique de la peinture ou de la sculpture, notamment en dessin. En même temps, la pratique académique est théorisée, telle que la peinture par exemple, avec la hiérarchie des genres picturaux : la peinture historique est placée au sommet, suivie, dans l’ordre, par le portrait, la scène de genre, le paysage et la nature morte. Au dix-neuvième siècle, l’art académique en est venu à être considéré comme conservateur et à être désigné comme de l’académisme. Bientôt, il allait être remplacé par de nouveaux styles de création artistique d’avant-garde.

Artiste multidisciplinaire né à New York dont la pratique embrasse de multiples moyens d’expression, Acconci exploite la sculpture, l’installation, la performance, l’art cinématographique et l’architecture. Explorant les notions d’espace privé et d’espace public, son travail comporte souvent des images ou des actes transgressifs et controversés. Il détient une maîtrise en beaux-arts de l’Université de l’Iowa et enseigne dans des institutions telles que le Nova Scotia College of Art and Design (aujourd’hui l’Université NSCAD), la Cooper Union, la School of the Art Institute of Chicago et l’Université Yale.

Artiste du textile, du numérique et des médias mixtes, Ace amalgame le perlage traditionnel Anishinaabeg et la récupération de pièces électroniques pour explorer où convergent, pour les peuples autochtones, le passé, le présent et l’avenir. Il transforme les déchets technologiques en motifs floraux, un geste de continuité culturelle et d’appartenance. En 2015, Ace a reçu le prix K.M. Hunter pour les arts visuels.

Fondé dans les années 1960, ce groupe de performeurs viennois s’efforce de choquer le public pour attirer l’attention sur la violence de la société. Ses performances sont célèbres pour les mutilations et les défécations exécutées en public. Les artistes principalement associés à ce groupe sont Günter Brus, Hermann Nitsch et Rudolf Schwarzkogler.

Ansel Adams  est un maître-photographe du paysage américain du vingtième siècle. Sa vision du monde prend forme lorsqu’il a une vingtaine d’années, au cours d’un séjour dans le parc national de Yosemite, en Californie. Conservationniste et président du Sierra Club, Adams produit des images fortement contrastées, d’une grande netteté, qui cherchent à saisir l’expérience mystique d’une nature sauvage encore intacte. Il publie des livres qui traitent à la fois de protection de l’environnement et de photographie et s’attache à faire reconnaître la photographie au sein des beaux-arts en contribuant à la fondation d’un département de conservation dédié à la photographie au Museum of Modern Art de New York.

KC Adams est une artiste multidisciplinaire, pédagogue et activiste de Winnipeg, dont le travail aborde les relations entre la nature, la technologie et leur impact sur l’identité autochtone. Diplômée de l’Université Concordia, Adams a participé à des expositions internationales et elle a également publié l’ouvrage Perception: A Photo Series en 2019. De 2008 à 2009, elle a occupé le poste de directrice de la galerie Urban Shaman à Winnipeg.

Pionnier dans le domaine de l’art thérapie. Formé comme artiste, Adamson a enseigné l’art et a facilité la tenue de séances de création pour les patients psychiatriques après la Seconde Guerre mondiale. Il est devenu directeur de l’hôpital Netherne en 1948 et y a travaillé pendant plus de trente ans, jusqu’à sa retraite. Sa collection d’œuvres d’art faites par des patients a voyagé à l’échelle mondiale.

Photographe et l’un des deux membres de l’équipe de photographes, Hill et Adamson, dont il est surtout le technicien. Connus pour être les premiers à lancer le portrait photographique artistique et à maîtriser le procédé du calotype, Hill et Adamson comptent parmi les plus importants photographes du dix-neuvième siècle.

Membre d’une illustre famille de peintres et de musiciens, Murray Adaskin est d’abord musicien d’orchestre et chambriste avant de se tourner vers la composition. Moderniste prolifique, réputé pour son travail de promotion de la musique et des musiciens canadiens, Murray Adaskin a également une profonde influence comme professeur.

Peintre abstraite, spiritualiste et occultiste, Hilma af Klint est à la tête de The Five (De Fem), un groupe de femmes artistes suédoises qui croient que leurs œuvres leur sont dictées par des esprits d’un autre univers. Ses peintures purement abstraites précèdent celles de Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, et Piet Mondrian. Af Klint souhaitait que ses œuvres ne soient exposées au public que vingt ans après sa mort; elles ont finalement été exposées pour la première fois à Los Angeles en 1986.

Période de la république hollandaise du dix-septième siècle qui connaît une soudaine croissance économique reposant sur le commerce, la construction navale, les avancements dans la technologie de l'énergie, la colonisation et la prédominance du protestantisme. Les arts, comme bien d’autres domaines, s’épanouissent avec une importante croissance démographique, une augmentation des salaires et l’émergence de nouveaux mécènes. La nation devient une des plus riches du monde, avec Amsterdam comme capitale des arts. Les personnalités notables de cette ère incluent Baruch Spinoza, Johannes Vermeer et Rembrandt van Rijn.

Photographe largement autodidacte, Aguilar explore son identité de femme lesbienne chicana dans son œuvre. À la fin des années 1980 et dans les années 1990, elle réalise de puissants autoportraits où elle est représentée nue dans divers cadres, du paysage naturel aux espaces domestiques intérieurs. Pendant cette période, elle produit également des portraits de femmes queer chicana de sa communauté d’East Los Angeles. L’œuvre la plus connue d’Aguilar, Three Eagles Flying (Trois aigles en vol), 1990, est un autoportrait qui articule les complexités de son identité biculturelle.

Jeune homme, Aitken étudie l’art à Dublin et voyage en Europe et en Amérique du Nord avant de s’établir comme peintre à Glasgow. Reconnu pour ses paysages, il se spécialise dans l’aquarelle. Ami de William van Horne, il est l’un des nombreux artistes qui peignent des paysages pour le Chemin de fer Canadien Pacifique.

Artiste reconnue pour ses dessins audacieux qui représentent souvent des ours et des oiseaux. Des estampes tirées à partir de ses dessins ont fait partie de la Collection annuelle d’estampes des Ateliers Kinngait, notamment en 2013, 2014 et 2015.

Peintre et graphiste qui étudie et, par la suite, enseigne au Bauhaus, Albers émigre aux États-Unis après la fermeture de l’école par les Nazis en 1933. Professeur au Black Mountain College de Caroline du Nord, il y attire de futures sommités, comme Robert Motherwell et Willem de Kooning. Albers est un pionnier de l’op art et de l’art cinétique.

Fondée en 1931 par A. C. Leighton et d’autres artistes de Calgary, l’Alberta Society of Artists (ASA) sert à promouvoir les arts visuels en Alberta par l’entremise d’abonnements, d’expositions et de programmes éducatifs. D’éminents artistes de la province ont présidé l’ASA, notamment Leighton, H. G. Glyde, Illingworth Kerr et Stanford Perrott. L’ASA octroie des bourses d’études dans le domaine des arts visuels aux étudiantes et étudiants de niveaux postsecondaire et supérieur en même temps qu’elle gère le programme TREX, responsable de la circulation des expositions d’art dans les communautés du sud-ouest de l’Alberta.

Auteur de traités sur la peinture, la sculpture et l’architecture — ces trois textes réunis constituent la base théorique de tout l’art de la Renaissance —, Alberti est reconnu pour avoir répertorié les formes du classicisme.

Peintre chicagoan à qui l’on doit des natures mortes et des portraits obsédants, composés de façon très méticuleuse. Ses œuvres les plus célèbres — dont sa première peinture monumentale, Into the World There Came a Soul Called Ida (Une âme nommée Ida vint au monde) (1929-1930) — traduisent la préoccupation constante du peintre pour l’idée de la mortalité. Par ailleurs, Albright écrit et réalise des sculptures, des estampes et des films.

Couche faite d’un mélange de blancs d’œuf et de sel, appliquée sur du verre (pour les négatifs photographiques) ou, plus couramment, sur du papier (pour les épreuves photographiques), puis sensibilisée avec une solution de nitrate d’argent. Les épreuves à l’albumine sont courantes, des années 1850 aux années 1890, et préférées aux épreuves sur papier salé en raison de leur clarté.

Artiste de guerre officiel au sein de l’Aviation royale canadienne pendant la Seconde Guerre mondiale, Aldwinckle a produit plus de 100 dessins et peintures témoignant de ses expériences. Graphiste et enseignant renommé, il a ensuite été directeur de l’Ontario College of Art and Design (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO).

Peintre paysagiste connu pour ses représentations colorées et gestuelles des reflets naturels de l’eau et des territoires accidentés du Canada, des États-Unis et de l’Islande. En 2011, Alexander a enseigné au Emma Lake Artists’ Workshop en Saskatchewan. Ses œuvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques, dont le Museum London, en Ontario, et la Vancouver Art Gallery.

Native de Victoria, C.-B., Vikky Alexander est une photographe et une artiste multidisciplinaire dont l’œuvre est associée à l’art d’appropriation, au photoconceptualisme de l’école de Vancouver et à la Picture Generation. Diplômée de l’Université NSCAD d’Halifax en 1979, elle expose à New York dans les années 1980. Son approche de la photographie est introspective et portée sur l'exploration des tensions entre nature et culture.

Artiste tsimshian qui a produit des sculptures, des peintures et des diapositives sur verre représentant la vie dans sa communauté de Lax Kw’alaams (Fort/Port Simpson) sur la côte du nord de la Colombie-Britannique, Alexcee a vendu ses œuvres aux colons européens. Il a également reçu une formation de sculpteur halaayt et a créé des objets tels que des sculptures de nax nox (esprit) pour les pratiques chamaniques des Tsimshians.

Peintre et épouse du miniaturiste William Berczy, Jeanne-Charlotte Allamand-Berczy est venue au Canada à la tête d’un groupe d’immigrants allemands, s’établissant d’abord à Markham, en Ontario, avant de s’installer à Montréal. Une sélection de ses lettres destinées à son mari constitue aujourd’hui un document d’archives important de la vie en Amérique du Nord au dix-huitième et au début du dix-neuvième siècle.

Peintre innovateur et cérébral qui évolue dans une foule de styles tout au long de sa carrière, de l’expressionnisme abstrait au pop art. Alleyn étudie aux côtés de Jean Paul Lemieux à l’École des beaux-arts de Québec pour ensuite s’établir à Paris en 1955, où il restera quinze ans. Il représente le Canada à la Biennale de Venise en 1960.

Conservateur et critique d’art, Lawrence Alloway s’est vu attribuer la paternité de l’expression « pop art ». Bien qu’il amorce sa carrière à Londres, Alloway acquiert sa notoriété de critique dans le monde de l’art new-yorkais des années 1960. En tant que contributeur et rédacteur en chef de publications comme Artforum, il met en lumière les rapports entre différents mouvements artistiques et leur contexte culturel plus vaste, inaugurant une forme de critique qui rejette les jugements de valeur au profit de l’information. Alloway a été le conservateur du Guggenheim Museum de New York de 1962 à 1966.

Après un apprentissage en ornementation architecturale, le sculpteur Walter Seymour travaille sur des œuvres de grande envergure, créant des monuments historiques et commémoratifs pour des sites à Toronto, Ottawa et dans tout le sud de l’Ontario, notamment, Queen’s Park et la Colline du Parlement. Allward est surtout connu pour son impressionnant Mémorial national du Canada à Vimy (1921-1936) situé à Vimy en France, qui commémore à la fois la bataille de la Crête de Vimy de la Première Guerre mondiale et le souvenir des Canadiens morts en France pendant la guerre et privés de sépulture officielle. (Voir Walter Seymour Allward : sa vie et son œuvre par Philip Dombowsky.)

Procédé photographique consistant à transformer en positif une plaque négative au collodion humide, en doublant la plaque de verre d’un tissu ou d'un papier noir, le tout inséré dans un étui à charnière. Les ambrotypes remplacent largement les daguerréotypes (avec lesquels on les confond facilement) à la fin des années 1850 et sont eux-mêmes remplacés dans les années 1860 par les ferrotypes et les cartes de visite moins coûteux.

Peintre né à Londres, arrivé sur la côte Ouest du Canada à un jeune âge. Amess fait partie de la première promotion de la Vancouver School of Decorative and Applied Arts en 1929, et devient professeur dans ce même établissement, rebaptisé la Vancouver School of Art. En 1943, il y fonde le Art in Living Group avec son collègue B. C. Binning. Amess assume la direction de la Vancouver School of Art de 1952 à 1970.

Anastasi est une figure pionnière de l’art minimal et conceptuel américain, dont la pratique est alignée sur celle de Carl Andre, John Cage, Eva Hesse, Robert Rauschenberg et Richard Serra. Anastasi est l’un des premiers artistes modernes à créer des œuvres spécifiques au site; Six Sites, 1966-1967, a ouvert la voie aux artistes et aux conservateurs qui s’intéressent à cette forme d’art.

Anderson est une violoniste de formation, une artiste multidisciplinaire et une compositrice née en Illinois, dont le travail conjugue souvent performance, installation et musique. Elle étudie l’histoire de l’art au Barnard College et obtient une maîtrise en sculpture à l’Université Columbia. Elle est connue pour avoir inventé et conçu plusieurs instruments de musique expérimentaux et non conventionnels.

Réalisateur, producteur et scénariste dont les comédies excentriques et « sérieuses » lui valent régulièrement un succès critique et commercial important. Rushmore (1998) et Moonrise Kingdom (2012) illustrent l’originalité de sa démarche narrative et de son style visuel. Il travaille souvent avec les mêmes acteurs.

Carl Andre est un sculpteur minimaliste et un poète qui vit et travaille à New York. Son œuvre, marquée par l’influence des artistes Constantin Brâncuși et Frank Stella, présente des schémas de grilles répétitifs, composés de blocs, de briques et de plaques de métal disposés au sol. Chaque pièce s’articule en fonction des réalités physiques de l’espace qui l’entoure, l’artiste étant préoccupé par la perception du spectateur, plutôt que par des questions de signification symbolique ou métaphorique. Andre s’est retiré du monde de l’art après avoir été jugé et acquitté en 1985 du meurtre au deuxième degré de sa femme, l’artiste Ana Mendieta.

Angelucci est une artiste torontoise qui utilise la photographie, la vidéo et l’audio pour étudier la fonction commémorative des photographies et des films vernaculaires, ainsi que leur rôle dans la construction de récits et d’histoires. Puisant d’abord dans les archives de sa famille, elle se tourne ensuite vers l’objet trouvé. Son œuvre récente explore la relation entre la photographie et les sciences naturelles.

Personnalité acclamée et controversée de l’underground cinématographique, Anger réalise dès l’âge de quinze ans son premier film, Fireworks (Feux d’artifice), dont la projection sera souvent interdite. Ses films et ses livres montrent une fascination inépuisable pour l’occulte et les scandales hollywoodiens de son époque. Il influencera nombre de cinéastes des sphères commerciales et expérimentales, mais aussi des artistes d’autres disciplines.

Terme collectif qui signifie « le peuple » ou « peuple d'origine » et qui renvoie à un nombre de communautés liées entre elles, telles que les Ojibwe/Ojibwa/Ojibway, les Odawa, les Chippaouais, les Saulteaux, les Mississaugas, les Potéouatamis, parmi d'autres. Au Canada, la région des Anishinaabeg couvre des parties du Manitoba, de l’Ontario et du Québec.

Peintre américain et professeur réputé de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Thomas Pollock Anshutz est surtout connu pour ses portraits, bien qu’il ait aussi réalisé des paysages. Avec Thomas Eakins, il a utilisé la photographie comme outil d’observation dans ses cours et dans son propre travail, et a participé aux études sur le mouvement d’Eadweard Muybridge et à ses expériences avec son zoopraxiscope.

Centre d’étude, de conservation et d’exposition d’œuvres cinématographiques, sis à New York, qui met l’accent sur les œuvres indépendantes et expérimentales, lancé en 1969 par cinq cinéastes et critiques de cinéma d’avant-garde : Stan Brakhage, Jerome Hill, Peter Kubelka, Jonas Mekas et P. Adams Sitney.

Terme employé en référence à l’époque géologique actuelle, marquée par les profondes répercussions de l’activité humaine sur la terre et ses écosystèmes. Certains considèrent que les débuts de l’Anthropocène remontent aux années 1800, avec la révolution industrielle. Les changements climatiques et le réchauffement de la planète d’origine anthropique, ou causé par l'être humain, sont les caractéristiques de cette époque.

Philosophie spirituelle développée par Rudolf Steiner au tournant du vingtième siècle, l’anthroposophie part du principe que la dimension spirituelle de l’être humain peut être vécue de manière concrète et faire l’objet de quantification scientifique. Le curriculum des écoles Waldorf, aujourd’hui implantées dans le monde entier, est basé sur les théories pédagogiques et la philosophie anthroposophique de Steiner. Cette méthode d’enseignement met l’accent sur le rôle de l’imaginaire dans l’apprentissage et cherche à intégrer globalement le développement intellectuel, pratique et artistique des élèves.

Artiste conceptuelle et féministe pionnière, Antin pratique la performance, le film et l’installation. Des années 1970 aux années 1990, elle explore la construction de l’identité personnelle en développant différents alter ego – notamment, un roi, une ballerine et une infirmière – qui brouillent les limites du genre, de la classe sociale et de l’identité raciale. Depuis le début des années 2000, son œuvre se constitue de tableaux photographiques grand format qui s’inspirent de l’histoire et de la mythologie grecques et romaines pour critiquer la culture contemporaine.

Le moyen format réfère traditionnellement à un appareil photo qui requière des pellicules d’environ 60 mm de large (tandis que le grand format en requière de 102 x 127 mm et plus). Le plus célèbre de ces dispositifs est le format 120 de Kodak, qui est le plus couramment utilisé des années 1900 à 1950. Depuis, il a été adapté aux formats numériques.

Peintre et sculpteur abstrait, Karel Appel a participé au Nederlandse Experimentele Groep (Groupe expérimental néerlandais, 1948) et a fondé CoBrA (1948-1951), un groupe influent de jeunes artistes européens actifs dans les années suivant la Deuxième Guerre mondiale et étroitement associés à ses membres d’Amsterdam, tel qu’Appel. Après s’être installé en France en 1950, il se met à exposer en Europe et en Amérique du Nord, et ce, jusque des années 1980. Son travail révèle des affinités avec l’art brut, sa fougue notamment, une tendance qui émerge dans la réaction de CoBrA en opposition aux conventions artistiques.

Peintre et sculpteur abstrait, Karel Appel a participé au Nederlandse Experimentele Groep (Groupe expérimental néerlandais, 1948) et a fondé CoBrA (1948-1951), un groupe influent de jeunes artistes d'Europe en activité dans les années suivant la Seconde Guerre mondiale et étroitement associés aux membres d’Amsterdam. Après s’être installé en France en 1950, Appel se met à exposer en Europe et en Amérique du Nord, et ce, jusqu'aux années 1980. Son travail révèle des affinités avec l’art brut, sa fougue notamment, une tendance qui émerge dans la réaction de CoBrA en opposition aux conventions artistiques.

Sert à immobiliser le corps lors d’un portrait photographique au dix-neuvième siècle, quand les vitesses d’émulsion sont lentes. Un appuie-tête typique est formé d’un berceau en métal sur un support ajustable; les mains et les bras sont disposés sur un livre, une plinthe ou un autre accessoire.

Matériau de peinture consistant en une solution aqueuse dans laquelle des pigments sont en suspension; aussi, l’appellation désigne une œuvre achevée peinte à l’aide de ce matériau. L’aquarelle a une riche histoire qui remonte aux enluminures de manuscrits (datant de l’Égypte ancienne) et à la peinture au pinceau ou sur rouleau pratiquée en Chine, en Corée et au Japon. En Occident, la Renaissance consacre l’aquarelle comme matériau de choix pour les croquis et sa popularité va croissant aux dix-huitième et dix-neuvième siècles, en particulier pour les illustrations de la flore et de la faune. Les artistes et les illustrateurs d’aujourd’hui continuent d’utiliser l’aquarelle pour sa transparence et les effets que rendent possibles les lavis de pigment pur.

L'aquatinte est un procédé d’impression en intaille où une plaque de cuivre gravée est immergée dans un bain d’acide pour créer des zones enfoncées qui retiennent l’encre. Variante de la gravure à l’eau-forte, l'aquatinte ressemble à un dessin à l’aquarelle en raison des dégradés qu'elle permet.

Revue canadienne du dix-neuvième siècle, Arcadia est publiée en anglais à Montréal et paraît deux fois par mois, de mai 1892 à mars 1893, sous la direction de Joseph Gould. Elle est « consacrée à la musique, à l’art et à la littérature » et présente des articles sur des événements à Montréal et dans d’autres villes canadiennes, ainsi qu’à l’étranger.

Terme employé pour désigner un lieu idyllique et pastoral, ou un paysage naturel utopique. Les origines des paysages d’Arcadie remontent à la période hellénique; on en trouve de nombreux exemples célèbres dans la peinture italienne de la Renaissance et la peinture française et britannique du dix-huitième siècle. Le terme est dérivé du nom d’une province grecque qui existe depuis l’Antiquité.

Figure incontournable de la sculpture canadienne au vingtième siècle, Archambault reçoit un grand nombre de commandes publiques que l’on retrouve tant à Montréal, Toronto qu’Ottawa. Archambault contribue également aux pavillons canadiens de l’Exposition universelle de Bruxelles, en 1958, et d’Expo 67 à Montréal. Il figure parmi les signataires du manifeste du groupe Prisme d’Yeux en 1948.

Sculpteur cubiste très influent, il découvre le mouvement grâce à Fernand Léger après son déménagement de Moscou à Paris en 1908. Ses premières œuvres expriment la matérialité de l’espace positif et négatif et leur contraste; comme Pablo Picasso, il crée des assemblages sculpturaux de matériaux trouvés.

Au vingtième siècle, l’architecture néo-géorgienne marque un retour au style géorgien britannique, également connu sous le nom de style néocolonial anglais. Caractérisés par la symétrie et des proportions classiques, les bâtiments néo-géorgiens sont généralement construits en brique ou en pierre et surmontés d’un toit en croupe. Ils présentent des moulures blanches sur une façade souvent rectangulaire, percée d’une entrée centrale et de fenêtres à guillotine à carreaux multiples. Au Canada, on trouve quelques exemples de ce style, notamment le Langdon Hall à Cambridge (ON) et l’église baptiste de Blythwood Road à Toronto.

Archives provinciales et Musée royal de la Colombie-Britannique, situé à Victoria, a été fondé en 1886 et se concentre sur l’histoire de la Colombie-Britannique à travers des collections, des expositions et des activités de sensibilisation. Le musée possède plus de sept millions d’objets en plus des archives provinciales. Ses collections d’origine autochtone font actuellement l’objet d’un processus de restitution et de consultation auprès des communautés concernées.

Maître graveur japonais, spécialiste de la gravure sur bois, Arikushi immigre au Canada en 1981. Il collabore à la réalisation de gravures sur bois avec plusieurs artistes au pays, notamment Mary Pratt et Takao Tanabe.

Sculpteur et peintre né et formé en France qui pratique un art de plus en plus expérimental au fil de sa carrière. Arman est affilié au mouvement nouveau réalisme des années 1960 et plusieurs de ses œuvres sont considérées comme les premiers exemples de land art.

Née à Brampton, en Ontario, Armington est une infirmière et une artiste connue pour ses peintures et ses gravures de Paris. De 1905 à 1910, Armington et son mari artiste, Frank Armington, poursuivent leur formation à l’Académie de la Grande Chaumière et à l’Académie Julian à Paris. Pendant la Première Guerre mondiale, Lord Beaverbrook demande à Armington de créer des gravures pour le Fonds de souvenirs de guerre canadiens. En 1939, Armington s’installe à New York, où elle trouvera la mort plus tard la même année.

Présenté à New York, Chicago et Boston en 1913, l’International Exhibition of Modern Art, mieux connu sous le nom d’Armory Show, signale un moment clé dans l’histoire de l’art moderne aux États-Unis. En présentant pour la première fois au grand public américain des artistes modernistes américains et des représentants de l’avant-garde européenne, l’exposition rassemble des œuvres de centaines d’artistes, dont plusieurs qui choquent les sensibilités du public de l’époque.

Artiste paysagiste né à Toronto, Armstrong s’établit à Montréal en 1942. Il enseigne à l’École d’art et de design du Musée des beaux-arts de Montréal et fait partie d’un groupe informel d’artistes montréalais qui partagent son intérêt pour le postimpressionnisme et l’art moderne, dont Goodridge Roberts et John Lyman.

Surtout connue comme graveuse, Germaine Arnaktauyok s’intéresse dans son œuvre aux mythes et à la vie traditionnelle des Inuits; nombre de ses œuvres explorent les thèmes de la naissance et de la maternité. Parfois autobiographiques, ses images s’inspirent également de ses sept années d’enfance passées dans les pensionnats indiens. Diplômée de l’Université du Manitoba (arts visuels) et de l’Algonquin College (graphisme publicitaire), Arnaktauyok est aussi une écrivaine qui a illustré ses propres ouvrages.

Né Hans Arp, Jean Arp est un artiste surréaliste et membre cofondateur du mouvement dada. Sa production se compose d’œuvres textiles, de reliefs en bois peint, de sculptures et de collages. Arp signe également essais et poèmes pour des revues d’art comme De Stijl et La Révolution surréaliste. Dans les années 1930, sous l’influence du collectif parisien Abstraction-Création qu’il fréquente, Arp s’approprie certains éléments du constructivisme, visibles dans les arêtes plus nettes de ses formes. Sa femme est l’artiste surréaliste Sophie Taeuber.

L’art abstrait est un langage de l’art visuel employant la forme, la couleur, la ligne et les traces gestuelles pour créer des compositions qui ne tentent pas de représenter des choses appartenant à la réalité visible. L’art abstrait peut interpréter la réalité sous une forme modifiée ou s’en éloigner tout à fait. On l’appelle aussi l’art non figuratif.

Institution fondée en 1860 par l’évêque Francis Fulford (1803-1868) et par un groupe montréalais de collectionneurs et collectionneuses d’art, la Art Association of Montreal est issue de la Montreal Society of Artists (elle-même datant de 1847). Premier musée d’art au Canada, la Art Association of Montreal organise des expositions d’art un peu partout dans la ville avant d’établir son siège permanent au centre-ville de Montréal. L’association est rebaptisée Musée des beaux-arts de Montréal en 1950, qui est aujourd’hui l’un des musées d’art les plus visités au Canada.

L’art conceptuel, qui remonte au travail de Marcel Duchamp, mais qui ne sera pas codifié avant les années 1960, est une expression générale pour décrire un art qui met l’accent sur les idées plutôt que sur la forme. Le produit fini peut même avoir une forme concrète éphémère, comme le land art ou la performance.

L’art contemporain international se réfère à l’art qui, à partir de la fin de la guerre froide, a défié les frontières géographiques traditionnelles. De la fin du dix-neuvième siècle aux années 1980, les artistes bâtissent leur carrière au sein de capitales artistiques telles que Paris, Londres ou New York, où ils acquièrent une certaine notoriété, et les artistes en dehors de ces pôles demeurent souvent en marge des débats sur l’art menés par les grands musées, galeries et universités. Avec la croissance du commerce international et de la connectivité technologique toutefois, les artistes commencent à développer des réseaux internationaux et à faire circuler leurs œuvres dans les foires de villes de partout dans le monde.

La miniature se caractérise par son échelle et tient généralement dans la paume de la main. Empruntant le plus souvent la forme d’une peinture ou d’une sculpture, l’art de la miniature exige de la précision pour rendre compte de détails complexes. Cet art s’inscrit dans une longue tradition, le portrait en miniature ayant connu une grande popularité avant l’invention de la photographie, en raison du lien personnel qu’il favorisait avec les êtres chers représentés à un prix abordable.

Style décoratif du début du vingtième siècle, découvert à Paris en 1925 lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, l’Art déco est fondé sur plusieurs influences : les motifs égyptiens et asiatiques, les mouvements artistiques modernistes et le style Art nouveau qui l’a précédé.

L’art décoratif englobe la conception et la décoration d’objets à la fois esthétiques et fonctionnels. L’artisanat et les arts appliqués sont souvent considérés comme des synonymes. Le champ des objets d’art décoratif est vaste et comprend des articles tels que la vannerie, la céramique, le mobilier, la verrerie, la bijouterie et les textiles.

Lancé en 1897, le magazine français Art et décoration est le premier magazine de décoration au monde. À l’origine, il est sous-titré « Revue mensuelle d’art moderne », et dans ses premières années, défend les styles artistiques modernes, surtout l’Art nouveau. Au fil du temps, Art et décoration suit l’évolution du modernisme, et ce, notamment après son fusionnement avec la revue L’Architecte en 1936. Le magazine continue à paraître mensuellement.

L’art dit « ethnique », une expression utilisée historiquement pour désigner l’art des artistes non-occidentaux, est traditionnellement collectionné par les musées d’ethnographie et d’histoire naturelle plutôt que par les musées d’art. L’expression a été critiquée pour avoir isolé les artistes non-occidentaux, notamment les artistes autochtones, de leurs pairs occidentaux et pour les avoir exclus des marchés de l’art et des échanges sur la place de l’art dans la société, tant dans le passé que de nos jours.

Terme descriptif désignant une œuvre d’art qui représente ou fait référence à des objets ou des êtres reconnaissables, y compris les êtres humains. L’art figuratif est souvent représentationnel et puise son matériel source dans le monde réel, bien que ses sujets puissent être exploités en parallèle avec des métaphores et des allégories. Le terme est apparu dans l’usage populaire vers les années 1950 pour décrire les œuvres d’art en contraste avec celles du mouvement expressionniste abstrait ainsi qu’avec l’art non figuratif et non-objectif.

Mouvement artistique américain né en Californie, dans les années 1960, en réaction à l’expressionnisme abstrait et à sa noblesse de sentiments, l’art funk rassemble des œuvres figuratives qui peuvent sembler grossières et irrévérencieuses. Le mouvement associe des techniques et des matériaux inhabituels – principalement la céramique –, intégrant souvent à son esthétique caricaturale des objets trouvés de la culture populaire. Le nom « funk » est dérivé de « funky », un terme de la musique jazz qui désigne ce qui est non conventionnel.

Ouvert en 1951, le musée Art Gallery of Greater Victoria, situé sur l’île de Vancouver, présente la plus grande collection d’art public en Colombie-Britannique. Ses points forts sont les œuvres canadiennes et autochtones, mais l’institution possède également une importante collection d’œuvres asiatiques. Sa collection permanente comprend des œuvres d’Emily Carr, une célèbre artiste de Victoria, et ses jardins abritent un authentique sanctuaire shintoïste japonais.

La Art Gallery of Hamilton (AGH), le plus grand musée d’art public du sud-ouest de l’Ontario, a été fondée en 1914. Sa collection permanente compte plus de 10 000 œuvres d’artistes tant historiques que contemporain·es, originaires du Canada et d’ailleurs dans le monde. Occupant un espace de près de 7000 mètres carrés sur la rue King, la AGH est repensée par l’architecte Bruce Kuwabara entre 2003 et 2005.

Style de peinture, de sculpture et d’architecture né en Europe au douzième siècle. Art chrétien, le gothique privilégie la lumière et la hauteur, et s’exprime principalement dans des manuscrits enluminés et une architecture caractérisée par des ensembles sculptés et des vitraux.

Art de la civilisation maya qui fait son apparition dans la région de ce qui est aujourd’hui le Mexique et l’Amérique centrale. Les Mayas exercent un art évolué, produisant des sculptures en pierre, des céramiques peintes, de délicates figurines, des bijoux en jade et des masques. Ces objets d’art présentent une quantité remarquable de détails et de couleurs.

Aussi appelée « art des légendes », cette approche élaborée par Norval Morrisseau désigne l’art créé par les artistes de l’école de Woodland. Le terme fait allusion aux légendes secrètes et aux pouvoirs curatifs contenus dans les œuvres.

Terme désignant l’art réalisé par des artistes autodidactes, qui n’adhèrent à aucun style ni école, afin d’être libres de formuler un langage plus personnel. On commence à parler d’art naïf pour décrire le travail d’Henri Rousseau à la fin du dix-neuvième siècle.

Florissant en Europe et aux États-Unis de la fin du dix-neuvième siècle à la Première Guerre mondiale, ce style décoratif caractérisé par des formes organiques fluides et des lignes sinueuses a notamment un impact sur l’architecture, les arts décoratifs et les arts graphiques. Son influence se reflète également dans la peinture et la sculpture.

Désigne les œuvres d’art créées ou manipulées à l’aide de la technologie numérique, souvent en faisant appel à un programme informatique, à l’intelligence artificielle ou à un logiciel électronique. Cette forme d’art prend de l’ampleur à la fin des années 1990, lorsque se généralise l’accès du public à la technologie et aux moyens d’expression numériques.

L’art postal est un mouvement artistique dans lequel les artistes créent, produisent, partagent et échangent des œuvres en recourant au système de la poste. Popularisé dans les années 1960, l’art postal n’adopte aucun style unificateur et peut donc prendre de nombreuses formes, telles que des cartes postales, des colis, des fax ou des courriels, sa seule limite étant celle des restrictions de taille imposées par les services de courrier. En privilégiant la création de réseaux mondiaux plutôt que les circuits commerciaux des galeries, l’art postal remet en question les frontières traditionnelles de l’art.

L’art processuel est un type de pratique artistique qui fait du processus créatif d’une œuvre un élément central de son aspect fini. Concept très large, l’art processuel peut s’appliquer à des œuvres expressionnistes abstraites qui mettent en valeur le coup de pinceau, ou à des œuvres qui abandonnent complètement le concept d’œuvre achevée, l’artiste accordant toute l’importance à la démarche créative.

L’art public se déploie dans les espaces publics pour le plaisir de la communauté. Empruntant diverses formes, telles des installations de sculptures, des peintures murales et des performances, l’art public est la plupart du temps commandé par des institutions publiques ou des organisations privées dans le but d’enrichir les environnements partagés et de favoriser l’engagement en culture.

Forme d’art préhistorique présente dans le monde entier, constituée soit de pictogrammes peints, soit de pétroglyphes gravés sur des surfaces rocheuses fixes, comme les murs des grottes et les parois des falaises. Sur le territoire de ce qui est aujourd’hui le Canada, l’art rupestre est associé à la guérison et à la prophétie.

La Art Students League est une école de beaux-arts progressiste créée par les artistes pour les artistes, en 1875. À l’aube du vingtième siècle, la League attire plusieurs étudiants qui deviendront des figures centrales de l’art américain contemporain. Ses professeurs comprennent William Merritt Chase, Thomas Eakins et Robert Henri.

Tradition picturale britannique de longue date, très populaire au dix-huitième siècle, qui consiste en des représentations réalistes de paysages qui rendent fidèlement les caractéristiques physiques et géographiques d’une région et de son environnement.

L’art vidéo désigne les œuvres d’art créées grâce à la technologie vidéo, audio et cinématographique. L’art vidéo naît à la fin des années 1960, lorsque s’accroît l’accès commercial et public aux magnétoscopes portables. Souvent très expérimentale, cette forme d’art peut également faire appel au montage et à l’assemblage de séquences d’images ou de vidéos existantes.

La Art Gallery of Windsor est une galerie d’art située à Windsor, en Ontario, qui a été fondée en 1943 et est connue depuis 2022 sous le nom de Art Windsor-Essex. Elle abrite d’importantes œuvres d’artistes de la région et du pays, et expose de l’art canadien tant contemporain qu’historique.

L’art Xerox existe depuis les années 1960, alors que des artistes expérimentent avec des photocopieuses pour produire et manipuler des images.

Mouvement d’avant-garde italien, l’Art Povera s'étend de la fin des années 1960 au début des années 1970. Le terme « arte povera », signifiant littéralement « art pauvre », a été inventé par le critique Germano Celant en 1967. Le mouvement préconise l’utilisation de matériaux trouvés et humbles au sein de sculptures, d’assemblages et de performances. L’Arte Povera est en réaction contre le monde des musées et des galeries d’art commercial, et contre le minimalisme américain, par son utilisation de matières tant naturelles qu’industrielles. Les principaux artistes de l’Arte Povera sont notamment Giovanni Anselmo, Giuseppe Penone et Michelangelo Pistoletto.

Magazine mensuel fondé à San Francisco en 1962, Artforum publie des essais, des critiques et des discussions sur l’art contemporain. Offrant une plateforme de réflexions approfondies sur l’art de son époque, il vise à rapprocher artistes, critiques et public. Réputé pour la rigueur de ses textes académiques, il a accueilli des contributions de figures majeures, telles que Douglas Crimp, Hal Foster et Rosalind Krauss.

Exposition-concours d’art canadien présentée au Musée des beaux-arts de l’Ontario en 1968. Des prix sont décernés dans plusieurs catégories, notamment la peinture et le cinéma, par un jury d’artistes de renommée internationale.

Groupe de free-jazz, actif dans les années 1960 et 1970, composé surtout d’artistes qui sont en grande partie des musiciens autodidactes —, associés à l’expressionnisme abstrait. Fondé à Toronto en 1962 par Dennis Burton et Richard Gorman, l’AJB réunit divers musiciens au fil du temps, notamment Graham Coughtry, Harvey Cowan, Terry Forster, Jim Jones, Nobuo Kubota, Robert Markle, Gerald McAdam, Gordon Rayner, Bill Smith et Michael Snow.

The Artists’ Workshop était situé dans une remise près des rues Sherbourne et Bloor. L’école a d’abord été présidée par Barbara Wells, puis par John Sime qui l’a incorporée aux Three Schools of Art.

Précurseur du design moderne, ce mouvement d’arts décoratifs se développe en Angleterre au milieu du dix-neuvième siècle, en réaction à ce que ses tenants considèrent comme les effets déshumanisants de l’industrialisation. Sous l’impulsion de William Morris, le mouvement Arts and Crafts valorise le savoir-faire artisanal et la simplicité formelle, et intègre souvent des motifs naturels dans la conception d’objets ordinaires.

George Agnew Reid fonde la Arts and Crafts Society in Canada à Toronto en 1902. La société fait la promotion des principes issus des arts appliqués et du mouvement Arts and Crafts et comporte parmi ses membres des artistes, des artisans et des architectes. En 1904, la société tient son exposition inaugurale à Toronto et, en 1905, elle change de nom pour devenir la Canadian Society of Applied Art.

La Arts and Crafts Society of Canada est fondée à Toronto en 1903 par George Agnew Reid et un groupe de personnes aux idées similaires, dont les peintres et designers Gustav Hahn et Mabel Cawthra Adamson, ainsi que l’architecte Eden Smith. L’objectif de la société est de promouvoir les principes du mouvement Arts and Crafts dans les domaines du design, de la décoration et de l’architecture. En 1904, la société organise son exposition inaugurale et, l’année suivante, elle change de nom pour devenir la Canadian Society of Applied Art.

Fondé en 1908 pour promouvoir la culture, ce club de Toronto offre un espace où artistes, architectes, écrivain·es, musicien·nes et mécènes peuvent exercer et présenter leur art ainsi que discuter dans une atmosphère conviviale. Les membres du Groupe des Sept s’y rencontrent fréquemment pour se détendre, exposer et faire connaître leur travail.

Les arts appliqués désignent les objets commerciaux ou utilitaires de la vie quotidienne qui possèdent des qualités esthétiques. Historiquement considérés comme une catégorie d’art moins raffinée – et par opposition aux « beaux-arts » dont la peinture et la sculpture font partie – les arts appliqués ne se limitent pas à un moyen d’expression particulier et se manifestent notamment dans le design industriel, l’artisanat et la publicité.

Fondé en 1912 par des peintres, des sculpteurs, des architectes et des écrivains établis et appartenant à la haute société, le Arts Club of Montreal s’inspire du modèle des gentlemen’s clubs londoniens du dix-neuvième siècle. Parmi ses membres les plus éminents, signalons l’architecte William Maxwell Sutherland (fondateur et premier président), le respecté professeur d’art William Brymner, de même que Maurice Cullen, A. Y. Jackson, Henri Hébert, Alfred Laliberté et James Wilson Morrice. En 1996, l’adhésion est ouverte aux femmes, alors que le club devient une association professionnelle représentant une vaste gamme d’artistes.

Également connus sous le nom d’arts de la fibre, les arts textiles englobent une vaste gamme d’activités artistiques qui exploitent la fibre naturelle (par exemple, le coton, la laine, le lin ou la soie) ou la fibre synthétique (par exemple, le polyester ou le nylon) comme moyen d’expression principal. Le tissage, le tricot, la broderie, le crochet et la confection de courtepointes font partie des pratiques relevant des arts textiles.

Pratique d’abnégation de soi, souvent accompagnée d’un retrait du monde, et qui tend généralement vers un idéal spirituel. À travers l’histoire, l’ascétisme a fait partie intégrante de nombreuses traditions religieuses. En philosophie, il est associé à diverses pratiques axées sur la discipline, depuis celle des sophistes de la Grèce antique jusqu’aux prescriptions morales d’Emmanuel Kant – le terme est tiré du grec askeo, ou entraînement. Les pratiques ascétiques comprennent notamment le jeûne, le célibat, la restriction des déplacements et des contacts sociaux, le renoncement aux conforts physiques et psychologiques, etc.

Renommé avant tout pour ses sculptures, Arnaqu Ashevak est aussi graveur et graphiste. Il est le fils adoptif de la célèbre artiste inuite de première génération Kenojuak Ashevak et du graveur et sculpteur Johniebo Ashevak.

Née au sud de l’île de Baffin, cette artiste graphique est une ambassadrice de l’art inuit au Canada et à l’étranger à partir des années 1960. Beaucoup de ses œuvres sont des commandes pour des organismes fédéraux et des établissements publics, notamment le ministère des Affaires indiennes et du Nord canadien, Postes Canada et VIA Rail. Ses représentations saisissantes d’animaux et d’êtres humains sont parmi les plus largement reconnues de l’histoire de l’art canadien.

Appartenant à la troisième génération d’une famille d’artistes de Cape Dorset, Goota Ashoona est une sculptrice traditionnelle inuite qui crée des sculptures en fanons de baleine et en pierre. En 2008, son atelier familial présente l’exposition The Gift from Haïda Gwaii (Le cadeau de Haïda Gwaii), qui comprend une œuvre collaborative de six pieds de long, sculptée à partir d’une même côte de baleine.

Maître sculpteur traditionnel inuit, Kuiga Ashoona est fait membre de l’Ordre du Canada en 2000. Il compte parmi les plus importants artistes contemporains du Nord. Appartenant à la deuxième génération d’une famille d’artistes inuits, Kuiga est un des fils de Pitseolak Ashoona. Sa carrière, qui s’échelonne sur plusieurs décennies, a fait l’objet d’une exposition rétrospective au Musée des beaux-arts de Winnipeg en 2010.

Artiste et maître sculptrice dont la mère, Sheouak Parr, était une des pionnières de l’art inuit. Après la mort de son mari, le sculpteur Qaqaq Ashoona, Mayoreak quitte le campement familial du sud de l’île de Baffin pour s’établir à Cape Dorset. Son travail a été exposé partout au Canada, de même qu’en Allemagne et au Japon.

Sculpteur de Frobisher Bay, île de Baffin, Napachie Ashoona est le fils des artistes Sorosilutu et Kiugak Ashoona. Ses œuvres figuratives, qui sont sculptées dans la serpentine, une pierre indigène de l’île de Baffin, explorent le mouvement et des thèmes traditionnels tels que la chasse, la danse du tambour et les liens familiaux

Éminent sculpteur et chasseur expert de Cape Dorset, Ohito Ashoona est le fils des artistes Mayureak et Qaqaq Ashoona. Son apprentissage de l’art débute à l’âge de douze ans; en 2002, il se mérite le Prix national d’excellence décerné aux Autochtones pour ses réalisations dans le domaine des arts visuels.

Personnage important de l’histoire de l’art de Cape Dorset, Pitseolak Ashoona réalise plus de huit mille dessins au cours de ses vingt-cinq années de carrière. Ses estampes, souvent autobiographiques, sont très populaires. Chaque année, depuis 1960, l’une de ses compositions est présentée dans la collection annuelle d’estampes de Cape Dorset. Bon nombre de ses dix-sept enfants sont devenus des artistes à part entière. (Voir Pitseolak Ashoona : sa vie et son œuvre, par Christine Lalonde.)

Chasseur et piégeur né à Ikirasak, un campement situé dans le sud de l’île de Baffin, qui débute sa carrière de sculpteur dans la mi-vingtaine. Qaqaq Ashoona est un des fils de Pitseolak Ashoona. Il sculpte ses figures humaines et animales en employant uniquement des outils à main, travaillant notamment le marbre blanc de provenance locale. Il épouse l’artiste Mayoreak Ashoona.

Issue de la troisième génération d’une famille d’artistes de Cape Dorset, Shuvinai Ashoona réalise des œuvres originales et inhabituelles qui sont prisées des collectionneurs et fréquemment exposées. Son travail comprend des dessins aux couleurs intenses et aux motifs complexes, qu’elle réalise au crayon, de même que d’audacieuses gravures sur pierre et des dessins monochromes à l’encre représentant des formes simples et isolées. (Voir Shuvinai Ashoona : sa vie et son œuvre, par Nancy G. Campbell.)

Importante artiste de Cape Dorset qui, alors qu’elle est une jeune femme, reçoit les encouragements de sa belle-mère, Pitseolak Ashoona. Très tôt, Sorosilutu Ashoona est captivée par les couleurs pouvant être produites par le biais des techniques de gravure. Ses lithographies, ses gravures sur pierre et ses dessins au pochoir font souvent référence aux histoires inuites de son enfance.

Renommée pour ses travaux sur l’expressionnisme abstrait, Dore Ashton est une critique et une historienne de l’art ayant pour champ d’intérêt les artistes modernistes new-yorkais de l’après Seconde Guerre mondiale. À ses débuts comme critique pour le New York Times, elle défend ardemment les peintres expressionnistes abstraits de la ville, une prise de position qui entraîne son départ du journal en 1960. Comme historienne de l’art, elle publie des monographies sur les artistes Mark Rothko et Philip Guston ainsi que sur l’expressionnisme abstrait à New York, qui reconnaissent dans ce style une école et un mouvement représentatifs d’un profond changement générationnel au sein de l’histoire de l’art.

Un assemblage, un collage ou un bricolage est une œuvre d’art tridimensionnelle réalisée à partir d’objets trouvés. Le terme « assemblage », utilisé la première fois dans les années 1950 par l’artiste français Jean Dubuffet pour désigner ses collages d’ailes de papillons, est popularisé aux États-Unis pour décrire l’œuvre des artistes américains Robert Rauschenberg et Jim Dine.

Fondée à Toronto en 1912 par George Agnew Reid et d’autres, l’Associated Watercolour Painters est l’une des nombreuses organisations et sociétés d’artistes de l’époque. Bien que le groupe ait été éphémère, il comptait parmi ses membres des artistes comme F. M. Bell-Smith, Fred Brigden et C. W. Jefferys.

Une coalition informelle d’artistes abstraits issue de la Galerie L’Actuelle de Guido Molinari en 1956. L’association a été active jusqu’en 1961 et comptait plusieurs peintres parmi les Automatistes et les Plasticiens de Montréal. Fernand Leduc fut le premier président de l’association.

Écrivain, professeur et éditeur de livres, Howard Aster est, avec Mike Walsh, l’un des fondateurs de Mosaic Press, une maison d’édition qui publie des documentaires, des œuvres de fiction et de la poésie d’auteurs canadiens. De 1970 à 2000, il occupe un poste au Département de sciences politiques de l’Université McMaster à Hamilton en Ontario.

Fondés en 1919 par Maurice Denis et Georges Desvallières, les Ateliers forment des artistes à la réalisation de décors religieux pour les églises — en particulier celles détruites pendant la Première Guerre mondiale. Cette initiative parisienne contribue à renouveler l’intérêt pour l’art chrétien en France.

Depuis 2006 environ, la section d’art et d’artisanat de la West Baffin Eskimo Co-operative de Cape Dorset (Kinngait) au Nunavut est aussi désignée sous le nom d’Ateliers Kinngait. Les membres de la coopérative viennent y faire de la sculpture, du dessin et de l’estampe.

Atget est un photographe reconnu pour ses images de Paris à l’aube de l’ère moderne. Ses clichés des rues, de l’architecture et des grands monuments de la ville lumière ont influencé les surréalistes et autres artistes de l’avant-garde, qui se sont intéressés au potentiel créatif de ses œuvres documentaires.

Né à London, Ontario, Caven Atkins grandit dans les Prairies. Peintre, lithographe et graphiste, il étudie auprès de LeMoine FitzGerald à Winnipeg et emprunte à l’expressionnisme allemand. Il travaille entre autres comme graphiste avec Bertram Brooker et Charles Comfort. De 1943 à 1945, il est président de la Société canadienne des peintres en aquarelle.

Terme physiologique initialement employé par les surréalistes pour nommer les procédés tels que l’association libre, ou encore l’écriture, le dessin et la peinture automatiques, qui permettent d’accéder au subconscient sans que la pensée contrôlée ou la planification ne fassent interférence. Parmi les principaux praticiens européens de l’automatisme, on compte André Masson, Hans Arp et Joan Miró.

Groupe d’artistes montréalais qui s’intéressent au surréalisme et à la technique surréaliste de l’automatisme. Formé autour de l’artiste, professeur et théoricien Paul-Émile Borduas, le groupe des Automatistes expose régulièrement entre 1946 et 1954, et fait de Montréal un haut lieu de l’art d’avant-garde au milieu du vingtième siècle. Marcel Barbeau, Marcelle Ferron, Fernand Leduc, Jean-Paul Mousseau, Jean Paul Riopelle et Françoise Sullivan comptent parmi ses membres.

L’autoportrait est une forme de portrait dans lequel l’artiste est le sujet même de son œuvre. L’autoportrait donne un aperçu intime de l’identité de son créateur ou de sa créatrice, en même temps qu’il peut renseigner sur ses croyances et son processus créatif, en étant à la fois œuvre d’art et méthode d’autoréflexion.

Au début du dix-neuvième siècle, l’expression « avant-garde » entre dans le vocabulaire de l’art du philosophe socialiste Henri de Saint-Simon, qui croit que les artistes ont un rôle à jouer dans la mise en place d’une nouvelle société. La signification de l’expression évolue avec le temps et fait dorénavant référence à des artistes en lien avec leur époque plutôt qu’à un groupe d’artistes en particulier travaillant à moment précis de l’histoire. Le terme évoque le radicalisme et le rejet du statu quo, et est souvent associé à des œuvres provocatrices, qui cherchent la confrontation.

L’un des portraitistes et photographes de mode les plus influents du vingtième siècle, Avedon travaille pour de grands magazines, notamment Harper’s Bazaar et Vogue, réalisant les nombreuses photographies emblématiques qui font sa carrière. Son livre In the American West, un recueil de portraits photographiques de cowboys, de mineurs et autres habitants de l’Ouest américain, a été acclamé par la critique.

Né à Partis de parents juifs russes ayant fui la persécution dans leur pays d’origine, Claude Aveline est le pseudonyme d’Evgen ou Eugène Avtsine. Il adopte le nom à la fin de son adolescence et publie sous celui-ci pendant toute sa vie, sauf à un moment de l’occupation allemande de la France pendant la Seconde Guerre mondiale alors qu’il utilise le nom de plume Minervois. Auteur prolifique et membre actif de la Résistance française pendant la guerre, Aveline a écrit de la poésie, des romans, des mémoires et des essais. Désigné comme étant influent par Albert Camus, Aveline est une figure importante de la culture littéraire à Paris au vingtième siècle. 

Artiste pluridisciplinaire établi à Calgary, Averns pratique la sculpture, l’installation, la performance et la photographie. Il a enseigné à l’Université de Calgary, a œuvré dans l’administration des arts et a été commissaire d’expositions pour la Galerie des fondateurs des Musées militaires de Calgary. Averns a voyagé au Moyen-Orient en tant que participant du Programme d’arts des Forces canadiennes en 2009.

Artiste peintre et de l’installation, Eruoma Awashish est reconnue pour ses œuvres qui décolonisent la spiritualité autochtone en se réappropriant les symboles catholiques et en les mêlant aux traditions artistiques atikamekw. Son travail explore sa double identité atikamekw et québécoise, abordant les thèmes de l’hybridation, de la transformation et du deuil comme catalyseurs d’un renouveau personnel et culturel.

Artiste née en Pennsylvanie, Aycock s’impose comme l’une des premières à embrasser le land art. Basée en grande partie à New York, Aycock est surtout connue pour ses installations publiques à grande échelle, dans lesquelles se déploient des formes géométriques et d’autres se chevauchant. Elle utilise des matériaux organiques et industriels pour explorer des idées métaphysiques, des concepts cybernétiques et des avancées technologiques.

Artiste torontoise qui exprime dans ses tableaux – souvent tirés de photographies – ses préoccupations au sujet des différentes versions du réel et des aspects parfois effrayants des espaces « normaux ». Depuis 1977, Ayearst a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives en Ontario, au Québec et à l’étranger.

Le groupe British Columbia Indian Arts and Welfare Society (BCIAWS), dirigé par des non-Autochtones, est formé à la fin des années 1930 pour protéger et faire la promotion des arts et de l’artisanat autochtones. Sous la direction de l’éducatrice Victoria Alice Ravenhill, il regroupe des dirigeants d’églises et de pensionnats indiens, tels que le révérend George H. Raley, un missionnaire et un collectionneur. Le BCIAWS remet des bourses et présente des expositions pour encourager de jeunes artistes autochtones à fréquenter les pensionnats et externats indiens pour acquérir des habiletés en art et artisanat. Ces activités visent à trouver des moyens pour que les communautés autochtones gagnent de l’argent et deviennent autosuffisantes au sein de la structure économique de la société coloniale.

Artiste juif et survivant de l’Holocauste, Yehuda Bacon a décrit ses expériences dans les camps de concentration de Theresienstadt, Auschwitz, Mauthausen et Gunskirchen par des dessins à l’encre qui tentent de réconcilier l’artiste avec son histoire traumatique. Les dessins de la chambre à gaz et des crématoires d’Auschwitz qu’il a créés après sa libération ont été utilisés comme preuves dans le procès d’Adolf Eichmann qui s’est tenu en 1961 et 1962 à Jérusalem.

Peintre, sculpteur, architecte et fonctionnaire, François Baillairgé amorce une carrière en peinture religieuse et en sculpture après une formation inachevée à Paris. Son œuvre inclut des compositions originales et des copies. Il devient un architecte important, responsable des plans du palais de justice de Québec (1799), de la vieille prison de Québec (1808-1811, aujourd’hui édifice du Morrin College), et de l’ancienne prison de Trois-Rivières (1816-1822).

Artiste californien, Baldessari est reconnu comme l’un des fondateurs de l’art conceptuel. Peintre au milieu des années 1960, il commence à intégrer la photographie et le texte dans son œuvre et, dans les années 1970, il s’aventure dans la pratique de la sculpture, de l’installation, du cinéma et de la gravure. Dans son art, il s’approprie souvent des images qu’il modifie, efface, recombine et juxtapose à du texte pour en transformer le sens, ou pour offrir un commentaire social sur la culture contemporaine. Baldessari est aussi connu pour ses images photographiques superposées de points de couleur.

Peintre, sculpteur et théoricien de l’abstraction, Joost Baljeu a également été rédacteur en chef de la revue artistique internationale Structure, le texte de référence pour les artistes qui s’intéressent à l’art concret et constructiviste. Il est surtout connu pour ses grandes sculptures géométriques peintes en métal.

Surtout un peintre et un sculpteur, Balla est l’un des principaux membres du mouvement futuriste italien. Il signe leur deuxième manifeste, au sujet de la peinture, en 1910, et il expose des œuvres avec le groupe en 1913. Il s’intéresse à la nature de la vitesse et du mouvement et il est influencé par la chronophotographie d’Étienne-Jules Marey. Les tableaux de Balla représentent ce qu’il appelle des « séquences dynamiques » : des représentations de corps en mouvement qui poussent leurs sujets vers l’abstraction pour justement exprimer le mouvement. 

Corps de ballet parisien constitué en 1909 par l’imprésario russe Sergei Diaghilev. Protagonistes de l’avant-garde française du début du vingtième siècle, les Ballets russes présentent leur première saison à Paris, avant de se produire dans le reste de la France et à l’étranger, suscitant un intérêt renouvelé pour le ballet. Leurs spectacles sont traités comme des collaborations interdisciplinaires. Georges Balanchine, Jean Cocteau, Michel Fokine, Joan Miró, Anna Pavlova, Pablo Picasso et Igor Stravinsky sont parmi les nombreux danseurs, chorégraphes, peintres et compositeurs associés à la troupe, dissoute en 1929.

Peintre, illustrateur et scénographe autodidacte issu d’une famille extrêmement artistique dont le cercle comprenait l’écrivain Rainer Maria Rilke et l’artiste Pierre Bonnard. Bien que précocement talentueux, Balthus n’a été largement reconnu qu’à la fin de sa carrière, peut-être parce que son oeuvre d’inspiration classique semblait en contradiction avec l’éthos du modernisme, qui dominait les beaux-arts de son époque.

Une balustrade est une rangée de balustres – des colonnes courtes, généralement décoratives – qui soutient une rampe pour former une barrière ou un parapet ornemental ou protecteur qui suit le bord d’un étage supérieur, d’une terrasse, d’un balcon, d’un pont, etc.

La « bande de Beaupré » est une communauté informelle d’artistes dont les membres – parmi lesquels William Brymner, Maurice Cullen et James Wilson Morrice – partagent un intérêt commun pour la représentation du paysage canadien, en particulier la région de Beaupré, près de la ville de Québec dans la province du même nom. Les artistes du groupe peignaient souvent ensemble et s’influençaient mutuellement.

Peintre, aquarelliste et poète, Frances Jones (Bannerman à partir de 1886) compte parmi les tout premiers artistes d'Amérique du Nord à travailler dans le style impressionniste. Elle est la première femme à être élue membre associée de l’Académie royale des arts du Canada en 1882. Au Salon parisien de 1883, elle expose Le jardin d’hiver, une première et exceptionnelle représentation d’un sujet canadien à figurer à l'exposition. Plus tard, l’artiste développe la polyarthrite chronique évolutive et se tourne vers la poésie.

Artiste né au Nouveau-Brunswick et membre de l’école américaine de Barbizon, un groupe de peintres réalistes dont les œuvres, à l’instar de celles de l’école française de Barbizon dont ils s’inspiraient, représentent des scènes rurales et des paysages bucoliques. Bannister passe la majeure partie de sa vie en Nouvelle-Angleterre, où il devient une figure influente du mouvement abolitionniste de Boston. Il est cofondateur du Providence Art Club et de la Rhode Island School of Design.

Barbeau est membre du groupe des Automatistes et ancien élève de son fondateur, Paul-Émile Borduas, à l’École du meuble de Montréal. Les modes d’expression artistiques de Barbeau oscillent entre une approche libre, dans la veine automatiste, et une peinture de couleurs pures, dans le style hard-edge.

Barbeau, un pionnier de l’anthropologie et de l’ethnologie au Canada, est aussi considéré comme l’instigateur de la recherche scientifique dans le domaine du folklore au pays. Embauché au Musée national du Canada (aujourd’hui le Musée canadien de l’histoire) à Ottawa, il a étudié les communautés canadiennes-françaises et autochtones. Il a recueilli des chants et des légendes, acquis des œuvres d’art, et fait l’inventaire de coutumes et d’organisations sociales. Ses intérêts l’ont poussé à collaborer avec plusieurs artistes, notamment Emily Carr, A. Y. Jackson et Jean Paul Lemieux.

Un village au bord de la forêt de Fontainebleau, près de Paris et, au cours des années 1830 à 1870, un lieu de rassemblement pour les paysagistes français qui rejettent le style académique en faveur du réalisme. Ce groupe informel, plus tard connu sous le nom d’école de Barbizon, met l’accent sur la peinture de plein air, dans la nature et directement issue de la nature, ouvrant la voie à l’impressionnisme. Les principaux artistes du groupe comprennent Théodore Rousseau, Jean-François Millet et Jean-Baptiste-Camille Corot.

Illustrateur surtout connu pour ses travaux publicitaires des années 1920 et 1930 représentant des femmes à la mode et à la beauté classique, audacieusement esquissées et colorées. Son travail est publié dans de nombreux périodiques populaires; il a conçu la « Fisher Body Girl » pour General Motors, des affiches de cinéma hollywoodiennes et des affiches de recrutement pendant la Seconde Guerre mondiale.

Sculptrice, native de Vancouver et héritière d’artistes renommés de la côte du Nord-Ouest, notamment Ellen Neel et Naka’pankam (Mungo Martin), Barkhouse vit actuellement en Ontario. Les loups, les coyotes et les hiboux peuplent ses œuvres, lesquelles abordent les thèmes de l’impact du colonialisme et de la gestion des terres. Le travail de Barkhouse figure au sein des principales institutions canadiennes et ses nombreux projets d’art public sont exposés partout en Ontario.

Originaire de Pennsylvanie, Barnard étudie à l’Art Institute of Chicago avant de s’installer en France en 1883, où il fréquente l’École des beaux-arts et s’inspire de l’œuvre d’Auguste Rodin. À son retour aux États-Unis, il s’établit à New York et devient célèbre pour ses sculptures pour le Capitole de l’État de Pennsylvanie.

Barnet est un peintre et un graveur connu pour son approche géométrique, en aplat et semi-abstraite de la figuration. Établi à New York dès les années 1930, il travaille à la Art Students League avant d’occuper des postes de professeur à la Cooper Union, l’Université Yale et la Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Son style de figuration inédit et expérimental inspire une génération d’artistes modernistes alors en plein essor, comme Cy Twombly, Mark Rothko et Marion Nicoll.

Artiste reconnu pour ses paysages, James M. Barnsley naît en Ontario et grandit à St. Louis, Missouri, où il étudie à la St. Louis School of Fine Arts. Il voyage en Europe pour poursuivre ses études, notamment à l’Académie Julian, et il expose au Salon de Paris. Il s’établit ensuite à Montréal. Il cesse de peindre en 1892 en raison de problèmes de santé.

Tendance artistique des dix-septième et dix-huitième siècles, le baroque se caractérise par des œuvres au mouvement exacerbé, empreintes de majesté et d’expressivité. Le baroque trouve ses origines à Rome, il constitue la réponse de l’Église catholique à la réforme protestante, laquelle priviégiait un engagement spirituel austère avec le divin. En revanche, le baroque est oppulent, il magnifie le désordre, contrairement au classicisme tenant de l’ordre, et suscite le vertige par sa grandeur outrée.

Sculpteur structuriste du Michigan reconnu pour ses reliefs muraux et ses sculptures publiques d’envergure, David Barr mène sa carrière pendant cinquante ans et crée des œuvres qui s’appuient sur les mathématiques pour explorer les structures sous-jacentes du monde naturel. En 1995, il fonde le Michigan Legacy Art Park, un parc de sculptures en plein air situé près de Thompsonville, au Michigan.

Peintre et graphiste établi, connu pour ses dessins et ses gravures, Barraud immigre au Canada en 1913 depuis l’Angleterre. Il devient artiste de guerre officiel du Canada pendant la Première Guerre mondiale, après avoir été blessé en service, au sein du 43^e bataillon, en 1916. Professeur éminent à la Winnipeg School of Art (qui fait maintenant partie de l’Université du Manitoba), Barraud a enseigné la gravure à plusieurs élèves remarquables, notamment Walter J. Phillips.

Grande figure de l’histoire intellectuelle du vingtième siècle, Roland Barthes est sémiologue, critique littéraire et social, philosophe et essayiste. Ses ouvrages Le Degré zéro de l’écriture, 1953, et Mythologies, 1957, contribuent à faire du structuralisme un cadre théorique dominant, tandis que La chambre claire, note sur la photographie, 1980, reste l’un des ouvrages théoriques les plus marquants jamais écrits sur cette sphère d’activité.

Connu pour sa conception de la Statue de la Liberté à New York, Bartholdi étudie la peinture sous la direction d’Ary Scheffer (1795-1858) et la sculpture sous celle d’Antoine Étex (1808-1888) et de Jean-François Soitoux (1824-1891). Il se passionne pour la sculpture monumentale au milieu des années 1850 après avoir vu le Sphinx et les Pyramides de Gizeh en Égypte.

Illustrateur britannique qui sillonne l’Amérique du Nord des années 1830 à 1850, produisant des dessins de paysages pour divers ouvrages illustrés. Bartlett réalise 120 dessins pour le Canadian Scenery Illustrated (1842), un projet de l’éminent écrivain et journaliste américain Nathaniel Parker Willis.

Compositeur, pianiste et ethnomusicologue, Béla Bartók intègre des influences folks hongroises à ses compositions classiques. Au début du vingtième siècle, avec Zoltán Kodály, Bartók collectionne et transcrit la musique traditionnelle de la campagne hongroise. Dans ses compositions, il fait appel à la dissonance et aux rythmes dynamiques découverts au cours de ses recherches et il intègre à la fois l’influence des compositeurs classiques du dix-neuvième siècle et celle des modernistes du vingtième. Incapable de demeurer en Hongrie alors que la puissance nazie s’étend à toute l’Europe, Bartók immigre à New York en 1940.

De 1791 à 1840, une partie du Québec actuel était une colonie britannique connue sous le nom de Bas-Canada. En 1841, le Bas-Canada est rebaptisé Canada-Est lors de la création de la Province du Canada. Il deviendra le Québec après la Confédération canadienne en 1867.

Ouvrage de sculpture dont le motif décoratif est en faible saillie sur un fond uni. Les bas-reliefs abondent dans le design architectural extérieur du monde entier.

Peintre naturaliste français parmi les plus importants, Bastien-Lepage est reconnu pour ses scènes de la vie rurale et pour ses portraits d'acteurs célèbres. Il étudie auprès d’Alexandre Cabanel à l'École des beaux-arts en 1867 et se voit attribuer la prestigieuse Légion d'honneur en 1879 pour son Portrait de Sarah Bernhardt, 1879.

Bates est un architecte et un artiste dont les peintures expressionnistes sont conservées dans les principales institutions muséales du Canada. Soldat de l’armée territoriale britannique durant la Seconde Guerre mondiale, il est capturé en France et passe cinq ans dans un camp de prisonniers de guerre. Il raconte son expérience dans son livre A Wilderness of Days (1978).

Le batik est une technique artistique consistant à teindre des tissus à l’aide d’une résine de cire pour créer des motifs, des textes et des dessins décoratifs. Si cette technique est originaire de Java, en Indonésie, elle est également pratiquée en Inde, en Malaisie, au Sri Lanka et en Afrique centrale et occidentale. Le batik suppose l’usage d’une cire résistante aux colorants pour dessiner des motifs sur le tissu, qui est ensuite plongé dans une teinture d’une seule couleur. Après quoi la cire est enlevée avec de l’eau bouillante et le processus est répété avec différentes couleurs, si désiré, afin de créer un motif.

Poète et critique d’art influent qui a inspiré le mouvement symboliste et révélé les contradictions sensuelles entre les ruines de la vie urbaine et la beauté, Baudelaire est peut-être mieux connu pour son recueil de poésie de 1857 Les fleurs du mal, qui explore les tabous des valeurs bourgeoises. Il est associé au philosophe et critique culturel Walter Benjamin et aux figures du flâneur et de la bohème.

Ouverte de 1919 à 1933 en Allemagne, l’école du Bauhaus a révolutionné la formation en arts visuels au vingtième siècle en intégrant beaux-arts, métiers d’art, design industriel et architecture. Parmi ses professeur·es, mentionnons Josef Albers, Walter Gropius, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe et László Moholy-Nagy.

Artiste d’installation conceptuelle, photographe et cinéaste qui s’intéresse à la tradition ethnographique occidentale et à la façon dont la perspective colonialiste a été construite. Baumgarten a été critiqué pour son œuvre Monument for the Native People of Ontario (Monument aux Autochtones de l’Ontario), 1984-1985, que l’artiste saulteaux Robert Houle a qualifié « d’anthropologie romantique ». Baumgarten enseigne à l’Universität der Künste de Berlin.

Figure clé de l’histoire de l’art conceptuel au Canada, Iain Baxter cofonde, en 1966, avec Ingrid Baxter, la N.E. Thing Co., un collectif d’artistes conceptuels; la même année, il lance la galerie et le programme d’arts visuels de l’Université Simon Fraser. Sa démarche réunit habituellement la photographie, la performance et l’installation. En 2005, Iain Baxter change de nom pour devenir IAIN BAXTER, afin de souligner son approche non autoritaire de la production artistique.

Nommé peintre de guerre officiel pour l’Aviation royale canadienne en 1944, Bayefsky dépeint le camp de concentration de Bergen-Belsen après sa libération en 1945. Tout au long de sa carrière, il dénonce l’antisémitisme par son art et crée une série d’œuvres qui explorent son propre héritage juif. Il enseigne au Ontario College of Art de Toronto et est nommé membre de l’Ordre du Canada en 1979.

Né en Russie, émigré aux États-Unis au début du vingtième siècle, Baylinson est un peintre cubiste établi à New York dans les années 1910 et 1920. Ses tableaux deviennent plus figuratifs après un incendie dans son studio en 1931 qui détruit la majorité de ses œuvres antérieures. Il occupe les fonctions de secrétaire de la Society of Independent Artists à New York, de 1918 à 1934, période au cours de laquelle il sera à l’origine d’une controverse en raison de sa décision d’exposer une peinture intitulée Père, pardonnez-leur : ils ne savent pas ce qu’ils font, de l’artiste suisse Jean-François Kaufman, lors d’une exposition de la société. 

Photographe né au Massachusetts, Beal immigre au Manitoba en 1906 et est l’une des premières personnes noires à s’installer dans la vallée de la rivière Swan. Ingénieur de métier, Beal s’initie à la photographie de façon autodidacte et ouvre un studio où, de 1915 à 1925, il réalise des portraits et des scènes de la vie quotidienne de sa communauté rurale.

L’une des premières photojournalistes aux États-Unis, Beals, née à Hamilton (Ontario), développe une production variée composée de portraits de célébrités et de portraits ethnographiques, ainsi que d’autres photographies pour divers journaux et magazines. Plus tard, elle crée son propre studio à Greenwich Village, à New York.

Artiste né à Montréal et établi à Brooklyn, Bealy produit des œuvres de collages et de techniques mixtes. Il a fréquenté l’École d’art du Musée des beaux-arts de Montréal. Membre du centre d’artistes autogéré Véhicule Art, Bealy y utilise la presse à imprimer pour publier son premier magazine artistique et littéraire, Davinci. Après avoir déménagé à New York en 1975, il travaille comme directeur artistique de publicité et fonde le magazine artistique interdisciplinaire Benzene, publié dans les années 1980.

Artiste multimédia qui a expérimenté la photographie, Beam a été le fer de lance de la récupération de l’espace culturel par des artistes autochtones contemporains au Canada. Il a souvent travaillé à partir de collages photographiques mettant en scène des photos de famille, des textes, des dessins, et des images récurrentes portant sur l’anatomie des oiseaux par exemple, l’iconographie chrétienne ou les célèbres combattants pour la liberté. Sa peinture The North American Iceberg (L’iceberg nord-américain), 1985, est la première œuvre d’un artiste autochtone reconnue comme art contemporain achetée par le Musée des beaux-arts du Canada. En 2005, il reçoit le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques.

Éminent artiste figuratif et paysagiste, membre de l’Académie royale des arts du Canada (ARC), Beament a été artiste de guerre officiel pendant la Seconde Guerre mondiale. Pendant son mandat, il a dépeint des scènes tirées de ses expériences en tant que commandant naval en mer Méditerranée, dans la Manche et dans les eaux de l’Atlantique Nord et de Terre-Neuve.

Membre de la Première Nation Neqotkuk (Tobique), au Nouveau-Brunswick, et locutrice de la langue wabanaki, l’artiste multidisciplinaire, écrivaine et activiste Shirley Bear est connue pour ses toiles gestuelles et picturales qui s’inspirent souvent de l’histoire culturelle et du symbolisme wabanaki. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions partout au Canada et aux États-Unis. Bear est nommée membre de l’Ordre du Canada en 2011, en reconnaissance de son influence artistique et de l’importance de son militantisme en faveur des droits et de la représentation des peuples autochtones.

Cet auteur, dessinateur et illustrateur est l’une des figures marquantes de l’Art nouveau et du symbolisme à la fin du dix-neuvième siècle. Beardsley produit un œuvre remarquable pendant sa courte vie, dont les illustrations de Salomé (1894) d’Oscar Wilde sont parmi ses dessins les plus connus.

Peintre reconnu pour son style graphique qui incorpore des aplats de couleurs chaudes et pour ses représentations de légendes autochtones et de concepts spirituels et cosmologiques. Membre fondateur de la Professional Native Indian Artists Inc. (PNIAI), Beardy agit essentiellement comme conseiller et enseignant en art autochtone au cours des dernières années de sa carrière.

Peintre et professeur influent de l’Ontario College of Art (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO), J. W. Beatty est désireux d’établir un style de peinture proprement canadien. Il est un contemporain de Tom Thomson et du Groupe des Sept, bien que son approche picturale soit plus traditionnelle que celle de ces derniers. Son tableau le plus connu, Evening Cloud of the Northland (Nuage du soir dans le Nord), 1910, est conservé au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa.

Henri Beau est un peintre impressionniste québécois qui passe une grande partie de sa vie à Paris, où il voyage pour la première fois en 1886. Il participe aux expositions de salons européens et nord-américains, menant aussi une vie publique active qui le conduit à être nommé Officier à l’Académie française. De 1915 à 1938, toujours installé à Paris, il occupe le poste de « peintre officiel des Archives publiques du Canada ».

Principalement portraitiste et professeure d’art, Amélie Beaury-Saurel enseigne et fait de la supervision à l’Académie Julian à Paris après avoir épousé le fondateur, Rodolphe Julian. Elle devient la directrice de l’Académie après sa mort en 1907. En 1923, Beaury-Saurel reçoit la Légion d’honneur pour son engagement en faveur de l’éducation artistique.

Style architectural qui émerge à Paris en France, au dix-neuvième siècle, et qui tire son nom de l’École des beaux-arts de la ville où il se développe et est enseigné dans le cadre d’une approche académique de l’architecture. Il s’appuie sur des influences grecques et romaines classiques, mais intègre également des matériaux modernes comme le verre et l’acier ainsi que des éléments empruntés aux autres styles historiques. L’architecture Beaux-Arts se répand partout en Europe et en Amérique du Nord et devient l’un des styles caractéristiques des bâtiments publics et institutionnels du dix-neuvième et du début du vingtième siècle.

Né en Nouvelle-France, ce cartographe et dessinateur était procureur du roi en la Prévôté de Québec. Son talent pour le dessin était reconnu par ses contemporains; il l’est encore par les historiens de la Nouvelle-France.

Couple de photographes reconnus pour leurs clichés documentant l’architecture des bâtiments industriels en Europe et en Amérique du Nord, Bernd et Hilla Becher ont également été des professeurs influents de l’école de photographie de Düsseldorf. Ils se distinguent par leur esthétique en noir et blanc, leur approche conceptuelle de la photographie architecturale et l’exploitation de la disposition en grille.

Bechtle est un peintre et une figure marquante du photoréalisme. Le réalisme saisissant, le sujet à première vue inoffensif (voitures, maisons, familles) et la composition désordonnée de ses tableaux sont tous des indices de son utilisation de la photographie comme matériau source, une partie importante de son processus depuis les années 1960. Une rétrospective majeure de son travail s’est tenue au SFMOMA en 2005 et a fait la tournée d’institutions artistiques majeures.

Peintre, Clarice Beckett a vécu et travaillé à Melbourne, en Australie. Elle a été l’élève du peintre tonaliste Max Meldrum, duquel elle a suivi le style en faisant usage de variations et de superpositions tonales dans la création d’atmosphère.. Beckett est connue pour représenter des scènes de son environnement, souvent dans la lumière de l’aube ou du crépuscule, et enveloppé de brume. Son œuvre, méconnue de son vivant, fait aujourd’hui partie d’importantes collections australiennes.

Samuel Beckett écrit des romans, de la poésie et des essais, tant en anglais qu’en français, avant de devenir célèbre avec sa pièce En attendant Godot en 1953. Ses récits, qui mettent en scène des personnages qui souffrent dans des situations extrêmes et absurdes où le sens est illusoire, sont axés sur une sorte d’humanité élémentaire privée des traits de la société. Il est l’un des principaux auteurs du théâtre français de l’absurde. Beckett a reçu le prix Nobel de littérature en 1969.

Peintre et graveur associé à l'expressionnisme, Beckmann a néanmoins rejeté le mouvement. Son œuvre se caractérise par une complexité émotionnelle brute, des couleurs vives et une imagerie souvent troublante ou violente. Son expérience de la Première Guerre mondiale l’incite à explorer la condition humaine et les thèmes de la souffrance et de la tourmente dans son art.

Artiste, militante et autrice, Christi Belcourt est connue pour ses peintures aux motifs complexes inspirés des motifs floraux du perlage traditionnel métis. Dans ses tableaux foisonnent les fleurs, les plantes et les animaux aux couleurs vives peints sur fond noir. L’artiste célèbre les merveilles et l’abondance du monde naturel, tout en attirant notre attention sur la précarité de la nature en cette période de crise environnementale. Elle a reçu de nombreuses distinctions prestigieuses, dont le Prix du gouverneur général pour l’innovation en 2016.

Aquarelliste et peintre à l’huile prolifique mieux connu aujourd’hui pour ses paysages et surtout pour ses panoramas des chaînes de montagnes Rocheuses et Selkirk. Né en Angleterre, Bell-Smith a fait des études en arts à Londres avant d’immigrer au Canada en 1867, où il a travaillé et enseigné à Montréal, Hamilton, Toronto et ailleurs dans le sud de l’Ontario. Il a fait sa première visite en Colombie-Britannique en 1887 grâce à des billets gratuits fournis par le Chemin de fer Canadien Pacifique, et son engagement intense avec les montagnes l’y ramènera plusieurs fois au cours des trois décennies suivantes.

Critique d’art et membre du Bloomsbury Group, Bell est l’un des premiers promoteurs des postimpressionnistes français en Angleterre. À l’instar de Roger Fry, il souscrit au formalisme et conçoit la notion de « forme signifiante » en tant que propriété commune à toutes les œuvres d’art, distincte de la beauté, et nécessaire pour susciter des émotions chez le spectateur. Bell est le mari de la peintre britannique Vanessa Stephen, sœur de l’écrivaine Virginia Woolf. 

Peintre et designer d’intérieur, Vanessa Bell est membre du groupe Bloomsbury, un cercle britannique d’avant-garde réunissant des auteurs, des artistes et des intellectuels. Bell, qui adopte rapidement le style de peinture non représentationnel britannique, se tourne ensuite vers un style plus naturaliste après la Première Guerre mondiale.

Peintre et graveur, Bellefleur est surtout réputé pour ses toiles texturées à la touche apparente et composées de formes géométriques superposées et d’amalgames de couleurs vives. Étudiant à l’École des beaux-arts de Montréal, il est fortement inspiré par les explorations surréalistes et automatistes de ses collègues artistes, dont Jean Benoît, Mimi Parent et Alfred Pellan.

Obscur photographe commercial actif à la Nouvelle-Orléans dans les années 1910, dont les portraits de prostituées de la ville, réalisés sur des plaques de verre de 8 sur 10 pouces, deviennent célèbres après que Lee Friedlander en ait fait l’acquisition et les ait reproduites.

Peintre et lithographe, célèbre étudiant de Robert Henri et coorganisateur de l’Armory Show. Sa carrière prolifique et diversifiée — il passe rapidement des portraits d’enfants ouvriers à des scènes de matchs de boxe illégaux, puis aux marines — prend fin brusquement quand une appendicite perforante met fin à sa vie.

Sculpteur et artiste d’installation travaillant principalement à l’aide de techniques de sculpture sur pierre et d’orfèvrerie en cuivre pour créer des formes qui reflètent les relations des Autochtones et des colons avec la nature. En réponse au traitement de la nature comme d’une marchandise, Belmore dépeint les actions sous-estimées de l’environnement : les bassins hydrographiques, l’évolution du littoral, l’altération de la pierre et l’expérience du paysage dans le temps. Il est récipiendaire de plusieurs prix et membre de l’Académie royale des arts du Canada (ARC).

Notoire pour sa contribution à l’art canadien, Belmore est une artiste de performance et d’installation de premier plan, reconnue pour son travail politiquement chargé qui aborde les questions non résolues de l’histoire, des traumatismes et de l’identité dans les espaces coloniaux du Canada et des Amériques. Parmi ses œuvres les plus célèbres, mentionnons la vidéo Vigil (Vigile), 2002, qui attire l’attention sur les centaines de femmes autochtones disparues dans le Downtown Eastside de Vancouver. En 2005, Belmore est devenue la première femme autochtone à représenter le Canada à la Biennale de Venise.

Né à Rimouski, Belzile reçoit sa formation de peintre à Toronto et Paris dans les années 1940 et 1950. De retour au Québec, il devient membre fondateur du groupe des Plasticiens en 1955 et produit un art géométrique. Plus tard, il adopte une forme plus lyrique d’art abstrait à la différence de celui que défend le groupe.

Peintre, graveur et professeur, Benjamin-Constant est connu pour ses peintures orientalistes et historiques, de même que pour ses portraits dans le style académique français du dix-neuvième siècle. Ses œuvres mettent souvent en scène des représentations exotiques et idéalisées de l’Afrique du Nord et du Moyen-Orient. Membre de la Société nationale des beaux-arts, Benjamin-Constant expose régulièrement au Salon parisien.

Artiste, auteur et militant de London en Ontario. Benner étudie le génie agricole à l’Université de Guelph, ce qui l’incite probablement à faire de la production et de la consommation alimentaire des thèmes récurrents de son œuvre. Ses installations (photographiques, de techniques mixtes ou en jardins) sont exposées à l’échelle internationale. En outre, de grandes institutions canadiennes, dont le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa et le Musée des beaux-arts de l’Ontario à Toronto, en possèdent dans leurs collections.

Artiste multidisciplinaire mi’kmaw né à Ktaqmkuk (Terre-Neuve), Bennett englobe dans sa pratique la peinture, la sculpture, l’art textile, l’installation et l’art cinématographique et exploite souvent des couleurs et des motifs lumineux inspirés des cultures mi’kmaw et béothuk. Il détient un baccalauréat en beaux-arts du campus Grenfell de l’Université Memorial, à Terre-Neuve-et-Labrador, et une maîtrise en beaux-arts du campus Okanagan de l’Université de la Colombie-Britannique. Il a été quatre fois en nomination pour le Prix Sobey pour les arts.

L’homme d’affaires Jules-Isaïe Benoît, dit Livernois, et son épouse Élise L’Heureux ouvrent leur studio de photographie à Québec en 1853 où ils connaissent un succès fulgurant. Livernois enseigne également la photographie. Après son décès, L’Heureux, puis leur fils Jules-Ernest Livernois reprennent l’entreprise familiale. Leurs clichés sont conservés au Musée national des beaux-arts du Québec.

Artiste né à Québec, Jean Benoît est principalement connu pour ses sculptures de même que ses costumes mécaniques et biomorphiques. Il étudie à l’École des beaux-arts de Montréal aux côtés de l’artiste surréaliste Mimi Parent, qu’il épousera en 1948. En 1959, Benoît rejoint le cercle des surréalistes, qui le surnomment le charmeur de serpent en référence aux formes serpentines qui sont emblématiques de son œuvre.

Peintre, lithographe et illustrateur qui croit fermement au rôle social de l’art. Après s’être intéressé à l’abstraction, Benton récuse le modernisme apolitique pour devenir un peintre régionaliste engagé et un muraliste très en demande. Ses œuvres monumentales et narratives, au contenu politique, ornent de nombreux bâtiments publics et privés dans son Missouri natal, de même qu’à New York et à Chicago.

Élevé à Vienne, Berczy a travaillé comme peintre en Italie et en Angleterre avant de se rendre dans le Haut-Canada en 1794. Il est devenu un portraitiste populaire à York (Toronto), puis à Montréal. Les œuvres les plus célèbres de Berczy comprennent un portrait en pied de Joseph Brant, v.1807, et le portrait de groupe The Woolsey Family (La famille Woolsey), 1808-1809.

Né en Allemagne, Bergman arrive au Canada en 1914. L’année suivante, il connaît le succès en tant que graveur sur bois et photograveur commercial chez Brigdens of Winnipeg Limited, où il a participé à différents projets, dont le catalogue d’Eaton. Ses gravures artistiques représentent principalement des paysages naturels et des études de plantes en noir et blanc, et se démarquent par l’usage de forts contrastes et une attention particulière accordée aux détails. Il a été président de la Société des artistes du Manitoba.

Un philosophe français qui s’intéresse aux différences entre le temps mécanique et le temps vécu (la durée) et leurs conséquences sur le changement, l’évolution et la conscience. Il est également bien connu pour sa théorie de la multiplicité. Personnage influent pour les philosophes de la fin du vingtième siècle, dont Gilles Deleuze, Bergson remporte le prix Nobel de littérature en 1927. 

Sculpteur et architecte baroque, Gian Lorenzo Bernini amorce sa carrière à Rome. Rejetant le maniérisme de la fin du seizième siècle en faveur d’une liberté formelle et conceptuelle, il passe rapidement des sculptures individuelles aux compositions plus complexes et aux monuments architecturaux qui révèlent sa technique magistrale : des ensembles décoratifs destinés aux fontaines et des monuments, aux églises et chapelles de Rome. En tant qu’architecte, il vise à créer des environnements qui incluent autant les grandes compositions sculpturales que la structure leur servant d’écrin.

Criminologue et anthropologue du dix-neuvième siècle, Bertillon est le premier à appliquer l’étude du cliché anthropométrique aux forces de l’ordre. Il met au point une méthode d’identification des individus qui, reposant sur la prise de mesures physiques et l’analyse de photographies, permet d’appréhender des criminels. Bertillon incorpore la photographie à d’autres techniques médico-légales telles que la documentation des scènes de crime et des preuves.

Éminente réformatrice sociale qui, des années 1870 aux années 1920, soutient activement de nombreuses causes, en particulier les droits des femmes et des travailleurs, la santé des femmes, l’éducation nationale et l’indépendance de l’Inde. En 1893, Besant s’installe en Inde, où elle fonde l’Indian Home Rule League et devient une figure importante de l’Indian National Congress. Membre et figure de proue de la Société théosophique, elle contribue au rayonnement de ce mouvement spirituel ésotérique dans le monde.

Médecin de renom, inventeur de plusieurs instruments médicaux et de l’unité médicale mobile, Norman Bethune, communiste avoué, milite pour la justice sociale au profit de la population pauvre du Canada. Il participe à divers combats politiques internationaux, notamment en Espagne, pendant la guerre civile, et en Chine, au cours de la Guerre sino-japonaise.

Galerie fondée par la marchande d’art, collectionneuse et peintre Betty Parsons en 1946 à Manhattan. La Betty Parsons Gallery a été l’un des premiers soutiens de nombreux artistes expressionnistes abstraits américains. La galerie a fermé ses portes dans les années 1980.

Artiste visuel versatile, performeur, éducateur et activiste politique, Joseph Beuys formule « le concept élargi de l’art », selon lequel toute personne peut agir avec créativité, une créativité qui s’étendrait dès lors à toutes les sphères de la vie. Les animaux sont un thème important de ses œuvres expressionnistes, souvent à visées symboliques, tout comme le feutre et la graisse sont ses matériaux privilégiés.

Beveridge est un artiste de Toronto qui forme un duo artistique avec Carole Condé depuis la fin des années 1960. D’abord attirés par l’art conceptuel, ils se consacrent à la création d’un art socialement engagé dans les années 1970. En collaboration avec des syndicats et des organisations communautaires, Condé et Beveridge créent des séries photographiques mises en scène qui explorent la relation entre le travail rémunéré et les enjeux environnementaux, les droits de l’homme et le clivage des classes sociales.

Fondé en 1996, BGL est un collectif d’artistes établis à Québec. Ses trois membres, Jasmin Bilodeau, Sébastien Giguère et Nicolas Laverdière (les lettres « BGL » correspondent aux initiales de leurs noms de famille), créent des œuvres d’installation de grande envergure, souvent irrévérencieuses et teintées d’humour et d’ironie, qui intègrent des éléments cinétiques. Présélectionné pour le Prix Sobey pour les arts en 2006, BGL représente le Canada à la Biennale de Venise en 2015 avec l’installation Canadassimo.

Institution fédérale située à Ottawa, Bibliothèque et Archives Canada (BAC) est responsable de la collecte et de la préservation du patrimoine documentaire canadien. BAC est née en 2004 de la fusion de deux entités distinctes : les Archives nationales du Canada et la Bibliothèque nationale du Canada. L’institution, la cinquième bibliothèque en importance au monde, abrite une collection riche de plus de 19 millions de livres, 21 millions de photographies et 350 000 œuvres d’art.

Considéré comme le principal praticien de l’art structuriste, Charles Biederman est un peintre dont les œuvres les plus connues sont des panneaux muraux peints en relief peu profonds. Ces œuvres sont influencées par l’art géométrique non objectif dans lequel Biederman intègre des éléments tridimensionnels grâce à divers matériaux, dont le bois, le plastique et l’aluminium. Ses œuvres influenceront le mouvement artistique ultérieur, l’op art.

Mouvement artistique né de l’expansion de la bourgeoisie en Europe centrale (en particulier en Allemagne et en Autriche), il désigne sa culture et son mode de vie familiale traditionnels, entre la fin des guerres napoléoniennes en 1815 et les révolutions de 1848. Les peintures du Biedermeier, qu’il s’agisse de paysages, de portraits ou de scènes de genre représentant des activités domestiques quotidiennes, sont connues pour leur sentimentalisme.

Personnage clé dans l’histoire de l’art au Canada en vertu de son militantisme en faveur des arts (qui prépare le terrain pour la création du Conseil des arts du Canada), de son influence comme enseignant et de son œuvre abondant. Dans ses peintures, ses murales, ses estampes et ses sculptures, Biéler fait preuve d’un intérêt proprement moderniste à l’égard de la forme, de la ligne et de la couleur, qu’il applique à l’exploration de sujets régionalistes, notamment des paysages, des figures et des scènes de genre issus du monde rural.

Sculpteur et pédagogue né à Kingston (Ontario), Ted Bieler est connu pour ses œuvres d’art public de grande envergure, exposées partout au Canada et dans le monde entier, dont Triad (Triade), 1984, installée sur la rue Front à Toronto. Bieler a enseigné à la Albright-Knox Art School de l’Université de Buffalo, à l’Université de Toronto et à l’Université York; à cette dernière université, au département des arts visuels et d'histoire de l'art de l'école des arts, médias, performances et design, il est aujourd’hui professeur émérite.

La Biennale de São Paulo est une exposition d’art international et brésilien de grande envergure, organisée tous les deux ans depuis 1951 dans la ville de São Paulo, au Brésil. Il s’agit de la deuxième plus ancienne biennale d’art au monde après la Biennale de Venise et de l’un des événements artistiques les plus importants d’Amérique latine. Organisée dans le pavillon Ciccillo Matarazzo du parc d’Ibirapuera, des dizaines de pays y sont représentés à chaque édition.

Exposition d’art contemporain d’une durée de trois mois qui a lieu tous les deux ans à Sydney, en Australie, la Biennale de Sydney est fondée en 1973 dans le but de faire connaître au monde des œuvres de pointe. Elle est maintenant l’un des festivals les plus prestigieux du genre, aux côtés de la Biennale de Venise, la Biennale d’art de São Paulo et documenta.

Auparavant connue sous le nom de Vancouver International Sculpture Biennale (Biennale de la sculpture internationale de Vancouver), la Biennale de Vancouver est un événement d’art public lancé en 1998 avec une exposition de quatre mois d’œuvres de sculpteurs internationaux présentée le long de la baie des Anglais à Vancouver. Renommée en 2004, la Biennale accueille maintenant à la fois des sculptures et des œuvres de nouveaux médias sur des sites extérieurs partout à Vancouver et dans les villes avoisinantes de New Westminster, North Vancouver, Squamish et Richmond en Colombie-Britannique. Les œuvres présentées dans le cadre de la Biennale demeurent exposées pendant deux ans.

Fondée en 1895, la Biennale de Venise est une exposition bisannuelle consacrée à l’art avant-gardiste et contemporain des pays participants, dont beaucoup ont des pavillons permanents dans une section des Giardini, l’espace vert où se tient l’événement. Historiquement, il y a eu plusieurs ajouts à la programmation de la Biennale, y compris des festivals de cinéma, de théâtre et de musique. Actuellement, les principaux événements sont l’Exposition internationale d’art, qui se tient les années impaires, et l’Exposition internationale d’architecture (ou Biennale d’architecture de Venise), qui se tient les années paires. De nos jours, elle attire régulièrement plus de 370 000 visiteurs. Le Canada y participe depuis 1952.

Grand paysagiste américain du dix-neuvième siècle, Bierstadt est connu pour ses peintures monumentales de l’Ouest américain. À l’âge de deux ans, il quitte la Prusse avec sa famille pour s’installer au Massachusetts. Dans sa vingtaine, il retourne cependant en Europe pour étudier et se former. Sa carrière prend son essor dès qu’il décide de mettre ses compétences techniques à profit pour produire des paysages panoramiques imprégnés de symbolisme. Bierstadt fait partie de la dernière génération d’artistes de la Hudson River School.

L’artiste vancouvérois Bertram Charles (B. C.) Binning, l’un des premiers peintres modernistes de l’Ouest canadien, est influencé par l’architecture moderniste. Sa conviction que l’art, l’architecture et la vie sont intimement liés l’incite à fonder, avec Fred Amess, le Art in Living Group à la Vancouver School of Art en 1943. Il fonde également la faculté des beaux-arts de l’Université de la Colombie-Britannique en 1949.  

Contrairement à l’anthropocentrisme, le biocentrisme est une position éthique selon laquelle toutes les formes de vie ont la même valeur plutôt que d’attribuer aux êtres humains une valeur intrinsèque supérieure à celle des autres êtres vivants. Lié à l’éthique environnementale et à l’activisme, le biocentrisme considère que chaque espèce fait partie d’une communauté interdépendante et appelle à repenser la relation de l’être humain avec la nature.

Artiste saulteaux et cri de la Première Nation George Gordon en Saskatchewan, Keith Bird étudie à l’Université de Regina et enseigne à 'Université des Premières Nations du Canada. Il est connu pour ses peintures représentant des guerriers autochtones ainsi que pour des œuvres qui explorent la « survivance » des pratiques spirituelles autochtones.

Artiste et éducateur montréalais, Bisson travaille principalement comme sculpteur, produisant de nombreuses œuvres en plâtre et contribuant par des bronzes à la réalisation de monuments publics, tel le Monument aux Patriotes de Saint Charles commémorant la rébellion de 1837. Bisson a également été un peintre académique de natures mortes et de scènes de genre. Enseignant à Saint-Louis-de-Gonzague dans les années 1930, les élèves de Bisson comptent le futur Automatiste Jean Paul Riopelle, qui a aussi étudié en privé avec Bisson, en dehors de l’école.

Blackbridge est une artiste multidisciplinaire et une écrivaine qui aborde les thèmes du handicap, des identités queers et de la justice sociale dans son art. Membre du collectif lesbien vancouvérois Kiss & Tell, elle a défendu des messages pro-sexe et anticensure, favorisant la visibilité et l’affirmation des identités queers. Connue pour entrelacer les récits personnels et la critique politique dans ses œuvres, elle remet en question les normes, amplifie les voix marginalisées et encourage le dialogue sur l’accessibilité et l’inclusion.

Née à Toronto, Hattie Blackstock est une artiste, élève de Mary Hiester Reid. Après des études à l’Université Johns Hopkins de Baltimore, au Maryland, elle est devient illustratrice médicale à la Faculté de médecine de l’Université McGill dans les années 1920.

Graveur né à Terre-Neuve, Blackwood est reconnu pour ses représentations narratives épiques de la vie et de la mythologie se jouant au cœur des paysages marins et terrestres accidentés de la province. Président honoraire du Musée des beaux-arts de l’Ontario en 2003, l’artiste a également fait l’objet d’une vaste exposition rétrospective au même musée, en 2011. Il est aussi le sujet d’un documentaire nommé aux Oscars en 1976 et intitulé Blackwood.

Poète, artiste visuel et philosophe mystique, William Blake est considéré comme une figure influente de la période romantique. Profondément religieux et peu conventionnel, Blake est un antirationaliste et un antimatérialiste fervent. Parmi son petit cercle d’admirateurs, on compte notamment les Anciens (un groupe d’artistes anglais) et Dante Gabriel Rossetti.

Connu pour ses peintures à sujets religieux, mythologiques et historiques ainsi que pour ses portraits, Joseph Blanc est un peintre français formé à l’École des beaux-arts. Il remporte le Prix de Rome en 1867 et participe par la suite à la décoration de plusieurs bâtiments importants à Paris, dont le Panthéon, l’Opéra-Comique et l’Hôtel de Ville.

Spirite et autrice prolifique de livres sur les anciennes traditions de sagesse, l’occultisme et les religions ésotériques, Helena Blavatsky est la co-fondatrice de la Société théosophique de la ville de New York inaugurée en 1875.

Pianiste et compositrice bien en vue dans le mouvement du free-jazz des années 1960, qui met l’accent sur l’improvisation de préférence à la composition déterminée, et dont les pièces ont été interprétées par des musiciens, notamment George Russell et Jimmy Giuffre. Bley aide à fonder l’influente Jazz Composers’ Guild à New York en 1964.

Artiste et conservateur Willem (Wim) Adriaan Blom est conservateur responsable de la recherche à la Galerie nationale du Canada (aujourd’hui le Musée des beaux-arts du Canada) à Ottawa de 1962 à 1968, année où il devient administrateur. En 1963, il fonde le Bulletin de la Galerie nationale dont il est le premier rédacteur en chef. Après avoir quitté son poste au musée en 1970, il se consacre à la peinture, produisant surtout, sur commande, des natures mortes avec des objets domestiques, rendues dans un style austère et réaliste.

Le Bloomsbury Group est un collectif informel composé d’écrivain·es, d’artistes et d’intellectuel·les qui se réunit régulièrement chez Vanessa Bell (la sœur de Virginia Woolf) à Londres, en Angleterre. Les membres discutent et échangent des idées novatrices sur l’esthétique, la littérature, l’économie, la politique, le féminisme et la sexualité. On considère que ces réunions ont sans doute influencé les attitudes et l’art modernes. Cependant, le groupe est souvent critiqué pour son mode de vie élitiste. Parmi les membres les plus célèbres du groupe, on compte Clive Bell, Roger Fry, John Maynard Keynes, Edward Morgan Forster et Virginia Woolf.

Membre fondateur du groupe The Regina Five, Ronald Bloore est un peintre abstrait et un pédagogue. En quête de la qualité transcendantale qu’il perçoit dans l’architecture de la Grèce, de la Turquie et de l’Égypte anciennes, Bloore détruit ses premières œuvres et entreprend des explorations avec le noir et blanc et les formes organiques audacieuses. L’architecture n’a jamais cessé d’influencer sa pratique, et il finit même par l’intégrer à son art, en concevant de petites maquettes tridimensionnelles de ses œuvres avant de les exécuter en taille réelle.

Initialement un magasin de meubles, la Blue Barn Gallery devient le principal espace d’art contemporain à Ottawa, dans les années 1960. Située à Bells Corners, en banlieue ottavienne, la galerie était dirigée par l’artiste Duncan de Kergommeaux, qui organisait des expositions d’artistes canadiens de premier plan, tels que Takao Tanabe, Richard Gorman et Harold Town. Le cœur de la collection de la Galerie d’art de l’Université Carleton provient de l’inventaire de la Blue Barn Gallery, qui a fermé ses portes en 1967.

Poterie fondée en 1953 à Collingwood, en Ontario, par Denis Tupy et Jozo Weider, et fermée en 2004. Les pièces sont reconnaissables à la glaçure « Blue Mountain », fruit d’une technique consistant à appliquer simultanément deux enduits, l’un clair et l’autre sombre, et à les laisser couler librement sur la pièce pour obtenir un effet veiné distinctif.

Danseuse de renom, enseignante et percussionniste, précurseure d’une approche qui intègre la danse avec l’activisme, la thérapie et l’anthropologie. En 1933, à New York, Boas fonde la Boas School of Dance, une des rares écoles de l’époque qui favorise l’intégration raciale. Elle en est la directrice jusqu’en 1949. Parmi les étudiants les plus en vue de la Boas School, on compte Françoise Sullivan, Merce Cunningham et John Cage. Renonçant à la perfection technique, Boas considère la danse comme une pratique sociale, politique et émotionnelle.

Maître sculpteur sur bois, sculpteur sur bronze et éducateur en arts reconnu pour ses bols, masques et totems de style Tlingit, Bob a commencé à sculpter en 1969 alors qu’il étudiait avec la célèbre artiste haïda Freda Diesing à Prince Rupert, en Colombie-Britannique. Il travaille souvent avec l’aulne et le bois de cèdre et s’applique à référencer l’histoire orale de sa communauté. En 2013, Bob est nommé Officier de l’Ordre du Canada.

Peintre et graveur né en Pologne, Bruno Bobak est le plus jeune artiste de guerre canadien en service durant la Seconde Guerre mondiale. Influencé par les expressionnistes européens, il est particulièrement connu pour ses études de personnages. Il épouse la peintre Molly Lamb Bobak et, dans les années 1950, devient un membre influent du milieu artistique vancouvérois de l’après-guerre. De 1962 à 1988, il exerce les fonctions de directeur du Centre d’art de l’Université du Nouveau-Brunswick à Fredericton.  

Née à Vancouver, Molly Lamb Bobak étudie auprès de Jack Shadbolt à la Vancouver School of Art. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle sert dans le Service féminin de l’Armée canadienne et, en 1945, elle devient la première femme nommée artiste de guerre officielle. Son travail comprend aussi bien de délicates études florales à l'aquarelle que des représentations d'intérieurs ou encore de foules qui animent les scènes de la vie régionale qu’elle peint à l'huile. Dans les années 1950 et 1960, elle a donné des cours d'art télévisés qui ont été diffusés sur divers réseaux régionaux. (Voir Molly Lamb Bobak : sa vie et son œuvre de Michelle Gewurtz).

Peintre, sculpteur et théoricien du futurisme, Umberto Boccioni est l’un des auteurs du Manifeste de la peinture futuriste en 1910 et du Manifeste de la sculpture futuriste en 1912, qui prône un style fondé sur la philosophie futuriste de Filippo Marinetti axée sur la violence, la vitesse et le pouvoir. Ses tableaux rendent l’énergie dynamique du mouvement dans des figures tournoyantes et fragmentées, alors que ses sculptures s’inspirent des principes du cubisme qu’il adapte à des thèmes futuristes exécutés dans des matériaux non conventionnels, dont le bois et le ciment.

Peintre et dessinateur qui, au début des années 1830, est engagé pour accompagner une expédition dans l’Ouest américain, dans le but de dépeindre les villes, les paysages et les populations. Ses représentations de la nature américaine sont grandement admirées à l’époque en vertu de leur beauté et de leurs détails anthropologiques. En 1848, Bodmer se joint à l’école de Barbizon, un groupe de peintres français qui puise son inspiration dans la nature.

Pigment pour aquarelle mélangé avec de la gomme ou un liant et du pigment blanc pour le rendre opaque. Le terme « bodycolour » est souvent utilisé de façon interchangeable avec gouache, bien que ces deux termes et techniques diffèrent légèrement de par leur histoire et composition, le bodycolour étant traditionnellement fabriqué avec un liant d’origine animale et la gouache avec de la gomme arabique (gomme d’acacia).

Watercolour pigment mixed with gum or binder and white pigment added to make it opaque. Bodycolour is often used interchangeably with gouache, although the terms and techniques have slight differences in history and composition, with bodycolour being traditionally made with an animal-derived binder and gouache with gum arabic (acacia gum).

Designer, théoricien du design et de la culture et architecte de formation, Boigon dirige le programme d’études en architecture de l’Université de Toronto, où il enseigne également. Ses recherches portent sur le design locomoteur et l’architecture de jeux vidéo.

Peintre et photographe parisien de renom, Alfred Boisseau immigre aux États-Unis vers 1844. Dans les années 1840, il se fait connaître à la Nouvelle-Orléans pour ses peintures représentant des peuples autochtones, avant de devenir daguerréotypiste à Cleveland dans les années 1850. En 1861, il s’installe au Canada et exploite trois studios à Montréal avant de déménager au Manitoba.

L’un des principaux peintres abstraits canadiens de sa génération, Bolduc poursuit la tradition moderniste de Jack Bush, Jules Olitski et Robert Motherwell. Il est connu pour ses œuvres lyriques et contemplatives par lesquelles il examine la façon dont les couches de couleurs influencent la réflexion de la lumière. Bolduc s’inspire de la calligraphie chinoise, des dessins nord-africains et des miniatures persanes. Ses œuvres font partie de la collection du Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, du Musée des beaux-arts de l’Ontario à Toronto et du Musée des beaux-arts de l’Alberta à Edmonton.

Né dans l’est de Londres, il fait ses études à la Slade School of Fine Art. Bomberg appartient à l’avant-garde britannique du début du vingtième siècle et il est associé aux vorticistes ainsi qu’à un groupe d’écrivains et d’artistes anglo-juifs qui deviendront plus tard les Whitechapel Boys. Ses peintures abstraites angulaires sont incluses dans la première exposition des vorticistes à Londres en 1915, et ce, même s’il ne figure pas parmi les signataires du récent manifeste du groupe. Après la Première Guerre mondiale, il commence à peindre dans un style plus naturaliste.  

Artiste néo-écossaise surtout connue pour ses paysages et ses portraits impressionnistes, Bond étudie au Nova Scotia College of Art (aujourd’hui l’Université NSCAD) et à la Art Students League de New York avant d’obtenir une maîtrise en beaux-arts de l’Université Columbia. Par la suite, elle enseigne la peinture au Nova Scotia College of Art.

Artiste wendat de la sculpture et de l’installation, Boney crée des œuvres qui se caractérisent par un mélange de formes industrielles et organiques tout en étant nourries par l’environnement urbain. L’artiste a réalisé plusieurs sculptures publiques dans lesquelles l’espace intérieur est aussi important que l’extérieur, et qui suscitent un sentiment de mystère et d’ambiguïté en jouant sur la perception du public.

Sculpteur figuratif connu pour sa personnalité colorée et pour ses représentations en fibre de verre fusionnant le corps humain et la machine — moto, avion, etc. En 1968, Bonham se lie d’amitié avec les sculpteurs Ed Zelenak et Walter Redinger et quitte les États-Unis pour London, en Ontario, où il enseigne à la H.B. Beal Technical School, à l’Université Western et au Fanshawe College. Il est le premier Américain à devenir membre de l’Académie royale des arts du Canada.

Bonheur est une artiste française célèbre pour ses peintures animalières réalistes et dramatiques, notamment des représentations de bétail et des scènes pastorales. Née à Bordeaux et établie à Paris durant la majeure partie de sa vie, la peintre est largement acclamée au cours de sa carrière. Elle est la première artiste femme à recevoir la Légion d’honneur française en 1865.

Aquarelliste de paysages romantiques qui immigre en France à l’âge de quatorze ans. Bonington étudie avec le baron Gros à l’École des beaux-arts et se lie d’amitié avec Eugène Delacroix, qui l’incite à peindre des sujets historiques. Il expose au Salon de Paris pour la première fois en 1822 et meurt de la tuberculose à Londres, à l’âge de vingt-cinq ans.

Peintre et graveur associé aux nabis, un groupe d’artistes postimpressionnistes français formé à la fin des années 1880, qui a gardé ses distances de l’avant-garde parisienne. Bonnard travaille souvent dans un style décoratif en utilisant la couleur à la manière impressionniste : il peint des scènes d’intérieur et des paysages, crée des affiches et des décors de théâtre, et conçoit des objets ménagers.

Né à Bayonne, Léon Bonnat est un portraitiste français respecté et un professeur. Ses quelque deux cents représentations d’Européen·nes et d’Américain·es éminent·es – dont Victor Hugo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Louis Pasteur et d’autres contemporains – ont été fortement influencées par Diego Velázquez. Grand pédagogue, Bonnat devient directeur de l’École des Beaux-Arts de Paris en 1905.

Née Linda Elizabeth Borden, la réalisatrice Lizzie Borden a pris, dans un geste de rébellion juvénile, le nom d’une figure notoire du dix-neuvième siècle qui a été jugée et acquittée du meurtre brutal de son père et de sa belle-mère lors d’un procès retentissant. Les films de Borden, à commencer par Regrouping (Regroupement), 1976, utilisent les dystopies féministes pour aborder des questions de race, de classe et de genre, de même que le thème de la sexualité, et ils rejettent toute vision réductrice du discours féministe.

Magazine culturel et artistique trimestriel préparé et publié à Winnipeg, au Manitoba, Border Crossings a été fondé en 1971. Il publie des comptes rendus, des articles, des interviews et des portfolios de photos et de dessins consacrés à des artistes canadiens et internationaux de toutes disciplines.

Chef de file des Automatistes, un regroupement artistique d’avant-garde, et un des plus importants artistes modernes canadiens, Borduas est aussi une des voix les plus influentes en faveur de la réforme du Québec. Il cherche à émanciper la province des valeurs religieuses et du chauvinisme nationaliste qui prévalent à l’époque en diffusant le manifeste Refus global en 1948. (Voir Paul-Émile Borduas : sa vie et son œuvre, par François-Marc Gagnon.)

Eli Bornstein est un artiste et pédagogue né à Milwaukee qui est engagé en 1950 par l’Université de la Saskatchewan à Saskatoon, où il devient une figure majeure de la modernisation de l’art dans la province. Il développe une pratique distinctive alliant peinture et sculpture, le relief sturcturiste, à la fois abstraite et ancrée dans la nature. Il prend sa retraite en 1990 après une carrière d’enseignement marquante.

Artiste qui a exercé une grande influence, connu pour ses tableaux peuplés d’une multitude de créatures fantastiques et remplis de détails merveilleux. Le Jardin des délices (1490-1500) de Bosch – un triptyque représentant les plaisirs du Paradis terrestre, les horreurs du Jugement dernier et le monde entre les deux – est l’une des œuvres les mieux connues du canon de l’histoire de l’art occidental.

Botticelli est un peintre et dessinateur florentin de grande renommée. Parmi ses œuvres les plus connues, mentionnons ses fresques de la chapelle Sixtine à Rome et ses tableaux d’inspiration mythologique : La naissance de Vénus (1482-1485) conservé aux Galeries des Offices à Florence, ainsi que Vénus et Mars (v.1485) qui fait partie de la collection de la National Gallery à Londres.

Sculpteur et dessinateur célèbre, Edmé Bouchardon, né à Chaumont, est un artiste ayant travaillé pour la royauté, sous Louis XV il réalise d’importantes sculptures pour les jardins de Versailles. Son œuvre est considérée comme précurseure du néoclassicisme, bien qu’à la fin de sa carrière, on y retrouve certains éléments du style rococo. Il est également connu pour ses dessins d’après nature.

Branche du bouddhisme mahayana qui naît en Chine au cours de la dynastie des Tang, sous le nom de bouddhisme Chan. Il essaime ensuite en Corée, au Vietnam et au Japon sous des formes quelque peu différentes. Le bouddhisme zen insiste sur l’importance de la méditation ou dhyana, réservant une place de choix à la posture assise du zazen. Au Japon, sous la protection des shoguns, il se fraie un chemin dans les sphères du pouvoir politique, mais la fin de l’ère d’Edo marque son déclin. En Occident, le bouddhisme zen gagne en popularité après la Seconde Guerre mondiale.

Photographe née à Brooklyn, Boughton est surtout connue pour ses portraits de célébrités, de gens en vue et de personnalités artistiques. Outre ses clichés de peintres, poètes, écrivain·es célèbres, elle crée des images allégoriques et théâtrales de femmes et d’enfants, souvent dans un cadre extérieur. Elle expose fréquemment avec le mouvement Photo-Secession, dont elle partage la lutte en faveur de la reconnaissance de la photographie comme forme d’art.

Peintre renommé pour son approche traditionnelle et académique, William Bouguereau est sans doute l’un des artistes français les plus célèbres à son époque. Bon nombre de ses tableaux hautement réalistes sont d’inspiration mythologique et allégorique, et il insuffle un grand sentimentalisme dans ses sujets humains.

Souvent décrit comme un peintre néoclassique, Boulanger est connu pour ses peintures de la vie dans la Grèce et la Rome antiques, bien qu’il ait également peint des scènes en Afrique du Nord où il a voyagé en 1845. Il devient ensuite professeur à l’École des beaux-arts et à l’Académie Julian où il encourage ses élèves à se concentrer sur la précision de leurs dessins.

Napoléon Bourassa est un architecte, écrivain, peintre et sculpteur. Durant sa longue carrière, il dirige de nombreux projets de construction et de décoration d’églises au Canada français. Parmi ceux-ci, le plus complexe demeure l’église Notre-Dame-de-Lourdes, à Montréal. Il est influencé par Michel-Ange, Raphaël, Jean-Auguste-Dominique Ingres et Hippolyte Flandrin. Entre 1870 et 1904, il conçoit l’architecture et la décoration de huit églises.

Née à Paris, Bourgeois s’installe à New York en 1938, où elle s’établit comme artiste. Bien qu’elle ait commencé sa carrière par la production d’estampes et de dessins, l’artiste s’est fait connaître pour ses sculptures et ses installations psychologiquement chargées. L’œuvre de Bourgeois s’inspire des traumatismes de son enfance, de ses relations compliquées avec ses parents, de son rapport au sexe et à son corps, souvent par des figures récurrentes (l’araignée en particulier). Longtemps négligé, son art est sorti de l’ombre et a été largement acclamé dans les années 1970, lorsque ses implications féministes sont devenues un sujet d’intérêt pour les critiques, les artistes et le public.

Photographe née à New York, Margaret Bourke-White se fait connaître pour son approche documentaire, axée sur des enjeux sociaux tels que la pauvreté, les relations raciales, les conditions industrielles aux États-Unis et la politique mondiale. Pionnière dans son domaine, elle est la première femme photojournaliste engagée par le magazine Life, la première femme à travailler comme correspondante de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale et la première photographe occidentale à être autorisée à pénétrer en Union soviétique.

Artiste populaire néo-écossais de premier plan, Ralph Boutilier fonde sa réputation de peintre paysagiste avant de se lancer en sculpture dans les années 1960. Établi à Milton en Nouvelle-Écosse, Boutilier est surtout reconnu pour ses grandes girouettes en bois et en métal conçues d’après différentes espèces d’oiseaux, même s’il a aussi sculpté des figures humaines. On trouve ses œuvres dans la collection du Musée des beaux-arts de la Nouvelle-Écosse.

Artiste interdisciplinaire, pédagogue et écrivaine établie à Montréal, Bowen est une descendante des pionnières et pionniers noirs fondateurs des communautés albertaines d’Amber Valley et de Campsie. Sa pratique s’inspire souvent de son héritage afro-américain; en examinant les archives personnelles et publiques, elle aborde les thèmes de l’asservissement, de la migration et de la discrimination. Bowen détient une maîtrise en études visuelles de l’Université de Toronto et, en 2016, elle a reçu une bourse de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.

Portraitiste itinérant qui est actif aux États-Unis et au Canada. À Québec, Montréal et Toronto, Bowman reçoit des commandes de politiciens et d’éminents citoyens; il réalise dix peintures pour la basilique Notre-Dame de Montréal, dont huit sont aujourd’hui perdues.

Artiste abstrait, graveur et professeur d’arts, Richard Irving Bowman crée des œuvres gestuelles qui se distinguent par l’utilisation de peintures fluorescentes. Travaillant dans diverses écoles d’art, il enseigne au Chicago Institute of Art – où il est le professeur de l’artiste de l’expressionnisme abstrait Joan Mitchell – puis à l’Université du Manitoba et à l’Université Stanford.

Propriétaire et directrice de la Inuit Fine Art Gallery de Port Hope, en Ontario, Boyd est une écrivaine et une conservatrice qui se spécialise dans l’art inuit, notamment celui produit par les artistes de Kinngait (Cape Dorset). Après s’être rendue à Cape Dorset en 1980 pour un poste temporaire à la West Baffin Eskimo Co-operative (dont la section artistique est aujourd’hui connue sous le nom des Ateliers Kinngait), Boyd passe les premières décennies de sa carrière à faire des allers-retours entre Toronto et Cape Dorset tout en travaillant pour la coopérative et sa division de marketing et de vente en gros, Dorset Fine Arts. Elle ouvre sa propre galerie à Port Hope en 2018.

Bob Boyer est un peintre non figuratif reconnu pour la façon dont il exploite les motifs symétriques de flèches, de triangles et de rectangles que l’on retrouve dans le perlage et les peintures sur cuir des Premières Nations des Plaines. Dans les années 1960, Boyer est influencé par la peinture colour-field et l’expressionnisme abstrait des Regina Five. Dans les années 1980, il commence à peindre sur des couvertures pour marquer l’histoire des Autochtones au Canada. De 1981 à 1998 et en 2004, Boyer est directeur des arts visuels à l’Université des Premières Nations du Canada (anciennement le Saskatchewan Indian Federated College).

Peintre largement autodidacte originaire de London en Ontario. Membre fondateur du Nihilist Spasm Band, John Boyle expose en compagnie des régionalistes de London. Fervent Canadien, il est particulièrement reconnu pour ses contributions à l’art sociopolitique du pays. Au fil des ans, Boyle milite ardemment pour défendre les droits des artistes : il est cofondateur du Niagara Artists Centre et le premier porte-parole de Canadian Artists’ Representation Ontario (CARO).

Artiste contemporaine renommée dont la pratique, orientée sur la politique et sa vie personnelle, incorpore le dessin, la sculpture, la peinture et la performance. Elle travaille seule ou avec d’autres artistes, notamment avec Shuvinai Ashoona pour Universal Cobra et Emily Duke pour Illuminations Project. Boyle a représenté le Canada à la Biennale internationale de Venise en 2013.

Cinéaste expérimental non narratif qui s’intéresse à l’acte de voir et veut encourager les gens à voir différemment. Son film Dog Star Man (Chien étoile homme) est considéré comme une œuvre essentielle de l’avant-garde américaine des années 1960. Après vingt ans comme professeur d’histoire du cinéma au Colorado, il s’est retiré au Canada en 2002.

Sculpteur abstrait travaillant le bois, la pierre et le bronze, Brâncuși recourt à des lignes et des formes géométriques simples pour créer des œuvres traduisant des formes naturelles. Actif pour la majeure partie de sa carrière à Paris, Brâncuși se fait connaître aux États-Unis après sa participation à l’Armory Show, l’exposition internationale d’art moderne de 1913. Brâncuși exerce une importante influence sur les artistes Isamu Noguchi, Henry Moore et Barbara Hepworth, ainsi que sur le mouvement minimaliste des années 1960.

Visualiste prolifique et influent, Fritz Brandtner arrive au Canada en 1928 et se fait rapidement connaître comme créateur publicitaire et scénographe. Il organise une exposition individuelle de ses œuvres peu après son arrivée. Il est influencé par l’expressionnisme allemand et son intérêt pour la justice sociale. Professeur et militant, il crée avec Norman Bethune le Children’s Art Centre, une école d’art destinée aux enfants pauvres de Montréal.

Figure influente de l’histoire de l’art moderne, Braque définit les principes des grandes phases du cubisme analytique et synthétique. Il travaille aux côtés de Picasso de 1908 à 1914, avec lequel il élabore la pratique du collage. Après la Première Guerre mondiale, il développe une adaptation personnelle de cubisme, admirée pour son sens de la composition et sa palette de couleurs subtiles.

Également connu sous le nom de C. Herbert, Claude Breeze est célèbre pour les peintures aux couleurs vives influencées par le pop art qu’il a commencé à créer à Vancouver, dans les années 1960. Breeze a été le premier artiste canadien à dépeindre la violence médiatique dans son travail et ses peintures abordent souvent des questions sociales et politiques. Éducateur et peintre, il a occupé des postes d’enseignement dans des universités partout au Canada et est actuellement professeur émérite à la York University de Toronto.

Breton est poète et chef de file du mouvement surréaliste qui compte parmi ses membres les artistes Max Ernst, Man Ray et Jean Arp, et les poètes Paul et Gala Éluard. Breton définit les principes et les techniques du surréalisme, dont l’automatisme et la psychanalyse freudienne, dans une série de manifestes. Il organise la première exposition du groupe en 1925.

Née Elisa Bindhoff, Élisa Breton est une artiste et écrivaine surréaliste et la troisième épouse d’André Breton, leader du mouvement surréaliste à Paris. Elle a rencontré Breton après avoir déménagé du Chili vers New York au début des années 1940, et ils se sont mariés en 1943, voyageant en Gaspésie et dans le Sud-Ouest américain avant de déménager à Paris en 1946. Bien qu’elle soit mentionnée dans les œuvres d’André Breton — la mort de sa jeune fille fait l’objet d’un poème dans son Arcane 17 — et qu’elle ait été une membre active du cercle surréaliste à Paris, Elisa Breton publie et expose rarement. Après le décès de son mari en 1966, elle continue à vivre à Paris jusqu’à la fin de sa vie.

Concepteur et architecte moderniste influent, associé au Bauhaus, Breuer imagine des meubles sculpturaux en bois et en métaux légers. En 1926, il crée l’emblématique fauteuil Wassily (du nom de Wassily Kandinsky). Arrivé aux États-Unis en 1937, il privilégie son travail d’architecte, sans pour autant cesser de créer du mobilier.

Artiste torontoise, Bewster met de l’avant l’expérience de la diaspora noire dans sa pratique multidisciplinaire, englobant la photographie, la vidéo, le dessin et la peinture. Née de parents qui ont émigré de Guyane à Toronto à la fin des années 1960, Brewster traduit la relation complexe entre l’identité et le mouvement, guidant parfois le public à travers un voyage métaphorique.

Peintre canadienne d’origine polonaise qui s’est fait connaître au sein du groupe des Peintres juifs de Montréal dans les années 1950 et 1960. Briansky est reconnue pour ses images de l’enfance et ses portraits intimes de femmes.

Artiste commercial et, de 1914 à 1956, directeur de Brigdens of Winnipeg Limited, une succursale de l’une des plus anciennes maisons d’imprimerie et d’arts graphiques du Canada, fondée par son oncle. Ayant appris le métier de graveur sur bois et de photograveur, Brigden emploie, soutient et recueille les œuvres de nombreux jeunes artistes, dont Charles Comfort, Eric Bergman et Lionel LeMoine FitzGerald. Il est membre du comité artistique qui supervise la Winnipeg School of Art et le Musée des beaux-arts de la même ville, et sa succession a fait don de la majeure partie de son importante collection d’art canadien à ce musée.

Né à Londres, Fred Brigden est un peintre paysagiste qui étudie à la Toronto Art Students' League sous la direction de William Cruikshank et de George Agnew Reid. Il est connu pour ses peintures réalistes atmosphériques de l’Ontario, du Québec et des Maritimes, ainsi que pour son sens aigu des affaires. Influencé par les aquarellistes anglais·es, il a également été longtemps illustrateur à la Toronto Engraving Company.

Le British Columbia College of Arts voit brièvement le jour à Vancouver en 1933 à l’initiative de Jock Macdonald et de Frederick Varley. Créé après que des conflits internes et des réductions de salaire aient décidé les membres fondateurs à quitter leur poste d’enseignant à la Vancouver School of Art, le collège offre des cours multidisciplinaires et aborde l’esthétique et la production artistique selon une approche moderniste. Le manque de fonds l’oblige à fermer ses portes en 1935.  

La British Empire Exhibition était une célébration de l’industrie coloniale, des ressources naturelles et de la culture, qui s’est tenue en 1924 et 1925 à Wembley Park à Londres, en Angleterre. Dotée de jardins, de pavillons, d’un stade et d’un parc d’attractions, la grande exposition avait pour but de renforcer les liens commerciaux et économiques entre les différents territoires de la Grande-Bretagne, dont cinquante-six participants. Le pavillon du Canada mettait en valeur non seulement les industries laitière, minière, forestière et ferroviaire du dominion, mais aussi l’art canadien récent et contemporain.  Le programme comportait des événements culturels et commerciaux qui ont attiré plus de 20 millions de visiteurs au cours de l’exposition.

Brittain suit d’abord une formation avec Elizabeth Russell Holt, une figure centrale de la scène artistique à Saint John, au Nouveau-Brunswick, avant d’étudier à la Ligue des étudiants en art de New York, de 1930 à 1932. Ses dessins, peintures, aquarelles et murales révèlent un intérêt durable pour le réalisme social et la psychologie. Brittain est un membre fondateur de la Fédération des artistes canadiens.

Peintre et artiste commercial britannique qui travaille chez Grip Limited avec Tom Thomson et d’autres qui formeront plus tard le Groupe des Sept. En 1912, il accompagne Thomson en excursion dans le nord de l’Ontario pour y exécuter des esquisses.

Photographe, graphiste et enseignant d’origine russe, Brodovitch immigre aux États-Unis où il marque profondément des générations de photographes américains grâce à son atelier, le Design Laboratory. Brodovitch est directeur artistique du Harper’s Bazaar de 1934 à 1958, pour lequel il crée des combinaisons élégantes et originales de photographies et de typographies qui sont populaires dans les années 1940 et 1950.

Née dans l’Oregon, Anne Trueblood Brodzky est une éditrice, une conservatrice et une pédagogue qui a vécu au Canada de 1965 à 1982, et de 2016 à 2018. Trueblood Brodzky a été conservatrice à l’éducation à la London Regional Art Gallery de 1965 à 1967, rédactrice en chef d’artscanada, un important magazine d’art canadien, de 1967 à 1982, puis directrice de la Meridian Art Gallery, un espace d'exposition et de performance à but non lucratif situé à San Francisco, qu'elle a fondé avec son mari, Anthony Williams, de 1985 à 2015.

Peintre, illustrateur, musicien, poète d’origine britannique, romancier lauréat du prix du Gouverneur général, et publiciste à Toronto. En 1927, Brooker est le premier artiste canadien à exposer de l’art abstrait. Ses œuvres font partie de grandes collections, dont celle du Musée des beaux-arts du Canada. (Voir Bertram Brooker : sa vie et son œuvre, par James King.)

Artiste de guerre canadien officiel né à Toronto pendant la Seconde Guerre mondiale, Brooks, qui a servi dans la Réserve de volontaires de la Marine royale canadienne, est remarquable pour ses peintures de guerre dépeignant la vie navale sur la côte Est du Canada. À la fin des années 1940, Brooks et sa femme Reva, une photographe renommée, ont émigré à San Miguel de Allende, au Mexique, où ils ont formé une colonie d’artistes informelle.

Peintre et concepteur de tapis accompli, qui a également produit des eaux-fortes et autres gravures, Broomfield compte parmi les étudiants d’Arthur Lismer à l’Ontario College of Art (aujourd'hui l’Université de l’ÉADO) et participe à l’école d’été offerte par des membres du Groupe des Sept, dont J. E. H. MacDonald et Franklin Carmichael, à Port Hope en 1920 et 1921. Broomfield s’est enrôlé dans l’Aviation royale canadienne pendant la Seconde Guerre mondiale, et a documenté ses expériences en peinture.

Artiste multidisciplinaire établi à Toronto, connu pour ses œuvres minimalistes, Brown s’intéresse au silence, au langage, à la science et au temps. Ses œuvres récentes examinent l’économie de la rareté dans des compositions où la tension est manifeste entre l’ampleur du travail investi et un médium éphémère, par exemple un texte mural dans une galerie.

Peintre de l’Ontario rural, il explore systématiquement dans son œuvre les thèmes du temps, de la société et du paysage habité. Jeune garçon, il bénéficie du mentorat de A. Y. Jackson et de Will Ogilvie, mais c’est le séjour temporaire de sa famille dans le nord de l'Europe, où il a ses premiers contacts avec un panthéon d’histoire de l’art comprenant Vermeer et Bruegel, qui a le plus grand impact sur sa technique et ses sujets.

Premier directeur de la Galerie nationale du Canada (aujourd'hui le Musée des beaux-arts du Canada), Brown a été en poste de 1912 jusqu’à sa mort. Auparavant, il a été conservateur de la collection du musée, à l’invitation de sir Edmund Walker, banquier et mécène majeur. Brown élabore avec passion les collections du musée, tant internationales que canadiennes, et il voyage beaucoup en Europe pour établir des relations avec les artistes et les négociants.

Peintre et professeur d’art britannique, Brown s’oppose énergiquement au conservatisme de la Royal Academy of Arts, tant par son propre style que par ses méthodes d’enseignement. Il est un des membres fondateurs du New English Art Club en 1886. Il est influencé par James McNeill Whistler, par le naturalisme rustique de Jules Bastien-Lepage et par l’impressionnisme. Brown est directeur de la Westminster School of Art de 1877 à 1892 et enseigne à la Slade School de 1893 à 1918.

Peintre paysagiste, éducateur et administrateur reconnu, Brownell est né au Massachusetts, mais passe une grande partie de sa carrière à Ottawa. Il suit une formation à Boston et à Paris avant de devenir, en 1886, le directeur de l’École d’art d’Ottawa. Nombre d’artistes dont il a été le professeur, notamment Pegi Nicol MacLeod, Ernest Fosbery et Goodridge Roberts, sont aujourd’hui célèbres. Le style personnel de Brownell embrasse tant le réalisme social que l’impressionnisme. Plusieurs de ses œuvres figurent dans la collection du Musée des beaux-arts du Canada.

Considéré comme un des premiers peintres impressionnistes du Canada, Bruce étudie à l’Académie Julian à Paris et fréquente les colonies d’artistes de Barbizon, Giverny et Grez-sur-Loing, en France. Deux bourses pour artistes canadiens sont nommées en son honneur, permettant aux récipiendaires d’aller peindre dans l’île de Gotland, en Suède, où, avec sa femme, la sculptrice Carolina Benedicks-Bruce, il a établi une propriété pour artistes. Un legs des œuvres de Bruce par sa femme et par son père, pour la Ville de Hamilton, en Ontario, est devenu la base de la collection de la Galerie d’art de Hamilton.

Maître reconnu de la Renaissance nordique, connu pour l’inventivité de son œuvre et sa longue postérité. Ses paysages, paraboles et images religieuses ont énormément circulé sous forme d’estampes, assurant ainsi la prééminence de ses créations au sein de la culture visuelle de son époque. Les tableaux de Bruegel dépeignent souvent la vie des roturiers flamands.

Peintre et professeur influent qui contribue considérablement au développement de la peinture au Canada, William Brymner enseigne à la Art Association of Montreal (AAM) et plusieurs de ses élèves — notamment A. Y. Jackson, Edwin Holgate et Prudence Heward — deviennent d’éminent·es représentant·es de l’art canadien. (Voir William Brymner : sa vie et son œuvre, par Jocelyn Anderson.)

Historien de l’art, administrateur d’activités culturelles et fondateur de la National Film Society of Canada (devenue l’Institut canadien du film), Donald Buchanan consacre toute sa carrière à des organismes canadiens voués aux arts et aux médias, y compris l’Office national du film du Canada et la Galerie nationale du Canada (aujourd’hui le Musée des beaux-arts du Canada). À la fin des années 1950, il entreprend une carrière parallèle de photographe et expose plusieurs fois à ce titre, avant d’être nommé directeur des beaux-arts à l’Exposition universelle de Montréal en 1967.

Historien et critique d’art allemand largement reconnu pour ses analyses et ses écrits influents sur l’art moderne et contemporain, en Amérique et en Europe, pendant la période d’après-guerre. Buchloh est professeur à l’Université de Chicago, au Massachusetts Institute of Technology et à l’Université Columbia avant de se joindre à l’Université Harvard où il est nommé professeur Andrew W. Mellon en art moderne. Il prend sa retraite en 2021.

Réalisateur surréaliste, Luis Buñuel entreprend sa carrière avec Un chien andalou, 1929, en collaboration avec Salvador Dalí. En conflit avec l’Espagne fasciste, Buñuel vit en exil de 1936 à 1960. Il s’établit à Mexico en 1949 où il crée de petits films commerciaux qui demeurent néanmoins ancrés dans les thèmes qui traversent son œuvre — les idéaux de la politique communiste, l’érotisme, le surréalisme et le rejet de la religion. Buñuel rentre en Europe dans les années 1960 et ses dernières œuvres, comme Belle de jour, 1967, et Le Charme discret de la bourgeoisie, 1972, accèdent à un vaste public et font connaître sa conception surréaliste d’un monde où les rêves violents se transforment en chaos.

L’expression italienne buon fresco, ou « vraie fresque », désigne une technique de peinture murale qui consiste à mélanger des pigments de couleur avec de l’eau et à les appliquer directement sur un enduit mouillé recouvrant le mur. L’application des pigments nécessite une grande rapidité d’exécution, après quoi ils s’imprègnent dans le mur de manière permanente. Il devient ensuite difficile de modifier l’enduit sans devoir l’enlever et tout recommencer.

Cette galerie commerciale a été fondée à Washington, D.C. en 1991. À la suite de la fermeture de son local accessible au public, elle a poursuivi ses activités en tant que galerie en ligne jusqu’au décès de son propriétaire.

Artiste et écrivain, Daniel Buren est connu pour son utilisation conceptuelle de bandes caractéristiques au sein d’installations spécifiques au site. Ses œuvres explorent souvent les propriétés inhérentes de la lumière et des matériaux tels que le verre, le papier et le miroir, en se concentrant sur la manière dont ils interagissent avec l’espace. Il remet ainsi en question les notions traditionnelles de l’art et de sa relation avec l’environnement.

Figure centrale du mouvement futuriste russe du début du vingtième siècle, David Burliuk était un peintre, un poète et un critique qui a fait la promotion de l’art d'avant-garde dans l’Empire russe pré-révolutionnaire, en participant et en apparaissant à des expositions qui comportaient notamment des performances. Après la Révolution russe, Burliuk vit deux ans au Japon, de 1920 à 1922, avant de s’établir aux États-Unis.

Peintre, illustrateur et concepteur pratiquement autodidacte, il s’intéresse à l’art après avoir rencontré William Morris à Oxford, où Burne-Jones avait l’intention d’étudier en vue du sacerdoce. Dans les années 1850, il déménage à Londres, rejoignant les préraphaélites peu de temps avant qu’ils ne se dispersent. Comme ses précurseurs dans le groupe, il choisit des sujets presque exclusivement médiévaux et mythiques.

Ancien médecin, Burri commence à peindre au début des années 1940 alors qu’il est prisonnier de guerre aux États-Unis, et il intègre des matériaux peu orthodoxes dans ses œuvres, comme des sacs de jute et du sable. En 1951, il fonde avec Mario Ballocco, Ettore Colla et Giuseppe Capogrossi le collectif d’art abstrait Gruppo Origine, qui s’oppose à l’aspect décoratif de l’art abstrait  et préfère sa « fonction expressive et percutante ».

Écrivain prolifique et admiré de la Beat Generation, rendu célèbre par son roman Le Festin nu, publié en 1959. Il a, par la nature anarchique de son œuvre, une grande influence sur les mouvements successifs de la contreculture, y compris les hippies et les punks. Sa vie est notoirement marquée par la toxicomanie, la criminalité et la violence. Reconnu coupable de la mort de sa seconde femme, au Mexique, il n’a  toutefois jamais été incarcéré.

Peintre, illustrateur et professeur qui doit sa célébrité soudaine à ses tableaux semi-abstraits et ouvertement sexuels des années 1960. Représenté par le Galerie Isaacs à Toronto dans les années 1960 et 1970, il cofonde l’Artists’ Jazz Band.

En tant que critique et collectionneur, Philippe Burty a défendu l’importance artistique de la gravure. Par sa collection, son écriture et son œuvre, il a été le fer de lance d’un renouveau de l’estampe. Collectionneur passionné d’art japonais, il a inventé le terme japonisme en 1872.

Photographe torontois de renommée internationale ayant obtenu de nombreuses récompenses, Burtynsky est reconnu pour ses images saisissantes qui exhibent les ravages de la culture industrielle sur l’environnement. Ses vastes paysages photographiques des années 1970 démontrent son intérêt pour les croisements entre peinture et photographie. En 1985, Burtynsky fonde Toronto Image Works, un lieu prolifique combinant son atelier personnel à un laboratoire photo commercial, un centre de formation et un service de location de chambre noire. Ses travaux récents poursuivent son exploration de l’impact des activités humaines sur le monde naturel, et il collabore au projet Anthropocène, une étude pluridisciplinaire selon laquelle notre planète est entrée dans une nouvelle ère géologique – l’anthropocène.

Membre du Groupe des Onze de Toronto, un groupe créé en 1954, Bush ne trouve son style propre qu’après la visite de son atelier par le critique Clement Greenberg en 1957, en se concentrant sur ses aquarelles. De celles-ci, Bush tire des formes et de grands plans colorés qui caractérisent son style colour-field personnel, parallèlement au travail de Morris Louis et de Kenneth Noland. Avec eux, Bush participe à l’exposition de Clement Greenberg en 1964, Post Painterly Abstraction.

Né sur l'île Fogo, à Terre-Neuve-et-Labrador, Butler est un peintre, un écrivain et un illustrateur de livres. Il a été formé à l'Art Students League de New York. Dans les années 1980, Butler a auto-publié Art of War: Painting It out of the Picture, qui explore ses compositions sur la guerre et le militarisme.

Artiste multidisciplinaire établi à Winnipeg où il est né, dont la pratique englobe et explore les échanges et les collaborations artistiques. Son œuvre est exposé au pays et à l’étranger, notamment au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et à la Maison rouge à Paris.

Revue spécialisée en arts visuels, fondée en 1984 et dont le siège social est à Toronto, C Magazine publie des recensions, des critiques et des écrits sur la pratique de l’art contemporain canadien. Publié en ligne et en version imprimée trois fois par année, chaque numéro se concentre sur un thème spécifique lié aux développements en cours dans le monde de l’art canadien.

Le Cabaret Voltaire est un cabaret d’artistes situé à Zurich et considéré comme le lieu de naissance du mouvement Dada en Europe, en 1916, au cœur de la Première Guerre mondiale. C’est au Cabaret Voltaire qu’ont eu lieu les premières expositions et performances absurdes et rebelles de Dada, auxquelles ont participé les membres fondateurs Hugo Ball et Emmy Hennings, ainsi que Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp et Tristan Tzara.

Méthode collaborative pour créer une œuvre, inventée par les surréalistes. Un premier participant dessine sur une feuille de papier, la plie pour dissimuler l’illustration et la passe à la joueuse ou au joueur suivant pour poursuivre le dessin. André Breton écrit que cette technique, adaptée d’un vieux jeu de mots, est apparue parmi des amis artistes au 54 rue du Château à Paris. Les premiers participants ont été Marcel Duchamp, Jacques Prévert, Man Ray et Joan Miró.

Artiste née à Montréal, Cadieux est principalement connue pour ses photographies et ses installations audiovisuelles de grande envergure, qui traitent généralement des thèmes de l’identité, du genre et du corps humain. Elle représente le Canada à la Biennale de Venise et à la Biennale de São Paulo, et son œuvre fait l’objet d’expositions individuelles à l’échelle internationale. En 2001, elle reçoit le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques.

Privilégiant la tempéra à l’œuf comme matériau, Cadmus crée des peintures réalistes détaillées qui satirisent et érotisent la culture américaine. Après avoir travaillé dans l’art commercial et passé plusieurs années en Europe, dans la décennie 1930, avec son collègue artiste et partenaire romantique Jared French, Cadmus commence sa carrière en acceptant des commandes dans le cadre du programme de travaux d’art public de la ville de New York, le Public Works of Art Project (PWAP). Il acquiert une notoriété publique lorsque sa toile de marins se livrant à la débauche avec des partenaires masculins et féminins a suscité l’ire d’un amiral, déclenchant un scandale autour de sa représentation « peu flatteuse » de la Marine.

Compositeur d’avant-garde, John Cage a travaillé selon les principes de l’indétermination et du hasard, son influence s’étendant, au-delà de la musique minimaliste et électronique, à l’art conceptuel et à l’art performance. Sa pièce la plus connue est 4’33”, une œuvre en trois mouvements au cours de laquelle un interprète reste silencieux sur scène, souvent assis à un piano, pendant la durée spécifiée de 4 minutes et 33 secondes. D’autres œuvres s’appuient sur le Yi King pour générer une structure ou alors sont composées pour un piano préparé – « préparé » en ce sens que des objets sont insérés dans les cordes, ce qui modifie les sons. Cage a longtemps collaboré avec le pionnier de la danse moderne, Merce Cunningham, également son partenaire dans la vie et dans l’art.

Né à Copenhague, Cahén fréquente l’Académie des beaux-arts de Dresde, et enseigne le design, l’illustration et la peinture à l’École des arts graphiques Rotter de Prague, avant que les activités antinazies de sa famille ne l’obligent à fuir en Angleterre. Déporté au Canada en tant que sujet d’un pays ennemi, il s’établit à Montréal, pour ensuite déménager à Toronto en 1943. Cahén cofonde le collectif Painters Eleven en 1953. (Voir Oscar Cahén : sa vie et son œuvre par Jaleen Grove.)

Artiste intergenre surréaliste qui exploite la photographie, la sculpture et l’écriture pour remettre en question les normes conventionnelles d’identité de genre. On reconnaît Cahun pour ses autoportraits à l’identité sexuelle ambiguë, représentant divers personnages, notamment, un soldat, un ange, un aviateur et une poupée. Née Lucy Renée Mathilde Schwob, Cahun utilise le pseudonyme Claude Cahun dès 1917 et s’installe à Paris avec Marcel Moore (née Suzanne Alberte Malherbe) en 1920. Les deux artistes partenaires dans la vie et dans l’art rejoignent le mouvement surréaliste et participent également au théâtre d’avant-garde.

Peintre français majeur du dix-neuvième siècle, collectionneur et promoteur de l’art impressionniste. Les débuts de Caillebotte en tant que peintre se font lors de la deuxième exposition impressionniste, en 1876, lors de laquelle il expose des œuvres représentant la classe ouvrière urbaine. Sa première formation est celle d’avocat. Caillebotte peint des scènes intérieures de la vie quotidienne des classes supérieures ainsi que des paysages urbains, avec un intérêt particulier pour la perspective et la composition.

Peintre montréalaise du mouvement réaliste social et éducatrice, Caiserman-Roth fonde la Montreal Artists School dans les années 1940 avec son premier mari, Alfred Pinsky. Caiserman-Roth est la première peintre à recevoir le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques. Elle a également été critique pour la Canadian Broadcasting Corporation (CBC).

Né à Montréal dans une riche famille de l’industrie du bois, John Calder est le fondateur de la maison d’édition John Calder Publishers, établie à Londres en Angleterre. Acteur dynamique du monde littéraire, il publie à compter des années 1950 des auteurs de l’avant-garde britannique, américaine et européenne, contestant les lois sur l’obscénité et faisant la promotion d’auteurs comme Eugène Ionesco, Marguerite Duras et Hubert Selby Jr. Calder était un ardent défenseur de l’œuvre de Samuel Beckett, un ami de longue date, dont il a produit et publié les pièces.

Peintre qui défie la peinture gestuelle moderniste en utilisant des techniques de collage, Cale est connue pour ses procédés méticuleux tels que la découpe de toiles peintes pour les ajouter à d’autres œuvres et le collage de couches de peinture acrylique séchée sur des toiles pour imiter les coups de pinceau. Cale a été présélectionnée pour le Concours de peintures canadiennes RBC en 2009 et 2010.

Fondé en 1909 par six artistes locaux, le Calgary Sketch Club (CSC) organise des camps en plein air, des ventes d’œuvres et des ateliers éducatifs pour ses quelque cent membres. Dès les années 1930, les artistes Marion Nicoll et James McLaren Nicoll y participent activement. Le CSC est un organisme sans but lucratif appuyé par la Alberta Foundation for the Arts.

Le California Funk est un mouvement artistique bohème des années 1960, particulièrement présent dans la région de la baie de San Francisco, qui valorise le ludique, le sensuel et l’irrévérencieux face au sérieux solennel de l’expressionnisme abstrait. Son nom est inspiré du jazz, où le terme « funk » renvoie à une sensibilité terre-à-terre (ainsi qu’à une odeur nauséabonde). L’assemblage et la céramique figurent parmi les principaux moyens d’expression du Funk.

Premier procédé photographique négatif/positif, le calotype (également appelé Talbotype) est mis au point par l’inventeur britannique William Henry Fox Talbot dans les années 1830 et breveté en 1841. Le papier sensibilisé exposé à la lumière dans une chambre noire crée une image latente qui est ensuite développée chimiquement et fixée sous la forme d’un négatif à partir duquel plusieurs tirages positifs peuvent être réalisés. En raison de sa reproductibilité, le calotype, plus que le daguerréotype, a servi de base à nombre de procédés photographiques ultérieurs.

Technique de peinture monochromatique qui emploie deux ou trois teintes d’une même couleur pour réaliser une image aux couleurs non naturalistes ou non réalistes de la scène représentée. Le camaïeu est une technique antique, utilisée dans les arts décoratifs, les frises et le travail de l’émail pour simuler le relief sculptural.

Dispositif conçu pour faciliter le dessin, communément employé au début du dix-neuvième siècle, et qui consiste à projeter sur une feuille de papier, au moyen d’un prisme, l’objet devant être dessiné. Brevetée en 1807 par William Hyde Wollaston, l’invention compte parmi ses plus célèbres utilisateurs William Henry Fox Talbot, dont la piètre aptitude pour le dessin motive en partie ses premières incursions dans le domaine de la photographie.

Une camera obscura, terme latin pour « chambre noire », est un des premiers appareils photographiques. À l’origine, il s’agissait de petites chambres noires dans lesquelles la lumière ne pouvait entrer que par un seul petit trou, utilisées depuis l’Antiquité pour observer les éclipses solaires sans endommager les yeux : le trou permet de projeter une image inversée de la scène extérieure sur la paroi intérieure opposée du dispositif. Au seizième siècle, la petite camera obscura, portable, est employée comme outil d’aide au dessin, projetant une image qu’un artiste pouvait tracer. 
 

Étudiant à la New School of Art de Toronto dans les années 1960, Alex Cameron a développé un style de peinture caractérisé par des pigments de texture audacieuse et une utilisation dynamique de la couleur. Influencé par Jack Bush, membre du groupe Painters Eleven, pour qui il a travaillé comme assistant, Cameron a fait évoluer son travail de toiles abstraites et conceptuelles dans les années 1970, à des paysages abstraits qui s’inspirent de la tradition canadienne du paysage de Tom Thomson et du Groupe des Sept.

Marchande d’art torontoise très en vue, Dorothy Cameron ouvre la Here and Now Gallery en 1959, qui change de nom en 1962 pour devenir la Dorothy Cameron Gallery. En 1965, la police de Toronto a fait une descente lors de l’exposition Eros ’65 présentée à sa galerie et Cameron a été accusée d’obscénité pour avoir exposé une œuvre de Robert Markle montrant deux femmes nues se touchant. Malgré les arguments en faveur du bien-fondé de l’œuvre et de l’exposition, Cameron a été reconnue coupable. Elle a fermé sa galerie, mais elle a refait surface en tant qu’artiste à la fin des années 1970, créant des œuvres sculpturales.

Artiste conceptuel canadien né en Angleterre, Eric Cameron est célèbre pour ce qu’il appelle des « peintures épaisses » avec lesquelles il recouvre des objets ordinaires de milliers de fines couches de peinture. Les œuvres de Cameron sont collectionnées par de nombreux musées importants au Canada, dont le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa et le Glenbow Museum à Calgary. Il a reçu le prix Gershon-Iskowitz en 1994 et le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques en 2004.

Photographe britannique, née à Calcutta, en Inde britannique, Julia Margaret Cameron est surtout reconnue pour ses portraits d’écrivain·es, de philosophes et de scientifiques célèbres de l’ère victorienne, ainsi que pour ses photos allégoriques d’hommes, de femmes et d’enfants. Son travail se caractérise par une prédilection manifeste pour les effets de flou de même que par sa nature hautement théâtrale, l’artiste s’inspirant et recréant des scènes tirées de la littérature, de l’art, des récits religieux ou de la mythologie.

Tammi Campbell est une artiste contemporaine dont l’œuvre fait référence aux peintres minimalistes, notamment Frank Stella et Agnes Martin. Pour ses œuvres bi et tridimensionnelles en trompe-l’œil, elle utilise de la peinture acrylique pour représenter papier, ruban masque et autres matériaux, attirant l’attention sur les procédés qui interviennent dans la production artistique. De 2010 à 2017, elle réalise une série de dessins intitulée Dear Agnes (Chère Agnes), inspirée par les peintures de grilles d’Agnes Martin, à titre d’exercice quotidien dans son atelier.

Écrivain et intellectuel important du vingtième siècle, l’oeuvre de Camus est imprégnée de philosophie et de politique révolutionnaire, et profondément influencée par son éducation en Algérie (alors un territoire français). Il a reçu le prix Nobel de littérature en 1957, à l’âge de 44 ans.

Anciennement le Bas-Canada, le Canada-Est était la désignation coloniale britannique de la partie nord-est de la province du Canada, de 1841 à 1867. Après la Confédération, le Canada-Est devient le Québec.

Anciennement le Haut-Canada, le Canada-Ouest était la désignation coloniale britannique de la partie sud-ouest de la province du Canada, de 1841 à 1867. Après la Confédération, le Canada-Ouest devient l’Ontario.

En tant qu’agence de vente d’art en gros d’Arctic Co-operatives Limited, Canadian Arctic Producers fait la promotion des artistes inuits et dénés depuis 1965. Elle fait le lien entre les communautés du Nord et les marchés du Sud, tant au Canada qu’à l’international, par le biais de son bureau principal à Mississauga, en Ontario. Canadian Arctic Producers est de propriété inuite et les bénéfices reviennent aux coopératives locales dans tout l’Arctique.

Périodique national trimestriel consacré aux arts visuels et publié à Toronto. Axé sur l’art contemporain canadien, Canadian Art présente un format qui comprend des articles de fond, des entretiens, des éditoriaux, des actualités artistiques, des profils d’artistes et des comptes rendus d’expositions. Le magazine a connu plusieurs changements de nom après sa fondation en 1943 : entre 1968 et 1983, on le reconnaît comme artscanada avant de reprendre le nom de Canadian Art. Le magazine cesse ses opérations en 2021.

Actif de 1907 à 1915, le Canadian Art Club de Toronto a été dirigé par les peintres Edmund Morris et Curtis Williamson, qui cherchaient à s’éloigner de ce qu’ils considéraient comme les normes peu élevées de la Ontario Society of Artists. Le club, auquel on ne pouvait participer que sur invitation, comprenait d’éminents peintres et sculpteurs canadiens influencés par les développements internationaux, notamment la peinture hollandaise et française récente. L’un des objectifs du club était d’inciter les expatriés, notamment James Wilson Morrice et Clarence Gagnon, à exposer au Canada. Homer Watson a été le premier président du CAC.

Inaugurée en 1993 à Waterloo, en Ontario, pour présenter des œuvres canadiennes contemporaines en céramique, en verre et en émail, la Canadian Clay & Glass Gallery est la seule galerie de ce type au pays. L’institution propose des programmes éducatifs variés et dispose d’une vaste bibliothèque et de collection d’archives.

Distributeur de films non commerciaux, voué au cinéma expérimental, fondé en 1967 à Toronto. La collection de ce centre comprend des œuvres en Super 8, 16 mm et 35 mm, ainsi qu’en format vidéo et numérique, par les cinéastes considérés comme les plus importants pour l’essor du cinéma d’avant-garde au Canada. Il s’agit du plus grand distributeur du genre au pays.

Caricaturiste prolifique et fondateur de la National Cartoonists Society. Sa bande dessinée Dickie Dare produite en syndication pour l’Associated Press l’amène à travailler pour le Chicago Tribune et le New York Daily News. Il crée pour ce dernier la populaire bédé Terry et les pirates.

Née à Yarmouth, en Nouvelle-Écosse, Cann a suivi une formation professionnelle à Montréal, Philadelphie et New York, ainsi qu’en Europe, notamment à la Harvey-Procter School of Painting à Newlyn, en Cornouailles, en Angleterre, et à l’Académie Julian à Paris. De retour à Yarmouth en 1936, Cann devient membre de la Nova Scotia Society of Artists et se spécialise dans le portrait.

Le peintre-décorateur Luigi Capello arrive à Montréal en 1875 après des études à Turin (sa ville natale) et à Rome. Sa carrière au Canada français se déroule sur plus de dix années au cours desquelles il reçoit des commandes de murales, de portraits et de tableaux religieux. Contrairement à d’autres peintres-décorateurs de l’époque au Canada français, Capello se sert d’une palette riche et colorée.

L’un des fondateurs de l’éphémère Gruppo Origine (1950-1951), Capogrossi est un peintre qui est devenu célèbre pour ses œuvres abstraites aux signes en forme de peigne et de fourchette. Après avoir commencé sa carrière de peintre figuratif, Capogrossi commence à expérimenter des formes, des symboles, des lettres et des chiffres avant d’en arriver à son style définitif en 1949. Avec Gruppo Origine, il s’inscrit dans une réaction contre des formes d’abstraction plus décoratives et cherche à revenir à un art abstrait essentiel, rigoureux, sans dimensionnalité et autres fioritures.

Né à Calgary, Douglas Cardinal est un architecte siksika de grand renom, diplômé de l’Université du Texas à Austin. Il est reconnu pour son engagement envers le développement durable, et ses bâtiments — aux formes organiques et curvilignes — sont inspirés par la nature et conçus en harmonie avec elle. Le Musée canadien de l’histoire à Gatineau est sans doute son édifice le plus emblématique.

Le CARFAC est une association nationale d’artistes sans but lucratif vouée à la protection des droits de propriété intellectuelle et économique de ses membres et à la promotion des arts visuels au Canada. Fondé à London en 1968 par les artistes Jack Chambers, Tony Urquhart et Kim Ondaatje, le CARFAC regroupe environ quatre mille membres.

Le plus souvent appliquée au portrait, la caricature déforme ou exagère les traits physiques caractéristiques d’un sujet à des fins humoristiques ou critiques. Le caricaturiste le plus célèbre est sans doute l’artiste français Honoré Daumier.

Le sculpteur Thomas Carli fait partie d’une première vague d’immigrants italiens qui se sont installés à Montréal durant les années 1860. Artisan qui sait travailler plusieurs matériaux, Carli ouvre un atelier en 1867 et reçoit des commandes pour des décorations statuaires d’églises québécoises.

Paysagiste et portraitiste canadienne majeure. Carlyle est connue pour ses représentations de femmes, nuancées et d’inspiration tonaliste. Elle étudie en France avec l’encouragement de Paul Peel, déménage ensuite à New York, voyage dans toute l’Europe et s’installe finalement en Angleterre en 1912. On trouve ses œuvres dans les collections du Musée des beaux-arts de l’Ontario, du Musée des beaux-arts du Canada, dans les Édifices du Parlement et à la Woodstock Art Gallery.

Galerie torontoise ouverte en 1966 par Carmen Lamanna, émigré italien et figure quasi mythique de la scène artistique canadienne pendant plus de trente ans. L’écurie Lamanna comprend nombre des figures de proue de l’art contemporain : Ron Martin, Ian Carr Harris, Paterson Ewen, General Idea et Joanne Tod.

Membre fondateur du Groupe des Sept, Carmichael réalise des paysages à l’aquarelle et à l’huile. Il est également un membre fondateur du Groupe des peintres canadiens (Canadian Group of Painters) et de la Société canadienne de peintres en aquarelle (Canadian Society of Painters in Water Colour). Comme bon nombre de ses collègues, il gagne principalement sa vie comme artiste commercial et, en 1932, il devient directeur du Département de création publicitaire et de conception graphique de l’Ontario College of Art (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO).

Éminente artiste et autrice de Colombie-Britannique, Carr est reconnue aujourd’hui pour ses images audacieuses et vibrantes des paysages et des populations autochtones de la côte du Nord-Ouest canadienne. Formée en Californie, en Angleterre et en France, elle subit l’influence de divers mouvements artistiques modernes, mais développe à terme un style esthétique distinct. Carr figure parmi les premier·ères artistes de la côte Ouest à obtenir une reconnaissance nationale. (Voir Emily Carr : sa vie et son œuvre, par Lisa Baldissera.)

Carrà est un peintre et un auteur très influent pour son rôle de premier plan dans le mouvement futuriste italien du début du vingtième siècle. Après la Première Guerre mondiale, il est l’un des pionniers de la peinture métaphysique, un nouveau style qu’il élabore aux côtés du peintre Giorgio de Chirico. Les scènes extérieures oniriques de Carrà, animées de motifs symboliques, exercent plus tard une grande influence sur le surréalisme.

Photographie montée sur carton qui sert surtout au portrait, similaire du point de vue du style et de l’usage aux cartes de visite, mais plus grande et popularisée plus tard. Les épreuves des cartes de cabinet sont d’abord réalisées à l’albumine, mais sont ensuite produites à la gélatine argentique, au collodion, au platine ou au carbone.

Portrait photographique monté sur un carton à peu près de la taille et de la forme d’une carte à jouer, reproduite en multiples exemplaires grâce à un appareil photo multi-objectifs. Brevetée par A. A. E. Disdéri à Paris en 1854, la photo-carte sert surtout à présenter un portrait; les personnes y sont représentées selon des règles presque universelles.

Lyn Carter est une artiste et pédagogue établie près de Grand Valley, en Ontario. Ses sculptures et ses dessins ont été exposés dans toute l’Amérique du Nord, ainsi qu’en Grande-Bretagne, en Espagne et en Chine. Formée à l’Université York et au Ontario College of Art (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO) de Toronto, Carter travaille en atelier depuis plus de trente-cinq ans et associe souvent l’art et l’artisanat dans son travail.

Artiste et photographe français, Cartier-Bresson est l’un des premiers à pratiquer la photographie de rue spontanée et observationnelle. Connu pour sa capacité à saisir des images spontanées, poétiques et émouvantes de la vie quotidienne, il réalise exclusivement des photographies en noir et blanc et est profondément inspiré par le mouvement surréaliste. En 1947, il cofonde Magnum Photos, une coopérative photographique internationale dont les sièges se trouvent à New York, Paris, Londres et Tokyo.

La cartographie est l’art, la science et la technologie de la création de cartes. Elle implique la collecte, le traitement et la visualisation de données géographiques. Les cartes, qui sont produites grâce à des techniques cartographiques, sont des outils essentiels pour la navigation et la compréhension des relations spatiales. En représentant visuellement l’information géographique, la cartographie influence notre perception du monde et favorise la compréhension de l’histoire, de la société et de l’environnement.

Dessin préparatoire sur papier destiné à faciliter le transfert de grandes images sur un mur ou sur une toile. Dans un carton, le dessin est à l’échelle, ce qui permet un rendu précis et détaillé sur la surface à peindre. Les artistes tracent le contour du dessin à l’aide de pointes d’épingle, puis marquent les trous avec de la poudre pour reproduire l’image du carton sur la surface devant l’accueillir.

Terme désignant à la fois un support et une technique d’illustration. Comme support, il s’agit d’une surface recouverte d’argile blanche puis d’encre noire, sur laquelle l’artiste crée une image en grattant l’encre au moyen de lames ou d’autres accessoires affûtés, pour dégager des espaces blancs.

Phosphoprotéine du lait très adhésive, donc couramment employée comme colle ou agent liant en peinture. Les peintures à la caséine peuvent se substituer à la tempera.

Peintre reconnue pour ses tableaux figuratifs représentant souvent des femmes et des enfants, Mary Cassatt réalise des œuvres qui sont régulièrement exposées aux Salons de Paris. Parmi les artistes américains, elle est la seule à être officiellement associée au mouvement impressionniste français.

Inventaire minutieux de l’œuvre entière d’un artiste comprenant notamment des renseignements sur la technique d’expression, la date de réalisation, les dimensions, la provenance et l’historique des expositions de chaque œuvre. Habituellement dressés par des universitaires, les catalogues raisonnés sont des outils indispensables pour accroître la connaissance et la compréhension de l’œuvre d’un artiste.

Catlin est un peintre, un écrivain et un voyageur qui s’est passionnément consacré à la question de la culture autochtone d’Amérique. Des centaines de ses peintures ethnographiques — dont plusieurs ont été encensées par de nombreux critiques de son temps, y compris Charles Baudelaire — sont aujourd’hui conservées à la Smithsonian Institution et à la National Gallery of Art de Washington.

Institution publique fondée à Londres en 1896, la Central School of Arts and Crafts offrait des cours de design et d’arts visuels et appliqués initialement inspirés par le mouvement Arts and Crafts mené par William Morris. En 1989, l’école fusionne avec la Saint Martin’s School of Art pour former le Central Saint Martins College of Arts and Design, aujourd’hui intégré à l'Université des arts de Londres.

La Central Technical School est une école polyvalente de Toronto fondée en 1915, dont la vocation est de préparer les élèves à devenir la main-d’œuvre qualifiée de l’ère moderne. À l’époque, il s’agit de la plus grande école construite au Canada, reflétant la forte demande pour des programmes de formation technique. Lawren S. Harris, Arthur Lismer et Elizabeth Wyn Wood comptent parmi les artistes de renom qui y ont étudié ou enseigné.

Établi en 1970 par le ministère des Affaires extérieures du Canada, le Centre culturel canadien à Paris présente des lectures, des projections de films, des expositions, des concerts et des événements spéciaux. L’objectif du centre consiste à resserrer les liens entre la France et le Canada en faisant rayonner la culture canadienne diversifiée et innovante grâce à des partenariats et à des collaborations.

Galerie d’art publique de Barrie, en Ontario, le Centre d’art MacLaren est ainsi nommé en souvenir du collectionneur d’art Maurice MacLaren, qui a fait don de sa collection d’œuvres et de sa maison à la Ville de Barrie, en 1989. Déménagé depuis, le centre se spécialise dans l’art contemporain canadien, par la collection et la mise en valeur des artistes de la région.

Créé en 1933 sous le nom de Banff School of Drama, le Banff Centre for Arts and Creativity ou Centre des arts de Banff est un établissement post-secondaire situé dans le parc national de Banff, en Alberta. Fondé par l’Université de l’Alberta, le centre des arts propose des programmes éducatifs dans les domaines des arts du spectacle, de la littérature et des arts visuels. Il est particulièrement connu pour ses programmes de résidences d’artistes et de stages, ayant servi de site d’inspiration artistique et de pratique créative pour nombre d'artistes au pays depuis sa fondation.

Situé à Charlottetown, à l’Île-du-Prince-Édouard, le Centre des arts de la Confédération est un complexe culturel consacré à la promotion des arts et du patrimoine. Inauguré en 1964 pour commémorer la Conférence de Charlottetown de 1864, le centre joue un rôle officiel important en tant que monument national dédié à la mémoire des Pères de la Confédération. Son théâtre accueille le Festival de Charlottetown et sa galerie d’art abrite une collection de plus de 16 000 œuvres d’artistes contemporain·es et historiques du Canada.

Originaire de Nice où il a rencontré Pierre-Auguste Renoir et étudié sous Henri Matisse à l’École des beaux-arts, René Cera arrive au Canada en 1928, engagé comme concepteur-architecte par la compagnie T. Eaton. Également peintre, Cera est représenté dans des collections publiques du Canada et des États-Unis.

Technique de poterie japonaise, le raku permet la fabrication de faïences émaillées façonnées à la main plutôt que sur un tour de potier. Les pièces qui en résultent sont légères, asymétriques et uniques. Traditionnellement, la céramique raku était utilisée pour les cérémonies du thé au Japon, mais au vingtième siècle, les techniques raku sont devenues populaires chez les artistes et les céramistes en Occident.

Dans les traditions autochtones d’Amérique du Nord, la cérémonie de purification implique souvent l’utilisation de fumée de cèdre, de sauge, de foin d’odeur et d’autres herbes pour libérer le corps et l’esprit des émotions négatives.

Sculpteur associé au Nouveau réalisme, César Baldaccini travaille souvent avec de la ferraille, notamment du plomb, des tuyaux de cuivre et des pièces de carrosserie automobile (comme dans sa sculpture controversée d’une voiture compressée, Compression, 1960). De par leur simplicité, ses sculptures des années 1950 et du début des années 1960 sont considérées comme annonciatrices du minimalisme.

Peintre qui a exercé une influence sans précédent sur l’essor de l’art moderne, Paul Cézanne est associé à l’école postimpressionniste. Il est réputé pour ses expérimentations techniques de la couleur et de la forme de même que pour son intérêt envers les compositions à multiples perspectives. Ses sujets de prédilection plus tardifs comprennent les portraits de son épouse, les natures mortes et les paysages de la Provence.

Peintre et graphiste, Chagall est célèbre pour ses images colorées et oniriques et son rejet de la logique picturale. Empruntant volontiers au cubisme, au fauvisme et au symbolisme, il n’adhère toutefois à aucun de ces mouvements de l’avant-garde.

Élève de George Agnew Reid, Frederick (Fred) Sproston Challener a commencé sa carrière comme lithographe et peintre. Après avoir voyagé en Europe et au Moyen-Orient, il a commencé à travailler comme muraliste, d’abord par l’entremise de la Toronto Society of Mural Decorators et de la Toronto Guild of Civic Art, puis en collaboration avec des artistes, dont C. W. Jefferys. Par la suite, il a reçu de nombreuses commandes pour le théâtre, notamment pour les murales qui décorent l’intérieur du Royal Alexandra Theatre de Toronto.

Religion centrée autour d’un chaman, pratiquée sous différentes formes par les peuples autochtones de par le monde. Les chamans sont réputés avoir des pouvoirs spéciaux, dont la capacité de guérir des individus et des communautés, et d’accompagner l’esprit d’un mort dans le monde spirituel.

Fille de l’écrivaine Susanna Moodie, Agnes Dunbar Moodie est une aquarelliste spécialiste de la flore canadienne. En 1869, elle publie Canadian Wild Flowers, un livre de ses lithographies de fleurs sauvages accompagnées de textes de sa tante, Catharine Parr Traill.

Chambers est un peintre et un cinéaste d’avant-garde, dont les peintures méditatives représentent habituellement des sujets domestiques. Il est affilié au Régionalisme, en dépit de sa perspective internationale qui résulte de ses cinq années de formation artistique à Madrid. Chambers figure en outre parmi les fondateurs de CARFAC, un organisme canadien chargé de la protection des droits des artistes. (Voir Jack Chambers : sa vie et son œuvre par Mark Cheetham.)

Photographe né à Hamilton, Chambers fonde en 1977 la Toronto Photographers’ Co-operative (aujourd’hui la Gallery TPW), un important centre d’artistes autogéré qui se consacre à l’exposition de photographies, de films et de vidéos. Deux ans auparavant, il participe à la création du centre d’artistes autogéré Hamilton Artists Inc., où il expose fréquemment ses photographies de rue et ses œuvres multimédias. Il a été professeur au Département de photographie créative du Humber College pendant vingt ans.

Artiste né en Jamaïque et établi à Toronto, Michael Chambers explore la diversité de la forme humaine – en particulier, le corps noir – dans ses photographies en noir et blanc et ses images à la gomme bichromatée. Michael Chambers a fait l’objet de l’exposition solo itinérante Shadows to Silver: A 25 Year Retrospective (De l’ombre à l’argent : une rétrospective de 25 ans), 2017-2019. Il a obtenu un baccalauréat en beaux-arts (avec mention) à l’Université York de Toronto. Chambers a été le mentor de jeunes artistes au Don Mills Collegiate Institute pendant plus de deux décennies et a été instructeur d’art au Camera Club de l’Université de Toronto.

Ruth Chambers est une artiste et chercheuse reconnue pour ses sculptures et installations en céramique, réalisées avec un souci minutieux du détail et inspirées de sujets botaniques et d’autres thèmes par lesquels elle explore le genre de la nature morte, le corps, la médecine et l’architecture. Elle est également professeure de longue date à l’Université de Regina.

Sculpteur d’origine montréalaise connu pour son travail du bois brut, non verni et de planches de pin, dans une démarche axée sur le rendu du geste de l’artiste dans le processus de réalisation de l’œuvre. De 1966 à 1969, Champagne étudie à l’École des beaux-arts de Montréal avec Ulysse Comtois et Henry Saxe. Champagne a collaboré avec Françoise Sullivan pour la réalisation de son œuvre La légende des artistes pour l’important projet Corridart, sur la rue Sherbrooke, dans le cadre des Jeux olympiques de Montréal en 1976.

Artiste multidisciplinaire du nord de l’Ontario qui allie photographies manipulées par ordinateur, peinture, dessin et gravure, Chapman crée des images inspirées de contes pour explorer les notions de culture et d’identité.

Chardin est un peintre français reconnu pour ses scènes de genre et ses natures mortes. Ses sujets humbles vont à l’encontre du style rococo qui domine Paris en son temps, mais il est néanmoins devenu un des peintres fétiches de l’Académie royale de peinture et de sculpture, et ses œuvres ont été hautement convoitées dans toute l’Europe. Chardin n’a jamais quitté Paris; sa connaissance de l’art ne vient que de ce qu’il a pu voir dans sa ville.

Journaliste, critique, rédacteur en chef et auteur de mémoires établi à Toronto, Hector Charlesworth a écrit principalement sur la musique et le théâtre. Il s’est fait connaître pour avoir critiqué le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa qui lui paraissait accorder un traitement de faveur au Groupe des Sept. De 1932 à 1936, il a été le premier dirigeant de la Commission canadienne de la radiodiffusion, qui deviendra CBC/Radio-Canada.

Chase est un peintre impressionniste américain influencé par les grands maîtres et Édouard Manet. Professeur d’art reconnu pour son charisme, Chase enseigne, entre autres, à Georgia O'Keeffe et Edward Hopper à l’Art Students League de New York. Il peint souvent des portraits, des scènes domestiques, des parcs de la ville de New York et des natures mortes. Il fonde la Chase School of Art, aujourd’hui connue sous le nom de Parsons School of Design.

Résidence construite entre 1915 et 1918 à Montréal par l’industriel Oscar Dufresne et son frère, l’architecte et ingénieur Marius Dufresne. Le Château Dufresne est une grande maison de style beaux-arts reconnue pour sa décoration (peintures murales et marouflées, vitraux) exécutée par Guido Nincheri (1885-1973), l’une des rares œuvres laïques du maître verrier et peintre-décorateur des églises canadiennes du dix-neuvième et du début du vingtième siècle. Après une restauration majeure, le château rouvre ses portes en 2014 sous le nom de Musée Dufresne-Nincheri.

Construit à partir de 1892 et inauguré en 1893 dans la Haute-Ville de Québec, le Château Frontenac a été commandé par le Canadien Pacifique pour stimuler le tourisme et les voyages en train dans le Vieux-Québec. L’hôtel emblématique est conçu par l’architecte Bruce Price dans le style château, et demeure aujourd’hui un attrait incontournable du quartier historique de la capitale.

Jésuite, artiste, écrivain et professeur de mathématiques, Chauchetière est né en Aquitaine en France et arrive en Nouvelle-France en 1677 en tant que missionnaire. Il passe six ans à La Prairie, travaillant à la conversion des communautés de langue iroquoienne et exerçant son ministère auprès des familles canadiennes.

Peintre et membre important de l’école de Woodland. Influencé par les mouvements abstraits modernes et renommé pour ses représentations sobres d’oiseaux et d’animaux, Chee Chee peint dans un style plus abstrait et graphique que ses contemporains de l’école de Woodland.

Portraitiste réputée et première artiste médicale engagée par l’Université de la Colombie-Britannique, Cheney crée des images anatomiques pour la faculté de médecine de 1951 à 1962. Elle s’installe à Vancouver en 1937, où elle fait la connaissance de nombreux artistes canadiens avec qui elle correspond. Elle se lie d’une profonde amitié avec Emily Carr avant que l’œuvre de celle-ci ne soit reconnue par le grand public. Cheney recueille de la documentation sur Carr jusqu’en 1979. Sa correspondance avec divers artistes est rassemblée dans Dear Nan: Letters from Emily Carr, Nan Cheney and Humphrey Toms, publiée sous la direction de Doreen Walker.

Chimiste dont le travail sur la perception de la couleur exerce une grande influence sur l’essor de l’impressionnisme et du néo-impressionnisme à la fin du dix-neuvième siècle. Ses hypothèses découlent de ses observations à titre de directeur des Gobelins, une célèbre manufacture de tapisseries de Paris.

Peintre, sculptrice, éducatrice, artiste et intellectuelle féministe importante, Chicago explore le rôle des femmes dans l’histoire de l’art et la culture contemporaine. Son œuvre la plus connue, The Dinner Party (Le dîner), 1974-1979, rend hommage à trente-neuf femmes ayant marqué l’histoire, au moyen de couverts conçus spécialement pour chacune d’elles, disposés sur une vaste table triangulaire.

Les chinoiseries constituent un style d’art et de décoration d’Europe qui interprète et une imite l’art chinois et d’autres arts est-asiatiques. Liées à l’orientalisme, qui perpétue une vision simpliste et condescendante des cultures non occidentales, les chinoiseries apparaissent pour la première fois au dix-septième siècle. Le style se caractérise par des motifs asiatiques, notamment des figures stéréotypées, des pagodes, des animaux, de nombreuses dorures, de la laque et des décorations en bleu et blanc typiques de la porcelaine chinoise.

Né et élevé à Saint-Pétersbourg, Dmitri Chostakovitch est un compositeur russe ayant travaillé dans les limites imposées par le système soviétique. Il intègre à ses premières œuvres la variété des influences européennes modernes auxquelles il a été exposé pendant sa formation, et ce, même s’il est soumis à la pression croissante des autorités pour créer une musique plus accessible. Alors que le contrôle stalinien de la production artistique augmente, Chostakovitch doit relever le défi d’équilibrer son ambition artistique avec la nécessité de plaire au régime. Ses compositions sombres et sérieuses, en particulier ses symphonies, lui valent de pouvoir travailler dans une relative liberté tout au long de sa carrière.

Chrismas est un marchand d’art établi à Los Angeles, qui a travaillé avec plusieurs artistes de renom, dont Gathie Falk. À l’âge de dix-sept ans, Chrismas ouvre la Douglas Gallery, qui devient un centre où les artistes de Vancouver peuvent exposer leurs œuvres à côté de celles de célèbres artistes new-yorkais, comme Donald Judd et Robert Rauschenberg. En 1967, Chrismas ouvre une succursale à Los Angeles, plus tard renommée Ace Gallery.

Christo est un artiste qui ne va pas sans Jeanne-Claude, sa femme et principale collaboratrice, dans la création d’installations environnementales à grande échelle et spécifiques au site. Le duo est reconnu pour ses emballements, alors qu’il enveloppe ou drape des monuments architecturaux ou divers points de repères naturels ou culturels. Le duo a commencé sa pratique sous le nom du seul Christo avant de s’annoncer comme « Christo et Jeanne-Claude ».

Lithographie de couleur, procédé employé communément à partir du milieu du dix-neuvième siècle pour l’illustration de livres et les portfolios de gravures. Les chromolithographies sont réalisées au moyen de nombreuses pierres lithographiques, dont chacune est encrée d’une des couleurs requises pour l’image finale.

Procédé photographique qui permet d’enregistrer une séquence de mouvements en une seule image. La chronophotographie est inventée au début des années 1880 par le physiologiste français Étienne-Jules Marey pour faciliter l’étude des mouvements anatomiques des humains et des animaux. Cette technique a influencé les peintres futuristes, notamment Giacomo Balla, qui a reproduit cet effet dans le tableau Dynamisme d'un chien en laisse, 1912.

Figure majeure de la céramique à Regina, Victor Cicansky grandit dans un quartier d’Europe de l’Est dont l’influence marque profondément sa pratique, notamment par son intégration de fruits et de légumes dans ses céramiques. Il étudie à l’Université de Californie à Davis, avant de revenir à Regina pour enseigner à la l’Université de la Saskatchewan. Il se tourne ensuite vers le bronze et fait l’objet d’une rétrospective à la MacKenzie Art Gallery en 2019.

Technique de moulage du métal par laquelle un moule est formé autour d’un modèle en cire, qui est ensuite fondu pour laisser un espace dans lequel le métal en fusion est versé. Le procédé peut être effectué soit avec un modèle en cire solide, soit avec une coquille de cire qui est utilisée pour créer une sculpture en métal creuse. Le procédé de moulage à la cire perdue est utilisé pour couler le métal depuis environ six mille ans.

Artiste multimédia qui s’intéresse au cycle continu de la vie et de la mort, au rapport de l’humanité à la nature, et au sens d’un lieu primordial où le moi peut renaître. Dans les œuvres de Cisneros, les os et les peaux d'animaux, ainsi que le bois flotté, sont à l’honneur. Avant d’immigrer au Canada depuis le Mexique en 1969, Cisneros fonde un mouvement artistique appelé La Rabia (Rage). Dans les années 1970, il enseigne au Collège Manitou à La Macaza, au Québec.

City Beautiful est un mouvement de réforme et une philosophie de l'urbanisme nord-américain des années 1890 aux années 1920. Il visait à organiser les villes et à les améliorer par l'embellissement, notamment par une architecture harmonieuse, de grands boulevards et de vastes espaces publics tels que des parcs, afin de renforcer la fierté civique.

Terme qui vient de l’italien chiaroscuro, soit chiaro (clair) et scuro (obscur). Dans son sens le plus général, le terme renvoie à la façon dont un·e artiste emploie la lumière et l’ombre dans son art, et aux effets visuels que cette technique produit dans des peintures, des gravures et des dessins. Le clair-obscur peut servir à créer une atmosphère, rendre un volume et imiter les effets de la lumière naturelle.

Paysagiste et portraitiste, Clapp est influencé par l’accent mis sur les jeux de lumière de l’impressionnisme, par la facture détaillée et tachetée du pointillisme et par les couleurs audacieuses du fauvisme. Né à Montréal de parents américains, il étudie à Paris et à Madrid avant de s’installer d’abord à Montréal et ensuite à Oakland, en Californie. Clapp a été conservateur et directeur de la Oakland Art Gallery durant plus de trente ans et a souvent exposé avec la California Society of Six.

June Clark est une artiste originaire de Harlem et établie à Toronto, dont le travail, souvent autobiographique, transcende les frontières entre la photographie, la sculpture et le collage. Depuis le début de sa carrière dans les années 1970, Clark travaille en atelier. Elle a acquis une vaste reconnaissance internationale, ses œuvres ayant fait l’objet de nombreuses expositions en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Son travail est conservé dans les collections du Musée des beaux-arts de l’Ontario à Toronto et au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa.

Peintre affirmée, Clark milite pour la reconnaissance du rôle social de l’artiste et pour l’établissement de liens culturels entre le Canada et la Russie. Elle arrive à Toronto depuis Paris en 1931. Les sujets de ses tableaux sont des natures mortes, des autoportraits, des paysages et des souvenirs de sa patrie. Clark soutient les efforts déployés pour recueillir des fonds pour les personnes réfugiées espagnoles durant la Guerre civile espagnole ainsi que le Fonds canadien de l’aide à la Russie (Canadian Aid to Russian Fund) en 1942. (Voir Paraskeva Clark : sa vie et son œuvre, par Christine Boyanoski.)

Bien qu’on se souvienne surtout de son rôle dans l’expédition de Lewis et Clark sur la côte nord-ouest du Pacifique (1803-1806), William Clark œuvre comme agent aux Affaires indiennes pendant plus de trente ans. À titre de représentant du gouvernement américain auprès de la quasi-totalité des tribus de l’Ouest, il est appelé à négocier des traités et à superviser la cession de nombreux territoires.

Figure importante du cinéma d’avant-garde américain dans les années 1950, et l’une des rares femmes cinéastes de la scène new-yorkaise. Dans les années 1960, Clarke traite de questions sociales dans ses documentaires; son film de 1967, Portrait of Jason, marque un tournant dans l’histoire du cinéma GLBT.

Peintre de paysages ruraux et de la vie paysanne, Clausen était un partisan de l’impressionnisme britannique et co-fondateur du New English Art Club en 1886. Il croyait qu’il fallait réformer le style traditionnel rigide de la Royal Academy of Arts, où il a enseigné de 1904 à 1906. Il s’est enrôlé comme artiste de guerre pendant la Première Guerre mondiale et a été fait chevalier en 1927.

Inventé par l’artiste Thomas Wilfred en 1919, le Clavilux est en quelque sorte un orgue qui permet à l’interprète d’utiliser un clavier pour projeter de la lumière à travers un système de lentilles et d’écrans colorés, sur un arrière-plan noir afin de « jouer » les compositions en lumière (lumia). Conçus à l’origine pour offrir des performances cinématographiques, les modèles ultérieurs sont destinés à une utilisation à domicile et comprennent un plus petit écran pour présenter le lumia. 

Graphiste et typographe éminent, Cleary travaille au sein de l’agence torontoise Cooper & Beatty Typographers, ainsi qu’à la Font Shop, un point de vente au détail qu’il crée avec Eric Spiekermann pour distribuer des polices numériques dans les années 1990.

Fils du propriétaire d’une fonderie parisienne respectée, Clementi a fait son apprentissage en Italie ainsi qu’à Paris, accédant à la profession de fondeur dans les années 1930, suivant les traces de son père. Avec les sculpteurs Rosaline Granet et Jacques Delahaye, il fonde en 1959 la Fonderie Berjac à Meudon, en France, dont il devient l’unique propriétaire en 1963 et lui fait emprunter le nom de Fonderie Clementi. Spécialisé dans la coulée d'art et le procédé à la cire perdue, Clementi exécute des commandes pour des projets de petite et de grande envergure.

Né dans le Lancashire, en Angleterre, Clemesha met sur pied un cabinet d’architectes à Regina, en Saskatchewan, au début des années 1900. Au cours de la Première Guerre mondiale, il sert comme lieutenant dans le 46^e bataillon du Corps expéditionnaire canadien. Reprenant son travail d’architecte après la guerre, il se retrouve finaliste au concours organisé par le Commission des monuments des champs de bataille nationaux pour la conception de monuments commémoratifs permanents qui seront élevés en France et en Belgique afin de rendre hommage au sacrifice des Canadiens durant la Première Guerre mondiale. Son projet, connu sous le nom de Soldat en méditation, sera dévoilé en juillet 1923 à Saint-Julien, en Belgique, illustrant ainsi la première attaque au gaz à grande échelle, survenue sur ce site même lors de la deuxième bataille d’Ypres en 1915.

Aquarelliste et peintre à l’huile dont la pratique s’échelonne sur près de quatre décennies. Les sujets de prédilection de Clench sont les paysages, les fleurs et les figures. Elle aide son mari, Paul Kane, à organiser ses croquis réalisés sur le terrain pour en faire une exposition qui sera présentée à l’Hôtel de Ville de Toronto en 1848. L’année suivante, elle participe à la Upper Canada Provincial Exhibition.

Close est un artiste réputé pour ses portraits photoréalistes gigantesques, créés grâce à un processus méticuleux qui consiste à décomposer son sujet à l’aide d’un quadrillage, puis à le reproduire méthodiquement sur une toile, carré par carré. En plus de la peinture, il maîtrise un éventail de techniques de gravure et de photographie.

Artiste largement autodidacte, connu pour ses paysages canadiens, Cloutier peint régulièrement avec ses contemporains A. Y. Jackson et Edwin Holgate. Il fait partie du « groupe Oxford », du nom de la taverne montréalaise où le groupe d’artistes se réunissait. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Cloutier est directeur artistique de la Commission d’information en temps de guerre en 1941, et de 1943 à 1946, il est le seul artiste de guerre canadien officiel francophone au service de l’Aviation royale canadienne.

Créée en 1965 et installée dans une ancienne remise de carrosses au centre-ville de Toronto, cette imprimerie est également une maison d’édition canadienne indépendante, surtout connue pour ses activités d’impression et les ouvrages de fiction et de poésie qui sortent de ses presses. La maison existe toujours et son catalogue contient des noms comme Michael Ondaatje, André Alexis, Anne Michaels, Christian Bök et Guy Maddin, entre autres auteurs canadiens de renom.

Membre originel de la Professional Native Indian Artists Inc. (PNIAI), Cobiness est associé à l’école de Woodland et réputé pour signer ses tableaux par le numéro de traité de son peuple (47). Au début de sa carrière, il peint des scènes réalistes de la vie en plein air et de la nature. Son œuvre s’oriente par la suite vers l’abstraction.

Connu sous le nom des « frères Coen », ce duo fraternel a écrit, dirigé et produit certains des films ayant connu les plus grands succès critiques et commerciaux du cinéma contemporain, dont Fargo, 1996, The Big Lebowski (Erreur sur la personne), 1998, et No Country for Old Men (Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme), 2007. Ils naviguent entre les genres et travaillent souvent avec les mêmes acteurs.

Quartier à l’extrémité sud de Manhattan, Coenties Slip est la dernière rampe de halage datant du dix-septième siècle à être remblayée et récupérée par la ville de New York. Dans les années 1950, cet ancien secteur industriel attire un groupe d’artistes comprenant Agnes Martin, Ellsworth Kelly, Jasper Johns et Robert Indiana. Tous vivent et travaillent dans les lofts du Slip, s’offrant un soutien mutuel tandis qu’ils cherchent à se démarquer de l’expressionnisme abstrait et à jeter les fondements du pop art et du minimalisme. Le quartier a depuis été réaménagé et fait maintenant partie du district financier de New York.

Peintre et sculpteur multimédia reconnu pour son exploitation de structures monumentales, d’acier peint aux couleurs vives et empruntant les formes de totems combinées à de l’abstraction moderniste. La spiritualité est essentielle à la pratique artistique de Coffin. Il a enseigné dans de nombreuses institutions, dont l’Institute of American Indian Arts, au Nouveau-Mexique.

Photographe née aux États-Unis, Cohen vit et travaille au Canada de 1973 jusqu’à son décès en 2014. Elle est reconnue à l’échelle internationale pour ses photographies d’espaces intérieurs, souvent institutionnels. En 2002, le Musée des beaux-arts du Canada organise une rétrospective de son œuvre et, en 2005, l’artiste est récompensée du Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques.

Un des principaux peintres paysagistes américains du dix-neuvième siècle et fondateur de la Hudson River School, Cole naît en Angleterre et émigre avec sa famille vers les États-Unis à l’âge de dix-sept ans. Après avoir suivi une formation de portraitiste, il s’intéresse aux paysages des montagnes Catskill et des Adirondacks. Cole produit des paysages spectaculaires, romantiques et idéalisés.

Critique d’art, historien du livre et collectionneur d’art établi à Toronto, William Colgate a également été l’un des premiers historiens de l’art à se concentrer sur l’art canadien. En 1943, Colgate publie Canadian Art: Its Origin and Development, un texte fondamental pour la discipline et, à l’époque, seulement le troisième volume à être publié sur l’art canadien.

Technique d’impression popularisée par le graveur et éducateur américain Glen Alps dans les années 1950, la collagraphie consiste à fixer des objets tridimensionnels sur un matériau rigide, souvent un morceau de carton. La surface texturée créée par les objets devient la base d'une estampe — elle peut être encrée et pressée à la main ou dans une presse à imprimer. Les collagraphies peuvent être employées pour créer des impressions en relief, dans lesquelles les surfaces supérieures de la plaque sont imprégnées d’encre, ou des impressions en creux, dans lesquelles toute la plaque est enduite d’encre puis essuyée en surface de sorte que l’impression est faite grâce aux pigments laissés dans les creux.

Basé à Toronto, le Indigenous Curatorial Collective/Collectif des commissaires autochtones (ICCA, auparavant le Aboriginal Curatorial Collective/Collectif des commissaires autochtones) est un organisme à but non lucratif qui favorise les liens entre les commissaires, les artistes et les institutions autochtones, tout en créant des opportunités pour ses membres. Fondé en 2006 par Cathy Mattes, Barry Ace, Ryan Rice, Ron Noganosh et Âhasiw Maskêgon-Iskwêw, l’ICCA a pour mandat d’activer et d’assurer l’avenir de la souveraineté créatrice autochtone.

Mise sur pied en 1959, cette série annuelle réunit des estampes créées par les artistes de l’atelier de gravure de la West Baffin Eskimo Co-operative (maintenant connue sous le nom d’Ateliers Kinngait). Les estampes sont distribuées dans les marchés du Sud par Dorset Fine Arts, qui commercialise l’art inuit auprès des galeries et des établissements muséaux.

Situé à Kleinburg, en Ontario, le musée McMichael est une institution publique dédiée à l’art canadien et autochtone. Fondée en 1965, la Collection McMichael d’art canadien provient de la collection personnelle de Robert et Signe McMichael, laquelle regroupait des œuvres du Groupe des Sept et de leurs contemporain·es. La collection permanente compte aujourd’hui plus de 6 500 pièces. La galerie abrite également des archives de Cape Dorset. Outre le musée, le site comprend des sentiers de randonnée, un jardin de sculptures et la cabane de Tom Thomson – un bâtiment historique, auparavant la maison et le studio de l’artiste.

Le collège Rochdale, fondé en 1968, est une université libre et gratuite, où l’hébergement est coopératif. Paradis des idéalistes, le collège tombe en discrédit, victime des activités présumées de trafiquants de drogue et de gangsters ainsi que de problèmes financiers. Il ferme en 1975.

Un collier (ou ceinture) créé à partir de perles de wampum blanches et pourpres fabriquées à partir de coquilles de palourdes. Traditionnelles aux peuples autochtones des forêts de l’Est, les colliers de wampum ont divers objectifs, généralement de nature cérémonielle ou diplomatique. Le collier porte un message encodé à l’aide d’arrangements symboliques et peut être utilisé pour inviter d’autres nations à une réunion, servir de registre d’un accord ou d’un traité, ou représenter le rôle important d’une personne. Pour les Haudenosaunee, par exemple, les colliers de wampum sont utilisés pour élire un nouveau chef et pour sceller un traité de paix entre les nations.

Étudiant avec des membres du Groupe des Sept, Collier est surtout connu pour ses peintures de paysages canadiens. Il pratique son art partout au Canada dans un style porté sur une schématisation des formes et une riche palette de couleurs. En 1979, son tableau Across the Tundra (À travers la toundra), 1971, est reproduit sous la forme d’un timbre de deux dollars émis par Postes Canada.

Après avoir suivi une formation en beaux-arts à l’Université Sir-George-Williams (aujourd’hui l’Université Concordia), Collins est devenu un caricaturiste très respecté de la Montreal Gazette pendant plus de quarante ans. Il est connu pour avoir créé Uno Who, un personnage récurrent représentant le contribuable canadien qui est apparu pour la première fois dans ses caricatures en 1940. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Collins a créé des caricatures populaires sur l’effort de guerre, dont plusieurs ont été réimprimées dans le New York Times.

Procédé photographique introduit par Frederick Scott Archer en 1851 et populaire jusque dans les années 1880. Il sert habituellement à la création de négatifs. Fait à partir de fulmicoton, le collodion est versé sur une plaque de verre, puis sensibilisé; la plaque doit être exposée et développée immédiatement.

Processus de colonialisme dans lequel les colons s’établissent en permanence sur des territoires autochtones sans le consentement des Premiers Peuples qui sont dépossédés de leurs territoires ancestraux au fur et à mesure que la société colonisatrice les assimile. Dans une publication de 2015, la chercheuse et activiste Aileen Moreton-Robinson estime que le colonialisme d’implantation est ancré dans une « logique de possession » qui perpétue et normalise le déplacement et la dépossession des peuples autochtones et l’effacement de leurs cultures. Bien que la revendication de la propriété foncière soit un élément crucial de ces logiques, le colonialisme d’implantation est également soutenu par des mécanismes contemporains permanents tels que les politiques d’exclusion en matière d’immigration, de conditions de citoyenneté et de normes culturelles coloniales qui agissent pour reproduire et réaffirmer l’occupation continue par la société

Communautés d’artistes qui se rassemblent pour vivre, travailler, collaborer entre eux et commenter le travail des uns et des autres dans une atmosphère de liberté créatrice. Elles sont particulièrement populaires au dix-neuvième siècle et au début du vingtième siècle, en Europe et sur les côtes est et ouest des États-Unis, quand les artistes quittent la ville pour la campagne durant les mois d’été. Quelques colonies d’artistes se sont développées en installations permanentes où le matériel d’artiste est aisément accessible et où l’on propose des cours et de la formation.

Composé organique synthétique apprécié pour la clarté de sa couleur et le fait qu’il conserve l’apparence des textures naturelles. Il sert à colorer le bois, les textiles et le cuir.

Colville est un peintre, muraliste, dessinateur et graveur dont les images fortement figuratives frisent le surréel. Ses tableaux, tout en étant imprégnés d’un certain malaise, dépeignent généralement des scènes de la vie quotidienne en milieu rural au Canada. Comme son processus de travail est méticuleux — la peinture étant appliquée point par point — Colville n’a réalisé que trois ou quatre tableaux ou sérigraphies par année, en carrière. (Voir Alex Colville : sa vie et son œuvre par Ray Cronin.)

Colville est un peintre, muraliste, dessinateur et graveur dont les images fortement figuratives frisent le surréel. Ses tableaux, tout en étant imprégnés d’un certain malaise, dépeignent généralement des scènes de la vie quotidienne en milieu rural au Canada. Comme son processus de travail est méticuleux — la peinture étant appliquée point par point — Colville n’a réalisé que trois ou quatre tableaux ou sérigraphies par année, en carrière. (Voir Alex Colville : sa vie et son œuvre par Ray Cronin.)

Grande figure de l’art canadien du vingtième siècle, Charles Comfort entreprend sa carrière comme graphiste. Il commence à peindre dans la vingtaine et devient membre de la Société canadienne de peintres en aquarelle (Canadian Society of Painters in Water Colour) ainsi que du Groupe des peintres canadiens (Canadian Group of Painters). Il est directeur de la Galerie nationale du Canada (aujourd’hui le Musée des beaux-arts du Canada) de 1959 à 1965.

Artiste néo-écossais connu comme étant le premier peintre professionnel né dans la province, Comingo a principalement peint sur commande des portraits et des paysages dans un style néoclassique. Enseignant de dessin et de peinture, Comingo a vécu et travaillé dans diverses villes de la Nouvelle-Écosse et du Nouveau-Brunswick, dont Fredericton, Saint John et Halifax.

La Commission de vérité et réconciliation (CVR) du Canada est créée en 2008 avec pour mission de documenter et de mettre en lumière les abus du système des pensionnats autochtones au Canada. Dissoute en 2015, la CRV a publié un rapport en six volumes à la suite de son enquête de plusieurs années, ainsi que quatre-vingt-quatorze appels à l’action pour remédier à cet héritage néfaste.

Le Commodity Sculpture désigne les œuvres d’art, prenant souvent la forme d’installations sculpturales, réalisées au moyen de l’utilisation, de l’assemblage ou de la manipulation d’objets fabriqués commercialement et issus de la production de masse.

Louis Comtois est un peintre abstrait né à Montréal, dont l’œuvre, souvent des panneaux rectangulaires de différentes tailles et couleurs juxtaposés, montre l’influence du style hard-edge et des Plasticiens, un groupe d’artistes montréalais actifs dans les années 1950. Comtois quitte Montréal pour s’établir à New York en 1972, passant de l’acrylique à l’huile, et à l’encaustique dans les années 1980, ajoutant à sa principale préoccupation, la couleur, des expérimentations de texture et de traitement de surface.

Artiste québécois associé à l’abstraction d’après-guerre et au mouvement des Plasticiens, qui privilégiait la clarté formelle et l’ordre plutôt que l’expression abstraite. Travaillant principalement dans les domaines de la peinture et de la sculpture, Comtois a exploré la géométrie, la matérialité et les procédés industriels. Il est surtout connu pour avoir été chargé de réaliser une fresque murale pour le pavillon de l’administration et de l’information à l’Expo 67 de Montréal et pour avoir représenté le Canada à la Biennale de Venise en 1968.

En 1945, le premier Grand Prix de peinture de la province de Québec inaugure les Concours artistiques de la province de Québec, qui seront organisés presque chaque année jusqu’en 1970. Ces Concours donnent lieu à une exposition annuelle au Musée de la province (aujourd’hui le Musée national des beaux-arts du Québec). Selon les règlements, les œuvres qui remportent les premiers prix du jury (en peinture, en sculpture et en arts décoratifs) sont achetées pour la collection du musée.

Née à Hamilton, établie à Toronto, Condé fait équipe avec son partenaire artistique Karl Beveridge depuis la fin des années 1960. D’abord associés au mouvement de l’art conceptuel, Condé et Beveridge commencent dans les années 1970 à traiter de questions sociopolitiques dans leur travail. En collaboration avec des syndicats et des organisations communautaires, les deux artistes créent des séries photographiques mises en scène qui explorent la relation entre le travail rémunéré et les enjeux environnementaux, les droits de l’homme et le clivage des classes sociales.

Conférence organisée par le peintre André Biéler en 1941, à Kingston, en Ontario, à laquelle assistent environ 150 artistes en arts visuels et écrivains, entre autres parties prenantes dans le monde des arts au Canada. Parmi les participants, mentionnons Lawren Harris, Elizabeth Wyn Wood, Arthur Lismer, Alma Duncan, F. R. Scott, Miller Brittain, Walter Abell, A. Y. Jackson et le peintre américain Thomas Hart Benton. Suivant la recommandation de Biéler de créer une fédération nationale des artistes, et par suite d’autres propositions émises lors de la conférence, la Fédération des artistes canadiens est fondée, le magazine des arts visuels Canadian Art est lancé et, en 1957, on assiste à la création du Conseil des arts du Canada.

Né à Kingston, en Ontario, Connolly s’enrôle dans l’Aviation royale canadienne en 1950 au sein de laquelle il cumule plus de 4 000 heures de vol en tant que navigateur. Après avoir quitté l’armée de l’air, il travaille comme artiste professionnel pendant plus de vingt ans et joue un rôle de premier plan dans la formation de la Canadian Aviation Artists Association.

Le Conseil canadien de gravure et de dessin a été fondé en 1916 par William Walker Alexander et d’autres membres de la Toronto Arts Students' League. Le conseil est connu pour favoriser le procédé de la taille-douce et pour croire fermement que l’artiste doit s’impliquer dans toutes les étapes de la production d’une estampe. Il organise des expositions annuelles à partir de 1919.

Le Conseil consultatif des beaux-arts a été nommé en 1907 pour administrer les subventions accordées au Musée des beaux-arts du Canada (MBAC) et pour conseiller le ministre des Travaux publics (qui supervisait le MBAC à l’époque) sur l’achat ou la dépense de toute œuvre d’art, y compris les monuments à Ottawa et ailleurs au Canada.

Société d’État créée en 1957 par la Loi sur le Conseil des arts du Canada pour stimuler la production artistique et promouvoir l’étude et l’appréciation des arts au Canada. Le Conseil aide financièrement les artistes et organisations artistiques de toutes disciplines, y compris les arts visuels, la danse, la musique et la littérature.

Constable est considéré aujourd’hui, avec William J. M. Turner, comme un des plus grands peintres britanniques de paysages et de ciels du dix-neuvième siècle. Il peint surtout dans sa région natale du Suffolk et ses environs et exploite une approche picturale plus expressive qu’un grand nombre de ses prédécesseurs et contemporains.

Mouvement artistique qui est fondé en Russie, en 1915, par les artistes Vladimir Tatlin et Alexandre Rodtchenko. Associé au socialisme soviétique, le constructivisme prône une approche matérialiste et utilitariste de l’art, qu’il lie au design, à l’industrie et à l’utilité sociale. Le terme est encore utilisé de nos jours, surtout pour décrire un art abstrait qui emploie la ligne, le plan et d’autres éléments visuels dans la création de représentations géométriques précises et impersonnelles.

Peintre de scènes et de figures de genre reconnu pour son remarquable talent de dessinateur. Son travail se caractérise par des couleurs intenses et des figures gracieuses. Il étudie à l’Institut des Beaux-Arts de Florence, où il a vécu tout au long de sa vie.

Terme italien signifiant « hanchement », utilisé pour décrire la distribution inégale du poids d’un corps humain dans une œuvre d’art. La position de contrapposto est apparue chez les Grecs anciens comme une caractéristique sculpturale pour rendre les figures d’apparence moins rigide et plus naturellement détendue. Dans cette position, le poids du corps repose sur une seule jambe, et le corps opère une torsion qui lui donne la forme d’un « S ».

Portraitiste et peintre de paysage reconnue pour ses représentations de femmes dans des intérieurs. Coonan est la seule membre du Groupe de Beaver Hall à ne pas appartenir à la scène artistique montréalaise établie ou à exposer couramment avec eux. Ses dernières œuvres révèlent une influence impressionniste et moderniste par des arrière-plans simplifiés et une facture expressive priorisée sur une représentation réaliste.

Fils du peintre d’histoire et de genre Charles West Cope, Arthur Cope est un portraitiste et un professeur d’art. Il peint notamment des portraits de personnalités publiques et royales, dont les rois Edouard VII et George V. Cope est nommé membre de la Royal Society of Portrait Painters en 1900, élu à la Royal Academy of Arts en 1910 et fait chevalier en 1917.

Petit coquillage appelé mégis dans la tradition anishinabée. Symbole important dans les légendes anishinabées, le coquillage de porcelaine est considéré comme une source de force et de guérison.

Peintre abstrait, Edward Corbett crée des compositions aux tons bleu pâle, rose bleuté et noirs évoquant des paysages. Dans les années 1940 et 1950, Corbett se consacre à la peinture, aux expositions et à l’enseignement à San Francisco, et il passe ses étés dans les communautés d’artistes de Provincetown, au Massachusetts, et de Taos, au Nouveau-Mexique. En 1952, il participe à l’exposition 15 Americans (15 Américains) au Museum of Modern Art de New York.

Psychanalyste, psychiatre et poète automatiste, Cormier est un pionnier de la psychiatrie médico-légale et de la criminologie clinique au Canada. Il est l’un des signataires du manifeste artistique de 1948, Refus global, qui remet en question les traditions religieuses et idéologiques rigides du Québec d’alors. La contribution de Cormier, un article intitulé « L'œuvre picturale est une expérience », préconise une approche de l’art ouverte à des perspectives multiples et mouvantes, tant de la part de l’artiste que de celle du spectateur.

L’architecte et ingénieur Ernest Cormier poursuit des études d’architecture en Europe et revient à Montréal pour promouvoir l’art moderne dans un cercle d’artistes proche de la revue Le Nigog. Il est l’architecte du nouveau campus de l’Université de Montréal (1924-1943), de la Cour suprême du Canada à Ottawa (1938-1950) et du Grand Séminaire de Québec (1957-1960). Dans les bâtiments qu’il conçoit, sa formation en beaux-arts se mêle avec ses principes modernistes.

Bien qu’il soit connu de nos jours comme peintre paysagiste — parmi les plus influents du dix-neuvième siècle — et comme une figure de premier plan de la collectivité de Barbizon, Corot se fait connaître pour ses tableaux romantiques qu’il expose régulièrement au Salon parisien.

Artiste torontois des années 1950, diplômé du Ontario College of Art (OCA, aujourd’hui l’Université de l’ÉADO). Au milieu des années 1950, William Coryell a participé à une « école d’été de peinture » dirigée par l’artiste Bert Weir à Parry Sound, en Ontario.

Peintre, fresquiste et dessinateur qui explore en profondeur un nombre restreint de sujets et de genres — les forêts, les femmes et les natures mortes — au fil d’une carrière s’échelonnant sur sept décennies. Durant les années 1940, il étudie à Mexico et travaille comme apprenti auprès du célèbre muraliste José Clemente Orozco, une expérience qui a eu une influence marquante sur le style de Cosgrove.

Né à Ottawa, Coughlin travaille comme caricaturiste pendant la Seconde Guerre mondiale alors qu’il est sergent au sein du régiment blindé 4^th Princess Louise Dragoon Guards de l’Armée canadienne. Ses dessins de guerre mettent en scène le personnage d’Herbie dans des parodies qui captent les expériences quotidiennes vécues par les soldats canadiens.

Peintre et professeur influent, reconnu pour son approche conceptuelle de la couleur, sa facture expressive et ses représentations abstraites de la figure humaine. Coughtry expose pour la première fois en 1955, aux côtés de Michael Snow. Il représente le Canada à la Biennale de São Paulo en 1959, et en 1960, à la Biennale de Venise.

La couleur locale décrit la couleur d’un objet tel qu’il apparaît naturellement, à la lumière du jour, sans modification ni distorsion par des reflets ou des ombres. Également connue sous le terme de couleur réaliste ou de couleur perçue par le cerveau. Par exemple, la couleur locale d’une lime est le vert.

Terme qui décrit les significations sacrées attachées à des couleurs spécifiques. La couleur spirituelle est associée au modernisme et apparaît également dans la spiritualité autochtone. Dans la tradition anishnabe, tout dans la création a une couleur qui représente une forme particulière de pouvoir; chaque personne est associée à une couleur spirituelle qui permet de se concentrer, de recevoir des conseils et de vivre une bonne vie.

Quatre couleurs d’encres transparentes – cyan, magenta, jaune et noir – utilisées pour la reproduction de photos ou d’œuvres d’art multicolores en lithographie offset.

Figure marquante de l’art du dix-neuvième siècle, Courbet contribue à lancer le mouvement réaliste par des tableaux comme Un enterrement à Ornans, 1850, et L’atelier du peintre, 1854-1855, parmi les plus célèbres. Son approche inspire également les artistes qui lui succèdent, notamment les impressionnistes, à abandonner les sujets classiques en faveur de ceux découverts dans la vie quotidienne.

Peintre formée à l’Art Institute of Chicago ainsi qu’à l’Ontario College of Art (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO) dont elle est la première élève de sexe féminin. Inspirée par le Groupe des Sept et par Hans Hofmann, Rody Kenny Courtice privilégie le paysage et les scènes agricoles, mais s’essaie également à l’abstraction. Elle est membre de diverses associations, dont l’Académie royale des arts du Canada et de la Fédération des artistes canadiens. Ses œuvres sont présentées lors d’une exposition individuelle au collège Victoria en 1951.

Peintre de style académique, Gustave Courtois est formé à l’École des beaux-arts de Paris et enseigne à l’Académie Colarossi et à l’Académie de la Grande Chaumière. Il tient un atelier avec Pascal Dagnan-Bouveret, un collègue peintre.

Le père dominicain Marie-Alain Couturier est un peintre et verrier français éduqué aux Ateliers d’art sacré, une école créée en 1919 pour encourager la production d’un art sacré moderne et accessible. Critique fervent de l’académisme, Couturier soutient la place des artistes contemporains dans le domaine religieux. De 1940 à 1945, il vit en Amérique du Nord et enseigne à Montréal puis à Baltimore.

En 1941, Cowley-Brown s’enrôle dans l’Aviation royale canadienne et suit une formation de radiotélégraphiste-mitrailleur. Après être tombé malade outre-mer, il est stationné à la base aérienne de Rockcliffe, à Ottawa, de 1942 à 1944, où, entre autres, il réalise des œuvres d’art et noue des relations avec les artistes Edwin Holgate et Charles Goldhamer. Cowley-Brown devient artiste de guerre officiel en mai 1944. Les militaires, l’équipement militaire et les scènes de la vie militaire sur la côte Ouest du Canada constituent ses sujets de prédilection.

Un scénographe et théoricien innovateur, Craig met l’accent sur le mouvement et l’éclairage dans ses conceptions. Il crée des décors de théâtre qui utilisent des éléments mobiles et des formes abstraites, suscitant ainsi une réaction émotionnelle de l’auditoire grâce à l’atmosphère plutôt qu’à la représentation et la vraisemblance. Les écrits de Craig ont influencé le mouvement non-naturaliste du théâtre moderne. 

Originaire d’Alert Bay en Colombie-Britannique, Cranmer apprend à sculpter auprès de l’artiste Naka’pankam (Mungo Martin). En 1959, il commence à travailler avec Bill Reid pour construire le Haida Village (Village haïda), maintenant conservé au Musée d’anthropologie de l’Université de la Colombie-Britannique à Vancouver. Cranmer est surtout connu pour ses sculptures, mais il a aussi créé des tableaux et des estampes.

Fille de l’artiste Sarah, Lady Crease, Josephine Crease est une aquarelliste connue pour ses peintures de paysages de la Colombie-Britannique. Dans la province, elle participe à la fondation de la Island Arts and Crafts Society, dont elle assume la présidence en 1939.

Artiste de Terre-Neuve dont la pratique interdisciplinaire englobe la photographie, l’installation, le son et la performance. Creates est connue pour son engagement de longue date envers des sites précis, en particulier les environnements de la forêt boréale. Son travail met de l’avant des processus attentifs d’observation et d’enregistrement, explorant les relations entre le langage, l’écologie et le lieu.

Peintre d’origine britannique, Cresswell immigre au Canada en 1848. Voyageant beaucoup à travers le pays, il se fait connaître grâce à ses paysages et ses scènes côtières à l’huile et à l’aquarelle.

Danseur, enseignant et chorégraphe qui a fondé la première compagnie de ballet de la province, Les Ballets-Québec, en activité de 1948 à 1951. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Crevier est affecté en Angleterre et, durant ses congés, il étudie auprès de Phyllis Bedells à la Royal Academy of Dance de Londres. Il enseigne à Montréal, à la Shefler School of Dancing, à l’hôtel Berkeley et à son propre studio, où il compte parmi ses étudiantes Aline Legris, Françoise Sullivan et Andrée Millaire.

Professeur d’études visuelles et culturelles à l’Université de Rochester, Douglas Crimp est un critique et un historien de l’art associé à l’émergence du postmodernisme et au monde de l’art new-yorkais des années 1970. Il a beaucoup écrit sur la pratique postmoderne, en tenant compte aussi bien du rôle de l’artiste que de celui du conservateur, et en tâchant de la situer dans un contexte culturel plus vaste. En raison de son exploration des rapports entre la vie homosexuelle, la crise du sida et l’art contemporain à New York, Crimp a fait figure de pionnier des études queer.

Le 5 octobre 1970, des membres du Front de Libération du Québec (FLQ) kidnappent le diplomate britannique James Cross. Le 10 octobre, les felquistes enlèvent et assassinent Pierre Laporte, alors ministre de l’Immigration et ministre du Travail et de la Main-d’œuvre. Le gouvernement fédéral riposte en invoquant la Loi sur les mesures de guerre, qui a suspendu les libertés civiles au Québec résultant en l’arrestation sans mandat de plus de 450 personnes.

Le crochetage est une technique par laquelle on tire des boucles de fil ou de tissu à travers une étoffe rigide et grossière, telle que la toile de jute ou le lin, au moyen d’une aiguille à crochet, afin de créer des tapis. Cette pratique a été développée par les colons de l’est de l’Amérique du Nord au début et au milieu du dix-neuvième siècle.

Professeur, portraitiste et peintre de paysages et d’études de personnages, Cruikshank, d’origine écossaise, immigre au Canada en 1871. Pendant de nombreuses années, il enseigne à l’Ontario College of Art (aujourd’hui l'Université de l’ÉADO). Beaucoup de peintres, qui deviennent des artistes reconnus et influents au pays, ont étudié auprès de Cruikshank, notamment Franklin Carmichael, Frank Johnston, J. E. H. MacDonald et, possiblement, Tom Thomson.

Style de peinture radical conçu par Pablo Picasso et Georges Braque à Paris, entre 1907 et 1914, défini par la représentation simultanée de plusieurs perspectives. Le cubisme est déterminant dans l’histoire de l’art moderne en raison de l’énorme influence qu’il a exercée dans le monde; Juan Gris et Francis Picabia font aussi partie de ses célèbres praticiens.

Le cubisme synthétique fait référence aux expérimentations esthétiques menées par les artistes modernistes Georges Braque, Pablo Picasso et Juan Gris entre les années 1912 et 1914 environ. Considérée comme la phase ultime, plus abstraite, du cubisme, cette étape se distingue par l’incorporation dans la peinture d’éléments de collage, tels que des coupures de journaux et des publicités. Le cubisme synthétique se caractérise également par un accent porté sur l’effet visuel de la planéité de même que sur la fragmentation complète des objets et des formes.

Comme la majorité des peintres canadiens de son temps, Maurice Cullen acquiert sa première formation artistique à Montréal avant de poursuivre ses études à Paris où, de 1889 à 1895, il fréquente l’Académie Julian, l’Académie Colarossi et l’École des beaux-arts. Lui-même marqué par les impressionnistes, ses paysages influencent à leur tour une nouvelle génération de peintres canadiens, y compris le Groupe des Sept. Ses paysages d’hiver et ses scènes de villes enneigées sont considérés comme ses plus grandes réalisations.

Artiste et éducateur pratiquant avec une égale maestria la photographie, la gravure, la peinture et la sculpture. Parmi ses œuvres les plus connues figurent des photos de ses propres constructions et dessins conceptuels, autant de pièces spirituelles qui accumulent plusieurs niveaux d’interprétation et font référence à la science et à l’histoire de l’art. Robert Cumming enseigne dans diverses universités des États-Unis depuis les années 1960.

Illustrateur, peintre et boxeur professionnel, Cueno a étudié avec James McNeill Whistler à Paris (et payé partiellement ses études en enseignant la boxe). Cuneo contribue aux illustrations des nouvelles d’Arthur Conan Doyle, exécute des tableaux commandés pour le Chemin de fer Canadien Pacifique en 1908, et représente des sujets de guerre pendant la Première Guerre mondiale.

Adjectif qualifiant ce qui se rapporte au cuivre ou qui contient du cuivre. En chimie, le mot « cuprique » est souvent associé à « oxyde » et réfère spécifiquement aux substances contenant du cuivre avec une valence de deux.

Sculpteur qui réalise des œuvres en pierre de savon représentant la faune de l’Arctique. Il apprend les techniques de son art dès l’âge de six ans sous la tutelle de Qaqaq Ashoona. Avec son cousin Joe Ashoona, Koomuatuk Sapa Curley représente une nouvelle génération d’artistes travaillant avec les formes et les matériaux traditionnels inuits.

Figure centrale du mouvement Régionaliste de London entre les années 1960 et les années 1990, Curnoe est un peintre, graveur et artiste graphique qui puise son inspiration dans sa propre vie et son environnement du sud-ouest de l’Ontario. La vaste gamme de ses intérêts comprend le surréalisme, Dada, le cubisme et l’œuvre de nombreux artistes, tant historiques que contemporains. (Voir Greg Curnoe : sa vie et son œuvre, par Judith Rodger.)

Illustrateur, peintre et graveur originaire du Kansas, qui réalise des scènes de genre et des paysages inspirés par son Midwest natal. Avec ses homologues Thomas Hart Benton et Grant Wood, Curry incarne le régionalisme américain des années 1930 et 1940.

Curtis est un photographe commercial réputé pour ses portraits d’Autochtones, qu’il publie dans un ouvrage en vingt-deux volumes, L’Indien de l’Amérique du Nord, entre 1907 et 1930. Plus pittoresques que documentaires, ses images montrent souvent des coutumes et des costumes que les cultures représentées ont déjà abandonnés.

Artiste et enseignante féministe influente originaire de Prince Albert, Ruth Cuthand aborde des questions telles que les effets destructeurs de la colonisation et les relations actuelles entre Autochtones et allochtones. Marquée par un équilibre entre colère politique, humour et crudité réfléchie, sa pratique, qui englobe la gravure, la peinture, le dessin et le perlage, explore ces thèmes avec force. Une rétrospective de son travail est en tournée au Canada de 2011 à 2014.

Née dans le Yorkshire et ayant fait ses études à Londres, Gertrude Spurr Cutts expose à la Royal Society of British Artists et à la Society of Women Artists avant d’immigrer au Canada en 1890. Elle devient membre de la Ontario Society of Artists et est active sur la scène artistique torontoise, tenant un atelier et participant à de nombreuses expositions.

Procédé d’impression positive, à base de fer, le cyanotype est inventé par Sir John Herschel en 1842. Le procédé réagit lentement, est très sensible à la lumière et produit des épreuves dont la caractéristique est la teinte bleue de Prusse. Ce sont principalement les artistes qui illustrent des ouvrages botaniques qui adoptent le cyanotype, comme Anna Atkins, l’une des premières femmes photographes et l’autrice du premier livre contenant des illustrations photographiques, Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions (1843).

Mouvement pluridisciplinaire qui émerge en Europe en réponse aux horreurs de la Première Guerre mondiale, et dont les adeptes visent à déconstruire et démolir les valeurs et les institutions sociales traditionnelles. Dans leurs œuvres d’art, souvent des collages et des ready-mades, ils font fi des beaux matériaux et de la maîtrise artistique. Les principaux dadaïstes sont Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Kurt Schwitters et Hans Arp.

Peintre naturaliste français, Pascal Dagnan-Bouveret est connu pour ses peintures bretonnes, notamment de nombreuses représentations de femmes bretonnes en habits traditionnels. Il a tenu un atelier à Paris avec Gustave Courtois.

Parmi les tout premiers procédés photographiques, le daguerréotype est une image riche de détails, formée sur la surface réfléchissante d’une plaque de cuivre recouverte d’argent poli. Le procédé est extrêmement complexe et minutieux, mais ces photographies sont néanmoins extrêmement populaires lors de leur invention par Louis Daguerre en1839, et ce, jusque dans les années 1850.

Sculpteur et artiste d’installation influencé par Joseph Beuys et par l’artiste italien de l’Arte Povera Michelangelo Pistoletto, Dahlem est connu pour ses œuvres de grandes dimensions qui combinent le bois et la lumière pour examiner le cosmos, la philosophie et les concepts de l’espace et de la matière. Il s’intéresse aux conditions fragiles de la connaissance humaine et intègre souvent à ses sculptures des matériaux ordinaires, comme des bouteilles de lait ou des bouteilles de vin, pour réinventer une compréhension du monde et de l’univers.

Brillant designer canadien, Dair est en outre typographe, enseignant et auteur de réputation internationale. Convaincu de l’importance de la typographie dans la communication, il crée Cartier, la première police de caractères canadienne. Il publie en 1952 un ouvrage intitulé Design with Type, qui fera date.

Artiste espagnol et membre influent du mouvement surréaliste, Salvador Dalí est surtout connu pour ses images provocantes, fortement symboliques et oniriques tirées du subconscient, ainsi que pour son attention méticuleuse aux détails. Son œuvre La persistance de la mémoire, 1931, avec ses cadrans d’horloge en fusion et ses montres molles, reste l’une des œuvres d’art les plus parodiées du vingtième siècle.

Dallaire est un peintre et un illustrateur qui s’est fait connaître pour ses œuvres aux couleurs vives mettant en scène des personnages fantastiques. Né à Hull, au Québec, Dallaire travaille à Ottawa avant d’aller étudier à Paris, où il rencontre l’artiste canadien Alfred Pellan, qui s’avère une influence marquante. De 1940 à 1944, il est interné par la Gestapo. De retour au Canada, Dallaire enseigne à l’École des beaux-arts de Québec et est illustrateur à l’Office national du film à Ottawa.

Né en Grande-Bretagne, Frederick Dally est surtout connu pour ses photographies de paysages de la Colombie-Britannique à l’époque de la ruée vers l’or, prises dans les années 1860, dont celles de la route d’accès à la région de Cariboo et de la ville de Barkerville, qui ont été largement reproduites et diffusées. Même s’il est extrêmement respecté pour ces photographies et son travail dans d’autres genres, il vend sa galerie en 1870 et rentre en Angleterre.

D’abord peintre abstrait, Ken Danby a commencé à créer les images réalistes de la vie et des paysages canadiens qui ont fait sa renommée en 1962. Ses matériaux privilégiés sont la tempéra à l’œuf, l’aquarelle, l’huile et l’acrylique. Des peintures mettant en vedette des athlètes illustrent bien le travail de Danby, par exemple At the Crease (Dans la zone de but), 1972, le portrait d’un gardien de hockey anonyme qui défend son filet, que Danby a peint en adoptant un point de vue au niveau de la glace.

Développement de styles de danse du début du vingtième siècle qui se posent comme des alternatives à la décadence et à la rigidité du ballet classique. Le mouvement apparaît principalement en Allemagne et aux États-Unis avec des danseuses comme Mary Wigman, Isadora Duncan et Martha Graham. La danse moderne rejette l’apparence de facilité pour un effet viscéral et un sentiment que le danseur ou la danseuse, exécutant souvent ses mouvements pieds nus, est ancré au sol. La première génération de danseurs modernes a influencé les chorégraphes des années 1940 et 1950, notamment Merce Cunningham et José Limon.

Artiste, sculptrice et éducatrice, Sylvia Daoust est également membre fondatrice du groupe Le Retable, qui rassemble des artistes voués à la promotion et à la modernisation de l’art religieux dans les églises catholiques du Québec. Parmi les œuvres les plus remarquables de Sylvia Daoust figure la statue en bronze du frère Marie-Victorin exposée au Jardin botanique de Montréal et commandée en 1951.

Après une formation en Grande-Bretagne, Darling ouvre un cabinet d’architecture à Toronto, spécialisé dans les églises, les succursales de banques et autres bâtiments publics. Parmi ses projets les plus remarquables, citons le Musée royal de l’Ontario, le Convocation Hall de l’Université de Toronto, le Winnipeg Grain and Produce Exchange et le Walker Court du Musée des beaux-arts de l’Ontario.

Peintre moderniste américain influencé par Paul Cézanne et le cubisme. Dasburg enseigne à Kathleen Munn lorsqu’elle fréquente l’école d’été de l’Art Students League à Woodstock, New York.

Daubigny était un peintre paysagiste naturaliste et l’un des premiers promoteurs en France de la peinture en plein air. Bien qu’étroitement lié à l’école de Barbizon, un groupe d’artistes qui vivaient et peignaient en plein air dans la forêt de Fontainebleau, il se consacrait davantage aux paysages fluviaux qu’aux paysages forestiers. Son intérêt pour la représentation de la lumière et ses reflets font de lui un précurseur de l’impressionnisme. Il a également été un important partisan des peintres impressionnistes tels que Claude Monet et Camille Pissarro.

Critique d’art, écrivain et artiste, Gary Michael Dault a beaucoup écrit sur l’œuvre d’artistes canadiens, y compris des critiques, des catalogues, des guides de galerie et des monographies. À partir des années 1970, il couvre la scène artistique torontoise. Pendant une décennie, il tient notamment la colonne « Gallery Going » publiée dans l’édition du samedi du Globe and Mail. Gault a reçu l’Ordre du Canada en 2018 pour avoir fait découvrir l’art à un vaste public.

Artiste de premier plan dans le contexte politique turbulent du dix-neuvième siècle parisien, Daumier est surtout connu pour ses dessins et ses lithographies satiriques. Ridiculisant de façon virulente la classe politique et la bourgeoisie, ses œuvres lui valent d’être emprisonné pendant six mois en 1832-1833. Daumier contribue également au développement de la sculpture caricaturale.

David est un peintre néoclassique considéré comme prééminent à la fin du dix-huitième siècle. Il est surtout reconnu pour ses peintures d’histoire monumentales, comme Le serment des Horaces, 1784, bien qu’il soit également un portraitiste doué. Figure marquante de la Révolution française de 1789 par son implication politique, David achève une seule peinture à l’huile durant cette période, La mort de Marat, 1793, célèbre toile de la série inachevée des Martyrs de la révolution.

Ayant décidé de devenir artiste à un jeune âge, David passe plusieurs années à étudier l’art nuu-chah-nulth dans les musées, les universités ainsi qu’au sein de sa communauté. Au milieu des années 1970, il travaille avec Bill Reid. Depuis, il crée ses propres sculptures publiques monumentales en plus d’ouvrages sculptés de plus petite taille et d’œuvres sur papier.

Peintre établi à Toronto, qui réalise de vastes toiles d’une grande intensité émotionnelle, employant souvent une palette réduite qui est dominée par le noir et le blanc, évoquant les abstractions de Robert Motherwell et de Helen Frankenthaler.

Jeune frère de l’artiste haïda Robert Davidson (Guud San Glans), Davidson est un célèbre sculpteur qui crée de la joaillerie, des masques, des instruments de musique, des estampes et des sculptures. Il chante et danse également avec le Rainbow Creek Dance Group, qu’il a fondé en 1980 avec son frère, et pour lequel il crée des tenues cérémonielles (regalia).

Célèbre sculpteur de mats totémiques et de masques, peintre, graveur et joaillier, Davidson est connu pour avoir ravivé et perpétué différents aspects de l’expression culturelle et de l’art des Haïdas. En 1969, à l’âge de 22 ans, il sculpte un mât totémique dans sa ville natale de Massett en Colombie-Britannique. Ce mât devient le premier à être érigé à cet endroit en 90 ans. En 2010, il reçoit le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques.

Ayant fait ses débuts comme artiste commerciale, Emma Lu Davis a créé dans les années 1930 des sculptures inspirées des traditions de l’art populaire mondial. Après un voyage en Chine et en Union soviétique, Davis est artiste en résidence au Reed College à Portland, en Oregon, de 1938 à 1941. Elle participe à l’exposition de Dorothy Miller Americans 1942 (Les Américains 1942) au Museum of Modern Art de New York. En 1965, elle obtient un doctorat en archéologie de l’Université de la Californie, à Los Angeles, et devient pionnière de la recherche sur l’histoire des premiers peuples du désert californien.

Artiste né à Washington, étroitement associé à la peinture colour-field de l’expressionnisme abstrait, Davis est surtout connu pour ses peintures à rayures énergiques qui présentent des lignes verticales aux couleurs interchangeables. En 1972, il crée ce qui est à l’époque la plus grande œuvre d’art au monde, en recouvrant de couleurs vives la rue devant le Philadelphia Museum of Art. Il enseigne à la Corcoran School of Art et est conservateur du National Museum of American Art de la Smithsonian Institution.

Un des artistes haïdas les plus célèbres des dix-neuvième et vingtième siècles, Daxhiigang est connu pour la création d’extraordinaires sculptures en argilite et de bracelets en argent. Avec sa femme Isabella Edenshaw, il tresse également des paniers et des chapeaux. Très novatrices, ses œuvres s’inspirent des traditions haïdas tout en répliquant au colonialisme moderne.

Jésuite et linguiste, arrive en Nouvelle-France en 1625. Travaille à la conversion des Montagnais, des Hurons et des Iroquois pour les deux décennies suivantes, apprenant la langue huronne et produisant une grammaire et un dictionnaire du huron. Il est tué par les Iroquois en 1649 et canonisé en 1930.

L’artiste italien Giorgio de Chirico, avec ses peintures métaphysiques de places et de bâtiments en grande partie déserts et projetant de longues ombres sous la lumière vive du soleil, a vivement influencé le développement du surréalisme. Réalisées entre 1909 et 1919, ces scènes oniriques sont révolutionnaires par leur représentation de la façon dont l’esprit perçoit la réalité. Au grand désarroi des surréalistes, de Chirico a ensuite abandonné ses œuvres métaphysiques en faveur de la peinture néoclassique et néobaroque.

Bien qu’il soit un expressionniste abstrait de premier plan, de Kooning ne s’intéresse pas à l’abstraction stricte — des figures apparaissent dans sa facture dense et exubérante qui caractérise la plus grande partie de son travail. Parmi ses œuvres les plus célèbres, celles de la série Femmes sont exposées pour la première fois en 1953 et soulèvent un grand tollé.

Peintre et conférencier, Constant de l’Aubinière se rend en Amérique du Nord en 1882 avec son épouse, Georgina de l’Aubinière. Ils peignent et donnent des conférences à travers les États-Unis et le Canada. En 1887, le couple est mandaté pour créer quatorze tableaux pour le jubilé d’or de la reine Victoria.

Peintre travaillant principalement à l’aquarelle, Georgina de l’Aubinière est la fille de l’artiste John Steeple. Elle étudie en Angleterre et en France et expose régulièrement à la Royal Academy of Arts à Londres. Elle voyage en Amérique du Nord avec son mari, l’artiste Constant de l’Aubinière. Le couple y peint des paysages, notamment de la Colombie-Britannique, exploite un studio d’art et donne des conférences à des artistes comme Josephine Crease.

Peintre de style Art déco spécialisée dans les portraits des personnalités gravitant dans son cercle mondain et artistique. L’œuvre de Tamara de Lempicka est renommée pour ses lignes nettes, son élégance et ses thèmes décadents. De Lempicka — qui émigre de Russie pour s’établir à Paris puis aux États-Unis — est aussi célèbre pour son élégance, pour les fêtes qu’elle organise et pour ses relations amoureuses peu conventionnelles.

De Staël est reconnu pour un grand nombre de paysages abstraits qui font un usage intensif de blocs de couleurs, de teintes intenses et d’empâtements épais. Ses nombreuses manières d’appliquer la matière créent des œuvres très visuelles qui dépeignent les forces naturelles et le mouvement. En 1919, la famille de Staël fuit la Révolution russe et s’installe en Pologne. Nicolas de Staël étudie ensuite à l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles, où il est influencé par le cubisme et le postimpressionnisme.

Courant artistique hollandais fondé en 1917 par les abstractionnistes Piet Mondrian, Theo van Doesburg et Bart van der Leck. Se traduisant « Le Style », De Stijl est à l’origine une publication dans laquelle Mondrian élabore le néoplasticisme, un langage visuel restreint qui repose sur les couleurs primaires et les formes géométriques simples incarnant un spiritisme dérivé de la théosophie. Après la Première Guerre mondiale, entre abstraction et construction, De Stijl se fait créateur d'utopie en art. De Stijl a fortement influencé l’architecture moderne internationale.

Peintre, photographe et entomologiste, de Tonnancour est inspiré par la nature et les paysages brésiliens, sans compter que ses scènes paysagistes et à figures sont influencées par le Groupe des Sept, ainsi que par les peintres Goodridge Roberts et Pablo Picasso. En tant que membre du groupe éphémère Prisme d’Yeux (1948-1949), de Tonnancour s’oppose aux Automatistes. En 1982, il cesse de peindre et commence à étudier les insectes. Il est décoré de l’Ordre du Canada en 1979 et de l’Ordre national du Québec en 1993.

Patriarche de la Haute Renaissance italienne, Léonard de Vinci est l’auteur de La Joconde. Ses peintures, sculptures et motifs d’ornementation et d’architecture transforment la conception de l’art en Occident tandis que ses écrits influencent les notions de représentation et d'expression artistiques idéales tout au long de l’ère moderne.

Peintre né à Paris, Maurice de Vlaminck est l’un des fondateurs du fauvisme, avec André Derain et Henri Matisse, au tout début des années 1900. La peinture fauve raffole des couleurs intenses et non naturelles dans la représentation de paysages et de vues urbaines d’une grande expressivité. De Vlaminck a particulièrement critiqué la proéminence d’autres mouvements artistiques modernistes qui prévalaient en Europe à l’époque, notamment le cubisme de Pablo Picasso.

Artiste multidisciplinaire né à Leeds, au Royaume-Uni, Dean compose une œuvre qui comprend des performances, des autoportraits photographiques complexes et des installations tirant parti de la robotique et de l’électronique. As Yet Untitled (Sans titre pour l’instant), 1992-1995, une de ses installations bien connues dans laquelle un bras robotisé déchiquette des photographies, fait partie de la collection permanente du Musée des beaux-arts de l’Ontario.

Artiste établi à Toronto, Dean développe une pratique centrée sur l’interaction entre le quotidien et le mythologique. Après avoir terminé ses études à Montréal à la fin des années 1960, Dean cofonde, en 1972, le centre d’artistes autogéré d’avant-garde Véhicule Art. Il s’installe à Toronto en 1976 et devient célèbre pour sa sculpture monumentale The Floating Staircase (L’escalier flottant), 1978-1981, bercée par les eaux du port de Toronto pendant deux ans. Dean représente le Canada à la Biennale de Venise en 1999.

Peintre associé à la deuxième génération d’artistes de l’école de Woodland, Debassige a développé un style graphique visant à explorer les liens entre, d’une part, la cosmologie et les enseignements anishinaabeg, et d’autre part, les préoccupations sociales et environnementales contemporaines.

Mouvement littéraire et artistique européen de la fin du dix-neuvième siècle, dont l’œuvre représentative est À rebours (1884) de Joris-Karl Huysmans. Caractérisé par la névrose, la désespérance et le mystère, le décadentisme est en matière d’esthétique influencé par les symbolistes et rejette le naturalisme.

Développée au dix-huitième siècle, la décalcomanie est une technique de transfert dans laquelle de l’encre ou un autre pigment est pressé entre deux surfaces — souvent du verre, de la porcelaine, du papier ou une combinaison des deux. Lorsque le papier est utilisé, il peut être plié pour créer une image miroir. La tache résultante peut alors être embellie ou ornementée d’une autre manière. La décalcomanie a été adoptée par les surréalistes et les Automatistes comme moyen d’introduire un élément de hasard dans la fabrication d’une image.

Forme d’art inventée et traditionnellement pratiquée par les peuples autochtones de l’Amérique du Nord, ce moyen d’expression exploite les piquants de porc-épic pour orner et embellir des objets et des textiles. Les piquants sont souvent teints ou peints avant d’être brodés et cousus sur des objets tels que des vêtements, des sacs ou des outils.

DeForest est un paysagiste canadien surtout connu pour ses peintures à l’huile détaillées figurant les paysages montagneux de l’Alberta et de la Colombie-Britannique. DeForest est né au Nouveau-Brunswick et a reçu une formation à la South Kensington School of Art à Londres et à l’Académie Julian à Paris. Il a beaucoup voyagé et peint en Europe et en Australasie. DeForest a été l’un des leaders de la scène artistique de Vancouver à ses balbutiements, où il a été le premier conservateur du Musée de Vancouver et a fait partie des comités exécutifs de la Arts, Historical & Scientific Association, de la British Columbia Society of Fine Arts, de la Arts & Crafts Association, du Vancouver Studio Club, de la Vancouver Photographic Society et de la Royal Agricultural and Industrial Society Exhibition à New Westminster.

Peintre, sculpteur, graveur et dessinateur, adepte distant du mouvement impressionniste, qui en ignore souvent les principes : Degas ne s’intéresse pas au mouvement des effets atmosphériques et peint rarement en plein air. Ses sujets préférés comprennent le ballet, le théâtre, les cafés et les femmes à leur toilette.

Peintre romantique français célèbre, Delacroix est un coloriste dont la palette riche et sensuelle influencera les impressionnistes et les postimpressionnistes. S’inscrivant dans la tradition romantique, Delacroix dépeint des sujets marocains exotiques, des scènes historiques dramatiques et des événements de son temps. Ses coups de pinceau endiablés servent bien la tragédie et le rendu de l’émotion. Parmi ses tableaux les plus connus, figure La Liberté guidant le peuple, 1830.

Poète québécois dont le vrai nom est François-Guillaume Lahaise, Guy Delahaye s’inspire de la poésie d’Émile Nelligan, qu’il découvre à l’adolescence pendant une période de convalescence. On l’associe à la naissance de la littérature moderne au Québec, ses poèmes rejetant les sujets pastoraux de ses prédécesseurs. Il essuie de virulentes critiques suivant la publication de ses premiers poèmes qui sont condamnés pour les dites prétentions de leur auteur « décadent ». Si Delahaye cesse ses activités littéraires publiques, il continue néanmoins à écrire des poèmes.

Travaillant le plâtre et le bronze, Delahaye crée des sculptures figuratives grossièrement modelées. Actif dans les années 1950 et au début des années 1960, Delahaye expose principalement en France et en Allemagne, notamment à l’exposition documenta 2 à Kassel. Au cours des années 1960, il délaisse l’art au profit de l’enseignement et, de 1975 à 1993, il est professeur à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Avec Rosaline Granet et Turriddu Clementi, Delahaye lance la Fonderie Berjac à Meudon en 1959.

Le premier peintre vraiment abstrait de France. Son intérêt pour la théorie de la couleur — notamment l’interaction des couleurs et leur rapport à la musique et au mouvement — se manifeste dans presque toutes ses œuvres. Baptisé orphisme par Guillaume Apollinaire, son style influence de nombreux artistes et mouvements artistiques, dont l’expressionnisme allemand, le futurisme et le synchromisme.

Peintre et dessinatrice en tissu, Sonia Delaunay épouse Robert Delaunay, avec qui elle élabore l’orphisme. Chef de file de l’industrie de la mode durant les années 1920, elle retourne à la peinture après l’effondrement de son entreprise de design durant la Dépression. Dans les années 1930, elle est associée au groupe Abstraction-Création.

Directrice et conservatrice muséale influente qui, après un premier mandat, de 1971 à 1978, au Institute for Contemporary Art de Philadelphie, en Pennsylvanie, a été sollicitée partout aux États-Unis. Spécialiste de l’art contemporain américain, elle organise des expositions phares et prépare des publications d’envergure sur des artistes tels qu’Agnes Martin, Cy Twombly et Paul Theck.

Philosophe de la différence, Gilles Deleuze soutient que la philosophie est une activité de création et fixe souvent son regard sur des questions d’art et de littérature. Avec Felix Guattari, il entreprend une critique de la psychanalyse qui propose une vue positive du désir et une théorisation d’un inconscient collectif et politique et non pas individuel et familial. Également historien de la philosophie, il choisit comme sujet des philosophes négligés par la tradition rationaliste, dont Hume, Nietzche, Bergson et Spinoza.

Sculpteur et artiste conceptuel préoccupé par les problèmes soulevés par le modernisme du vingtième siècle, y compris l’autoréférentialité, la forme et le contenu, et le matériau. Son travail est régulièrement exposé partout au Canada. Il est professeur à l’Université NSCAD à Halifax.

Artiste interdisciplinaire et activiste winnipegoise, Dempsey est reconnue pour sa collaboration avec Lorri Millan. Leurs performances, vidéos et installations explorent les thèmes du genre, de la sexualité et de la culture queer. À travers des œuvres telles que Lesbian National Parks and Services (Parcs nationaux et services lesbiens), 1997-2015, elles déroutent les normes sociales et interrogent la complexité des identités, faisant appel à l’humour et à la satire pour susciter une réflexion critique et impulser un changement social.

Aquarelliste et peintre à l’huile, Demuth est l’un des principaux contributeurs du précisionnisme, un mouvement qui a intégré des influences cubistes, telles que les plans géométriques aux traits acérés et les couleurs vives, au paysage américain. Demuth a représenté de manière privée les sous-cultures gays de Paris et de New York.

Peintre, graveur, décorateur et théoricien influent dont les idées ont contribué à l’essor de l’esthétique antinaturaliste du modernisme. Denis est l’un des membres fondateurs des Nabis, un groupe d’artistes avant-gardistes actifs à Paris de 1888 à 1900. Il est également bien connu pour ses œuvres ultérieures ouvertement religieuses.

Peinture sur panneau (v. 1440) du grand artiste néerlandais Rogier van der Weyden, conservée au Musée du Prado à Madrid. Considérée comme un exemple de sa spiritualité et de son remarquable raffinement, c’est l’une des représentations les plus influentes d’une Déposition de croix de cette école.

Formé en 1911, collectif d’artistes d'intérêts et de styles disparates — notamment Wassily Kandinsky, Paul Klee, August Macke et Franz Marc —, et considéré comme représentant le sommet de l’expressionnisme allemand. Le groupe présente seulement deux expositions avant d’être démantelé au début de la Première Guerre mondiale.

Peintre, sculpteur, graveur et concepteur de décors de théâtre, Derain a cofondé le mouvement fauviste, en activité d’environ 1905 à 1908. Il est reconnu pour ses peintures aux caractéristiques expressives typiques du fauvisme, notamment l’utilisation de couleurs vibrantes et non réalistes (parfois directement sorties du tube de peinture), la simplification des formes et les parties de toile brute laissées visibles dans l’œuvre achevée. L’intérêt de Derain pour les masques tribaux africains a probablement influencé Pablo Picasso et Georges Braque. Ses œuvres ultérieures reviennent à un style plus conservateur, néoclassique.

Représentation visuelle détaillée du corps humain (ou animal) à des fins médicales et scientifiques ou pour la formation artistique. Axé sur la structure interne et l’organisation du corps, le dessin anatomique permet à l’artiste de comprendre le fonctionnement des muscles, du squelette et d’autres systèmes corporels afin de mieux réaliser des œuvres figuratives réalistes.

Les dessins botaniques sont une forme d’interprétation de la vie végétale qui mise sur la précision soigneuse dans l’enregistrement visuel et l’identification des différentes espèces. Ces dessins présentent généralement les caractéristiques spécifiques des plantes, les processus de germination et souvent, des dissections.

Première couche de peinture sur le substrat, qui détermine les valeurs de saturation des couleurs à venir. En règle générale, le dessous est presque entièrement, voire totalement, couvert par des couches subséquentes de peinture.

Peintre très influencé par l’artiste symboliste Gustave Moreau au début de sa carrière. Dans ses œuvres plus tardives, Desvallières représente des scènes de la vie quotidienne, pour enfin se consacrer à la peinture de sujets religieux. En 1919, il fonde les Ateliers d’art sacré avec Maurice Denis.

Artiste d’installations en techniques mixtes, vidéaste, sculptrice et commissaire, Devine est acclamée pour ses explorations des traditions ojibwa dans une critique des héritages coloniaux. Devine tire parti des textiles, des contes et du tissage pour soulever des questions complexes liées à la terre, aux traités et aux contacts entre les colons et les Autochtones. Elle est professeure agrégée à l’Université de l’ÉADO de Toronto, où elle a fondé le programme Indigenous Visual Culture.

Artiste, professeur et auteur de London (Ontario), actif dans l’essor de la scène artistique locale au milieu du siècle. L’un des premiers Canadiens à peindre des toiles abstraites, il est aussi un spécialiste de l’art autochtone et le cofondateur du premier programme d’art thérapie en milieu psychiatrique du pays.

Professeur, philosophe et universitaire, Dewey s’intéresse aux questions sociales et est associé à la psychologie fonctionnelle ainsi qu’au mouvement philosophique reconnu comme le pragmatisme, dont il élabore la théorie instrumentaliste, aussi appelée expérimentalisme. Convaincu que l’éducation est à la base de la réforme sociale et politique, Dewey donne des conférences sur l’importance de la réforme en éducation et plaide en faveur de l’apprentissage expérientiel dans les années 1920. Avec d’autres figures intellectuelles, Dewey contribue à la création de la New School for Social Research en 1919.

Critique d’art et imprésario réputé, fondateur, en 1909, des Ballets russes, une compagnie novatrice qui contribue considérablement à l’émergence des arts de la scène en réunissant des artistes de toutes les disciplines, dont beaucoup sont devenues des icônes de l’art du vingtième siècle.

Artiste, chercheuse et pédagogue, Diamond est reconnue pour son travail en arts médiatiques et numériques, ainsi que pour ses vidéos et installations interactives. Sa pratique artistique explore l’intersection entre culture, médias numériques et narration afin de réfléchir à l’impact des technologies sur la société. Ancienne présidente de l’Université de l’ÉADO, elle a été la seule rectrice ouvertement lesbienne d’une université ou d’un collège au Canada jusqu’en 2019.

Inventée en 1848 par les frères William et Frederick Langenheim, la diapositive sur verre est une photographie positive produite sur un support en verre qui peut être visionnée à l’aide d’une « lanterne magique », un dispositif antérieur au projecteur de diapositives.

Peintre paysagiste qui, à partir du début des années 1830, s'est lié d'amitié avec des artistes avec lesquels il allait plus tard être désigné comme peintres de Barbizon. Comme la plupart de ces artistes, il a beaucoup travaillé dans la forêt de Fontainebleau, où il passait souvent ses étés. Il entretenait une relation particulièrement étroite avec Théodore Rousseau, lui aussi un peintre de Barbizon. Les paysages de Diaz de la Peña ont tendance à être plus texturés et marqué par des effets d’éclairage plus dramatiques que les panoramas généralement méditatifs de ses collègues.

Artiste néerlandais connu pour sa pratique de la photographie conceptuelle, Dibbets s’intéresse aux formes géométriques ainsi qu’aux paysages et aux océans. Il suit une formation de professeur d’art à l’Académie de Tilburg et il étudie la peinture avant de s’orienter vers la photographie couleur. On retrouve ses œuvres dans les collections publiques d’institutions telles que le Museum of Modern Art, le Guggenheim Museum et la Tate Gallery.

Né à Alert Bay en Colombie-Britannique, Dick suit dans sa jeunesse une formation d’apprenti auprès de l’artiste Tony Hunt Sr et travaille avec Bill Reid. Il est connu comme artiste spécialisé dans les masques et il est également un danseur très respecté qui se produit dans de nombreuses cérémonies.

Peintre précisionniste américain, Dickinson se spécialise dans la représentation de sujets industriels et de paysages urbains rendus par des formes géométriques créées par couches successives. Dickinson suit les cours de William Merritt Chase à New York. Parmi ses influences, on relève les cubistes parisiens, Paul Cézanne, le futurisme et les estampes japonaises.

Né à Chicago et éduqué au sein d’écoles prestigieuses aux États-Unis et en France, Dickinson voyage au Mexique en 1934, et y reste ensuite pour la plus grande partie de sa vie. Devenu directeur de la Escuela Universitaria de Bellas Artes à San Miguel de Allende, il a contribué à l’établissement de la ville comme noyau de la vie artistique américaine expatriée.

Groupe d’artistes et d’architectes expressionnistes allemands qui se sont montrés critiques envers l’ordre social dominant et les sensibilités de la classe moyenne. Formé à Dresde en 1905 et actif jusqu’en 1913, le groupe initial était composé d’Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel et Fritz Bleyl. Die Brücke embrasse un mode de vie communautaire et un style artistique audacieux avec des formes simples et des couleurs très contrastantes.

Richard Diebenkorn est né à Portland, en Oregon, puis a établi sa carrière en Californie. Au début de sa carrière, Diebenkorn produit des œuvres abstraites influencées par Henri Matisse, dans lesquelles il aborde le paysage sous une perspective aérienne qu’il développe durant sa maîtrise en beaux-arts à l’Université du Nouveau-Mexique, à Albuquerque. Diebenkorn assoit sa réputation grâce à une série de toiles figuratives peintes entre 1956 et 1966, avant de revenir à l’abstraction. Chacune des œuvres de Diebenkorn donnent à voir les traces du processus pictural qui sont laissées visibles.

Artiste conceptuel, Dion est surtout connu pour combiner la science et l’art dans ses installations. Il utilise souvent les cabinets de curiosité et les méthodes taxonomiques pour examiner la façon dont les institutions publiques et les idéologies dominantes façonnent la compréhension humaine de l’histoire, du savoir et du monde naturel. Dion a réalisé plusieurs commandes importantes et a reçu de nombreuses récompenses, dont le Lucelia Art Award du Smithsonian American Art Museum en 2008.

On doit à ce graveur et peintre expressionniste une galerie de portraits satiriques féroces, voire grotesques, des protagonistes de la république de Weimar. Pionnier de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité), Dix a pour thèmes principaux la guerre, la prostitution et la dépravation.

Artiste contemporaine reconnue établie à Regina, Ayla Dmyterko crée des œuvres qui combinent images en mouvement, sculpture et installation. Explorant le patriarcat, le colonialisme et le capitalisme, sa pratique est façonnée par son expérience au sein de la diaspora ukrainienne. Elle étudie à l’Université de Regina puis à la Glasgow School of Art, et présente aujourd’hui son travail à l’international.

Né à Barrington, en Nouvelle-Écosse, Thomas Coffin Doane (souvent connu sous le nom de T. C. Doane, et à ne pas confondre avec le politicien néo-écossais Thomas Coffin) apprend le procédé photographique du daguerréotype à Halifax auprès de l’artiste William Valentine. Dans les années 1840 à 1860, il devient photographe à succès à Montréal. Il est surtout reconnu pour ses portraits d’éminentes personnalités canadiennes, notamment Lord Elgin et Louis-Joseph Papineau.

Documenta est l’une des manifestations internationales les plus anciennes et les plus importantes en matière d’art moderne et contemporain. Elle est créée en 1955 à Kassel, en Allemagne, dans le but premier de réintégrer ce pays à la scène artistique internationale après la Seconde Guerre mondiale. L’exposition a lieu à Kassel tous les cinq ans.

Né à Édimbourg, Doig passe son enfance et sa jeunesse au Canada, puis s’installe à Trinidad. Ses tableaux se vendent aujourd’hui à des prix élevés. S’inspirant du modernisme et de la culture populaire, il accentue les couleurs et le traitement pour évoquer des paysages étranges, souvent dotés d’une présence humaine et d’une ambiance fantastique et inquiétante. Il voyage abondamment, peint toujours en atelier et crée fréquemment des séries.

Peintre surréaliste, Domínguez s’installe à Paris à l’âge de vingt et un ans et s’engage dans le mouvement surréaliste dirigé par André Breton. Dans les années 1930, il a commencé à utiliser la technique de la décalcomanie pour créer des œuvres et il a initié son collègue surréaliste Max Ernst à cette méthode de création artistique. Le style de Domínguez témoigne de l’influence des œuvres cubistes de Pablo Picasso tandis que des taureaux figurent fréquemment dans ses peintures.

Une des galeries commerciales principales au Canada, la Dominion Gallery of Fine Art de Montréal a été fondée en 1941 par Rose Millman. La galerie est ensuite achetée en 1947 par Max Stern, qui est devenu son directeur et principal promoteur pendant les quarante années suivantes. La galerie fait la promotion des artistes canadiens contemporains, tant les artistes établis que les artistes émergents, et elle est la première au Canada à offrir un revenu annuel garanti aux artistes qu’elle représente. La galerie ferme en décembre 2000, pour rouvrir en 2005.

Dona reçoit sa formation à Jérusalem avant de s’installer à New York, où elle étudie sous la tutelle de Keith Haring à la School of Visual Arts. Ses peintures aux couleurs vives chevauchent la frontière entre l’abstraction et la figuration, entre le geste et la géométrie rigide. Des formes inspirées du graffiti occupent une place importante dans ses toiles.

Graphiste né en Ontario, Donoahue suit sa formation à l’Ontario College of Art de Toronto. Influencé par son mentor et professeur, Allan Fleming, il le rejoint au sein de la société de graphisme Cooper & Beatty à Toronto. Par la suite, Donoahue occupe des postes dans les grandes firmes de création torontoises. Sa conception du mot-symbole « Canada », adopté par le gouvernement du Canada en 1980, est sa réalisation la plus connue.

Artiste multimédia qui s’intéresse à l’art électronique, au film, à la peinture et à la gravure, la Montréalaise Capal Doray s’installe à Vancouver à la fin des années 1950. Membre active de l’espace artistique multidisciplinaire de la New Design Gallery et enseignante à la Vancouver School of Art, elle contribue à transformer la scène artistique de la ville durant la période d’après-guerre. Son mari est l’artiste Victor Doray.

Doré a expérimenté divers moyens d’expression, dont la peinture et la sculpture, mais il était surtout connu comme caricaturiste populaire, illustrateur et graveur. Il a réalisé un grand nombre de gravures sur bois pour de multiples publications, notamment des œuvres littéraires d’auteurs tels que Dante Alighieri, John Milton, Cervantes, Lord Byron, Edgar Allan Poe et Alfred, Lord Tennyson. Doté d’une grande virtuosité technique, Doré produit des illustrations et des estampes souvent fantaisistes, portées sur l’excès, et explorant le sublime.

Peintre portraitiste et paysagiste connu pour l’empâtement épais, presque sculptural, de ses surfaces. Son exposition You Are Here: Kim Dorland and the Return to Painting (Vous êtes ici : Kim Dorland et le retour de la peinture), présentée en 2013-2014 à la Collection McMichael d’art canadien à Kleinburg, en Ontario, réunit une cinquantaine de ses tableaux accompagnés d’œuvres de Tom Thomson, de David Milne et d’Emily Carr.

Service de commercialisation en gros de la West Baffin Eskimo Co-operative (maintenant connue sous le nom d’Ateliers Kinngait) fondé à Toronto en 1978. Dorset Fine Arts distribue des sculptures, des estampes et des dessins inuits sur les marchés internationaux.

L’artiste vancouvérois Stan Douglas est reconnu à l’échelle internationale depuis les années 1980 pour sa pratique diversifiée basée sur l’image, qui explore les moments de transformation sociale par la création d'histoires spéculatives. Douglas représente le Canada à la Biennale de Venise de 2022.

Moderniste américain important et un des premiers artistes des États-Unis à créer des œuvres entièrement non représentationnelles. On remarque, parmi ses sources d’inspiration, les peintres français d’avant-garde Henri Matisse et Paul Cézanne, ainsi que le cubisme et le futurisme. Sa première exposition individuelle a lieu à la 291 Gallery d’Alfred Stieglitz à New York.

Peintre, photographe et graveur américain, Arthur Wesley Dow est profondément inspiré par les gravures sur bois japonaises, dont il reprend les compositions minimalistes, les aplats de couleurs douces et les techniques de recadrage non conventionnelles dans son propre travail. Établi principalement à New York, il a enseigné au Pratt Institute, à la Art Students League of New York et au Teachers College de l’Université Columbia. En 1891, il fonde la Ipswich Summer School of Art dans sa ville natale d’Ipswich, au Massachusetts.

Galerie ouverte vers 1878 par le marchand d’art Charles William Dowdeswell à Londres, en Angleterre. La Dowdeswell Gallery a soutenu les artistes anglais de 1878 jusqu’au début des années 1920, exposant leurs peintures et publiant leurs estampes. Parmi les artistes promus par la galerie se trouvaient James McNeill Whistler, Myles Birket Foster et Byam Shaw.

Peintre, collectionneuse, mécène et — après sa découverte de l’avant-garde européenne à l’Armory Show en 1913 —, fervente partisane de l’art moderne en Amérique. Pour défendre sa cause, Dreier cofonde la Société Anonyme avec Marcel Duchamp et Man Ray en 1920.

Poète et peintre qui étudie en 1951 à l’École des beaux-arts de Québec sous Jean Paul Lemieux, dont l’influence est perceptible dans le style figuratif de ses premiers tableaux. À partir des années 1970, Drouin se tourne vers l’abstraction. La découverte de la poésie surréaliste marque autant son écriture que sa production visuelle, plus sensuelle que le travail des plasticiens qui évoluent à Montréal à la même époque. En 1992, elle est nommée à l’Académie royale des arts du Canada.

Prêtre et historien qui entre dans la Compagnie de Jésus en 1614. Il est l’auteur des Gistoriae Canadensis, une histoire illustrée du Canada que Du Creux tire de ses contacts avec les missionnaires de la Nouvelle-France, incluant Jean de Brébeuf et Paul Le Jeune.

Même s’il fréquente une école des beaux-arts à Paris dans les années 1920, Jean Dubuffet n’entreprend sa carrière d’artiste que dans les années 1940. À la recherche d’une expérience authentique et immédiate de l’art, il rejette l’esthétique traditionnelle, lui préférant ce qui va devenir l’art brut. Puisant dans les expériences de créations artistiques et les approches des enfants et des personnes atteintes de maladie mentale, Dubuffet favorise un style d’expression naturelle, d’abord par l’empâtement qu’il utilise dans ses tableaux, puis dans la musique et les installations.

Sculpteur et le frère de l’artiste Marcel Duchamp, il est l’un des premiers à promouvoir les cubistes et il joue un rôle déterminant pour ce groupe d’artistes en tant que membre du jury au Salon d’Automne. Duchamp-Villon commence à créer des sculptures cubistes en 1910, puis il s’oriente graduellement vers le style plus énergique et mécanistique visible dans sa dernière œuvre, Le cheval, 1914. 

Parmi les artistes penseurs les plus importants du vingtième siècle, Duchamp influence l’art conceptuel, le pop art et le minimalisme. Mieux connu pour son extraordinaire tableau, Nu descendant un escalier, n^o 2, 1912, il est également renommé pour ses œuvres ready-mades, dont Fontaine, 1917, son célèbre urinoir, et L.H.O.O.Q., 1919, l’œuvre par laquelle il « profane » La Joconde, pièce célébrissime de Léonard de Vinci, peinte en 1503.

Anthropologue formé à l’Université de la Colombie-Britannique et à l’Université de Washington, Duff est conservateur en anthropologie au British Columbia Provincial Museum (aujourd’hui le Musée royal de la Colombie-Britannique) et à ses archives à Victoria de 1950 à 1965. Tout en occupant ce poste, il s’implique dans des projets de conservation de mâts totémiques.

Rodolphe Duguay était un peintre de paysage qui a aussi pratiqué la gravure sur bois. Il a étudié en France pendant sept ans avant de retourner au Québec en 1927. Il a vécu en marge du milieu artistique de son temps. Peintre catholique et rural, il n’a pas pris part aux débats entourant la nouvelle esthétique moderniste à Montréal, pas plus qu’il n’a suivi les ordres de l’église.

Critique d’art, historien et collectionneur à qui l’on doit des écrits notables sur des artistes québécois tels qu’Alfred Pellan, Benoît East, Jean Paul Lemieux, Claude Picher, Paul André et Jean Dallaire. Dumas est également médecin et s’intéresse au rôle de l’art dans l’histoire de la médecine.

Peintre, graveur et éducateur, Dumouchel explore diverses tendances en carrière, dont le surréalisme, et explore tout à la fois les langages abstrait et figuratif de l’art. Son corpus reflète l’évolution de l’art moderne au Québec; en 1948, il est notamment cosignataire du manifeste de Prisme d’Yeux tout comme le peintre Alfred Pellan.

Peintre, graphiste et cinéaste, Duncan explore la figuration et l’abstraction au cours d’une carrière prolifique qui traverse le vingtième siècle. Employée du service de graphisme de l’Office national du film du Canada dans les années 1940, elle rencontre sa partenaire Audrey McLaren, avec qui elle fonde la société cinématographique expérimentale Dunclaren Productions. Au cours de la Seconde Guerre mondiale, elle documente la production industrielle associée à l’effort de guerre à Montréal. 

L’un des premiers chantres de l’art canadien, Douglas Duncan est relieur, marchand d’art et collectionneur. Il fonde et dirige la Picture Loan Society, première galerie canadienne à stimuler l’achat d’œuvres d’art en les proposant d’abord en location.

Peintre, lithographe et professeur de dessin, James Duncan naît à Coleraine et immigre au Bas-Canada en 1825. Il est surtout reconnu pour ses nombreuses vues de Montréal, réalisées soit à l’huile, à la gouache ou à l’aquarelle. Il s’impose comme le principal chroniqueur de la ville au milieu du dix-neuvième siècle.

Peintre abstrait dont la pratique remonte aux années 1970 à New York, et dont les premières œuvres évoquent ses prédécesseurs modernistes comme Arshile Gorky et André Masson. Ses peintures plus récentes emploient souvent des formes inspirées de la bande dessinée et des couleurs criardes, et reflètent son intérêt pour la matière organique.

Peintre de paysage et de scènes marines, associé à la collectivité de Barbizon, bien qu’il ait rarement pris pour sujet la forêt de Fontainebleau. Jeune artiste, Dupré a été influencé par le travail du peintre paysagiste romantique anglais John Constable. Tout au long de sa carrière, il s’est moins intéressé, à la différence de la plupart de ses collègues de Barbizon, à explorer les effets changeants de la lumière qu’à transformer le paysage en déclarations visuelles émotionnellement évocatrices. 

Graveur, peintre et théoricien allemand actif pendant la Renaissance, Dürer est surtout connu pour ses gravures sur bois complexes, qui ont élevé la technique au statut de forme d’art respectée au même titre que la sculpture et la peinture. Figure de proue de la Renaissance du Nord, Dürer voyage en Italie et joue un rôle important dans les échanges de connaissances artistiques entre le nord et le sud de l’Europe. Il est célèbre pour ses gravures et peintures religieuses, pour ses portraits et autoportraits accomplis, de même que pour ses traités sur la perspective et les proportions humaines.

Sculpteur, poète et activiste impliqué dans le mouvement amérindien des années 1970, Durham est reconnu pour sa façon de combiner des matériaux naturels et des objets trouvés pour défier les représentations occidentales des peuples autochtones d’Amérique du Nord. Bien que Durham s’identifie comme Cherokee, en 2017, ses revendications en tant que telles ont été rejetées par d’importants groupes, artistes et conservateurs Cherokee.

La Dutch Gallery a été ouverte en 1892 en tant que succursale à Londres, en Angleterre, du concessionnaire d’art E. J. van Wisselingh & Co. établi à Amsterdam. Poursuivant ses activités jusqu’à la Première Guerre mondiale, la galerie exposait plus particulièrement des paysages et des scènes de genre de Barbizon et de La Haye. La Dutch Gallery a été rebaptisée la E. J. van Wisselingh Gallery en 1906.

Né à Crest, en France, Edmond Dyonnet émigre avec sa famille au Canada en 1875. Après des études à Turin et à Naples, il s’établit à Montréal où il mène sa carrière d’artiste. Il devient professeur au Conseil des arts et manufactures de Montréal et il est secrétaire de l’Académie royale des arts du Canada de 1910 à 1949.

Artiste d’origine irlandaise, Eagar s’est d’abord installé à St. John’s, Terre-Neuve-et-Labrador, avant de s’établir à Halifax en 1834, où il travaille comme professeur d’art et propose des cours de peinture et de dessin. On lui doit surtout des lithographies paysagistes de la Nouvelle-Écosse et du Nouveau-Brunswick, qui sont aujourd’hui considérées comme des témoignages importants des débuts de l’histoire de ces provinces.

Peintre, sculpteur et photographe réputé pour ses portraits psychologiques souvent peu flatteurs. Eakins connaît le succès à titre posthume — peu admiré de son vivant, il est célébré dans les années 1930 comme l’un des plus grands artistes américains de son époque.

Peintre et graveur influencé par l’avant-garde française, notamment Georges Braque et Henri Matisse. Il est bien connu pour avoir créé, avec Marius Plamondon, un vitrail de 60 pieds pour l’hôtel Queen Elizabeth de Montréal. East enseigne la lithographie et la gravure à l’École des beaux-arts de Québec.

Le mari de l’artiste canadienne Mary Bell Eastlake, Charles Herbert Eastlake, est un peintre britannique. Après une formation en Europe, il s’établit à Londres et passe du temps avec les peintres de plein air de St. Ives à Cornwall, où il rencontre son épouse.

Peintre, joaillière et aquarelliste, Mary Bell naît en Ontario et étudie plus tard à New York avec William Merritt Chase à l’Académie Colarossi à Paris. De 1893 à 1939 environ, elle vit en Angleterre où, avec son mari, elle conçoit et produit des bijoux. Mary Bell Eastlake expose avec plusieurs associations au Canada et obtient une exposition individuelle à la Art Gallery of Toronto (aujourd’hui le Musée des beaux-arts de l’Ontario) en 1927.

Artiste, topographe et officier de l’armée, Eastman reçoit sa formation à la West Point Military Academy. Alors qu’il est cantonné au Minnesota, Eastman entreprend de réaliser des représentations des Premières Nations, et en 1847, il reçoit une commande en vue d’illustrer une étude monumentale intitulée Indian Tribes of the United States pour le Congrès américain.

Photographe et photojournaliste née en Angleterre, Rosemary Gilliat Eaton est reconnue pour ses images documentaires des années 1950 et 1960. Gilliat travaille principalement comme pigiste et son travail est présenté dans de grandes publications telles que Canadian Geographic et Maclean’s. Elle réalise un certain nombre de missions pour des agences gouvernementales, notamment le ministère des Affaires indiennes, aujourd’hui Relations Couronne-Autochtones et Affaires du Nord Canada, et le service de la photographie de l’Office national du film du Canada.

Paysagiste, peintre de genre, portraitiste et illustrateur, Eaton est né dans les Cantons de l’Est du Québec, mais s’installe à New York en 1867 avant de passer quatre ans à travailler et étudier à Londres et à Paris de 1872 à 1876. Après son premier voyage en France, il s’est inspiré du travail de Jean-François Millet et d’autres artistes de Barbizon. Eaton a enseigné à l’école d’art Cooper Union à New York et a été membre fondateur de la Society of Canadian Artists (SCA), ainsi que de l’American Art Association et de la Society of American Artists.

L’eau-forte est un procédé d’impression qui suit les mêmes principes que la gravure sur bois, mais qui nécessite de l’acide au lieu d’un burin pour inciser la matrice. Elle requiert une plaque de cuivre qui est revêtue d’une résine cireuse résistante dans laquelle l’artiste trace une image à l’aide d’une aiguille. La plaque est ensuite immergée dans un bain d’acide [l’eau-forte], incisant les lignes gravées et laissant le reste de la plaque intacte.

Procédé de gravure par lequel l’artiste grave des lignes ou des textures sur une plaque de métal enduite d’une substance cireuse appelée fond. La plaque est ensuite immergée dans l’acide et recouverte d’encre, pour permettre de créer des estampes du motif qui y a été gravé. Inventée au milieu du dix-huitième siècle, la technique de l’eau-forte au vernis mou produit des estampes caractérisées par leurs lignes douces et une texture granuleuse proche de celle des dessins.

Fondé en 1965 par l’Américain Paul Twitchell, ce mouvement religieux est inspiré du yoga surat shabd. Les disciples d’Eckankar adoptent différentes pratiques qui facilitent la transcendance de l’esprit en permettant une connexion avec la Lumière et le Son de Dieu. Eckankar signifie « collaborateur de Dieu ».

Artiste et professeur d’arts né à Calgary, Christian Eckart réalise des œuvres souvent monochromes en s’appuyant sur une approche conceptuelle ou de métapeinture pour examiner le contexte qui entoure une œuvre d’art, ainsi que ce qui est inclus et exclu dans le cadre d’une image. Il est nommé à l’Académie royale des arts du Canada en 2009.

Groupe de peintres paysagistes canadiens du début du vingtième siècle, composé notamment de Franklin Carmichael, A. Y. Jackson, Frank Johnston, Arthur Lismer, J. E. H. MacDonald, Tom Thomson et F. H. Varley. La plupart, qui forment par la suite le Groupe des Sept, se réunissent régulièrement et souhaitent développer une forme d’art distincte, inspirée de la nature sauvage canadienne.

Groupe de peintres américains de New York — principalement George Bellows, William Glackens, Robert Henri, Edward Hopper, George Luks, Everett Shinn et John French Sloan — actif de 1908 jusqu’à la Première Guerre mondiale, passionnés par la représentation de scènes de la vie urbaine quotidienne, notamment la vie dans les quartiers pauvres et les populations marginalisées.

Fondé en Allemagne en 1923, l’Institut de recherche sociale de Francfort est considéré comme la première institution occidentale consacrée aux concepts de démocratie sociale dérivés des théories du philosophe Karl Marx et du sociologue Max Weber. Les théoriciens associés à l’école, notamment Theodor Adorno, Herbert Marcuse et Walter Benjamin, ont analysé les systèmes sociaux et économiques à travers la lunette marxiste. Cette approche est communément connue sous le nom de « théorie critique ».

Groupe de peintres réalistes hollandais actifs à La Haye, sur la côte nord-ouest des Pays-Bas, des années 1860 à 1890 environ. Ils sont influencés par l’école française de Barbizon, qui réagit aussi contre la nature idéalisée de l'art académique. La peinture de l’école de La Haye se distingue par ses tons sombres utilisés pour représenter des scènes de la vie quotidiennes des pêcheurs, des agriculteurs, mais aussi des moulins à vent et des paysages marins. Cette école est à l’origine de la création du groupe des impressionnistes d’Amsterdam, et inclut Jozef Israëls et Jacob Maris.

Groupe de peintres d’avant-garde, établi à New York dans les années 1940 et 1950, et dont les activités permettront à cette ville de remplacer Paris comme capitale mondiale de l’art moderne. Surtout expressionnistes abstraits, les principaux artistes de l’école de New York sont Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell et Mark Rothko.

Désigne le réseau informel d’artistes français et internationaux qui vivent et travaillent à Paris entre 1900 et 1940 environ, époque où la ville est une des capitales mondiales de l’expérimentation artistique. Parmi les protagonistes de l’école de Paris, on compte Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall et Amedeo Modigliani.

Pont-Aven est une commune de Bretagne, célèbre à la fin du dix-neuvième siècle en vertu de son charme pittoresque et de ses logements abordables. De nombreux artistes, dont Paul Gauguin, Claude Monet et le Canadien Paul Peel séjournent à Pont-Aven, où une foule de styles sont pratiqués, de l’académisme à l’impressionnisme. Sous l’influence de Gauguin, certains artistes adoptent le nom de synthétistes, du fait qu’ils emploient des éléments non réalistes, des couleurs pures et des images aplaties.

À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Norval Morrisseau est le chef de file de cette école dont l’approche artistique repose notamment sur la fusion de l’imagerie et des symboles ojibwe traditionnels avec les approches du modernisme et du pop art, de même que sur la fusion des motifs de style rayons X avec des couleurs audacieuses et des lignes courbes interconnectées. Parmi les autres artistes importants associés à l’école de Woodland figurent Alex Janvier, Daphne Odjig et Carl Ray.

L’École des beaux-arts de Montréal est fondée en 1922, la même année que son institution sœur, l’École des beaux-arts de Québec. Le curriculum qu’elle présente met d’abord l’accent sur les arts industriels, les métiers et le dessin de publicité, mais l’École s’impose ensuite comme un important centre de formation pour les peintres et sculpteurs, entre autres artistes, menant à ce qu’on a qualifié d’« âge d’or » de l’institution, à la fin des années 1950 et au début des années 1960. En 1969, elle est intégrée au département des beaux-arts de l’Université du Québec à Montréal.

Institution majeure dans la France du dix-neuvième siècle, l’École des beaux-arts est née de l’Académie royale de peinture et de sculpture, créée par Louis XIV en 1648. Cette académie est supprimée pendant la Révolution française, mais renaît en tant qu’Institut national en 1795 et est remplacée par l’École en 1819, à sa fondation, laquelle devient ainsi la nouvelle école nationale d’art. Elle repose sur un système d’ateliers au sein desquels les étudiants travaillent auprès de différents maîtres, apprenant à dessiner dans la tradition académique et participant à des concours réguliers.

Fondée en 1922, l’École des beaux-arts de Québec devient un centre important pour l’étude des arts appliqués et des beaux-arts, y compris l’architecture, le dessin, la gravure, la tapisserie, le design et l’histoire de l’art. Parmi ses plus illustres diplômés, mentionnons Maximilien Boucher, Raoul Hunter et Alfred Pellan. En 1970, l’École est intégrée à l’Université Laval.

En 1930, l’artiste Jean-Marie Gauvreau fonde l’École du meuble, qui enseigne les arts techniques, mais aussi le dessin, la peinture, le design, l’histoire de l’art, la sculpture et même le droit. Plusieurs artistes que l’on associe à l’avant-garde québécoise, dont Paul-Émile Borduas, Marcel Barbeau, Maurice Perron et d’autres signataires du manifeste Refus global, y étudient ou y enseignent.

Bâtiment de six étages de la rue Sainte-Catherine à Montréal, le Belgo accueille depuis les années 1980 de nombreuses galeries d’art ainsi que des ateliers d’artistes et des studios de danse. Construit à l’origine en 1912 pour abriter un grand magasin, le bâtiment est l’hôte de la plus grande concentration de galeries d’art contemporain au Canada.

Peintre paysagiste, Edson a vécu et étudié en Angleterre, en Écosse et en France à divers moments de sa vie, mais autrement, il a exercé sa carrière à Montréal et dans les Cantons de l’Est, au Québec. Son intérêt précoce pour les détails soutenus a été enrichi par son sens riche et sophistiqué de la couleur et par ses expériences poétiques de représentation de la lumière. Edson est l’un des membres fondateurs de la Society of Canadian Artists (1867). Sa mort à l'âge de quarante et un ans a interrompu l’une des carrières artistiques les plus accomplies en son temps, au Canada.

Considéré comme un grand maître de l’art populaire, Collins Eisenhauer est surtout connu pour ses sculptures d’oiseaux, d’animaux et de figures humaines. Il est né dans le comté de Lunenburg, en Nouvelle-Écosse, et se lance dans la pratique artistique à sa retraite en 1964. Ce n’est toutefois qu’au début des années 1970 que ses œuvres commencent à susciter l’intérêt du public. On retrouve ses œuvres dans les collections du Musée des beaux-arts de la Nouvelle-Écosse et du Musée canadien de l’histoire.

Né à Riga en Lettonie (qui fait à l’époque partie de l’empire russe), Sergei Eisenstein est un cinéaste soviétique influent. Il développe l’idée du montage – l’insertion d’images indépendantes de l’action principale du film pour provoquer un impact psychologique – et rédige des ouvrages théoriques décrivant la place essentielle de la technique dans sa compréhension du cinéma. Travaillant en URSS et au Mexique, Eisenstein réalise des films en utilisant l’histoire récente (Le Cuirassé Potemkine, 1925) et des épopées médiévales (Alexander Nevsky, 1938) pour représenter des problèmes sociaux, adhérant à un idéal bolchevique du collectivisme et à des principes formalistes qui le placent souvent en porte-à-faux avec le gouvernement de Staline.

Peintre, sculpteur et architecte, El Greco est considéré comme le premier maître de l’école espagnole. Né Doménikos Theotokópoulos sur l’île de Crète, El Greco s’installe à Tolède, en Espagne, en 1576, où il réalise des commandes majeures tout au long de sa carrière, y compris El Espolio (Le Christ dépouillé de sa tunique), 1577-1579, une œuvre réalisée pour un maître-autel, et L’enterrement du Comte d’Orgaz, 1586-1588.

Cinéaste d’avant-garde, critique, philosophe et professeur, Elder devient célèbre en 1980 avec son cycle de films, The Book of All the Dead, 1975-1994, qui compte parmi les projets les plus ambitieux de l’histoire du cinéma expérimental. Très estimé, son livre, Image and Identity: Reflections on Canadian Film and Culture, est une référence dans les programmes d’études canadiennes.

Photographe actif à Saint-Jean et à Québec, George William Ellisson (ou Ellison) a réalisé des portraits de personnages importants comme Sir John A. Macdonald et a documenté les paysages et l’architecture de la région. Ses populaires stéréographies ont permis au public du dix-neuvième siècle de vivre une expérience immersive de la ville de Québec.

Larry Emerson est un artiste, un érudit, un activiste autochtone et un éducateur. Ses recherches académiques portent sur les méthodologies de décolonisation ainsi que sur les traditions et philosophies diné. Dans les années 1980 et au début des années 1990, Emerson participe à plusieurs expositions nord-américaines importantes sur l’art autochtone contemporain, aux côtés d’artistes tels que Carl Beam, Robert Houle et Gerald McMaster.

Programme d’été annuel de deux semaines, créé en 1955 par les artistes canadiens Arthur McKay (1926-2000) et Kenneth Lochhead (1926-2006), et dont le mandat est de mettre les artistes de la Saskatchewan en contact avec le monde de l’art. Pour ce faire, des théoricien·nes, des critiques et des artistes sont invité·es à animer des ateliers dans le lieu isolé d’Emma Lake, dans le nord de la Saskatchewan. Au fil des ans, des personnalités influentes y ont participé à titre d’animateurs, notamment Clement Greenberg, Barnett Newman et Will Barnet.

Action d’appliquer la peinture de manière si épaisse qu’elle produit un effet de relief et garde les traces du pinceau ou du couteau à palette. 

L’émulsion photographique est une préparation sensible à la lumière utilisée dans la production de cliché sur pellicule. Composée de cristaux d’halogénure d’argent en suspension dans de la gélatine, l’émulsion est appliquée sur un support (généralement une plaque de verre, un film ou du papier), le préparant pour l’étape du développement photo.

Forme de peinture réalisée au moyen de cire d’abeille fondue, dans laquelle sont délayés des pigments. La peinture à l’encaustique remonte à la Grèce antique; les exemples les plus anciens qui subsistent sont les portraits funéraires du Fayoum produits en Égypte entre les premier et troisième siècles de notre ère chrétienne. Cette technique connaît un renouveau au vingtième siècle sous l’impulsion d’artistes tels Jasper Johns et Tony Sherman.

Sculpteur inuit du Nord du Québec, Ennutsiak se fait d’abord connaître pour ses scènes de la vie de tous les jours; il aborde des sujets inhabituels tels que des scènes d’accouchement et des groupes de gens lisant la Bible.

Procédé le plus employé pendant plus d’un siècle pour créer des images en noir et blanc, l’épreuve à la gélatine argentique remplace progressivement, dès les années 1890, l’épreuve à l’albumine. Composée d’un support de papier, d’une couche de baryte, puis d’un liant de gélatine (contenant les sels d’argent) et d’une fine surcouche de gélatine durcie qui protège la surface d’impression, l’épreuve à la gélatine argentique est stable et facile à fabriquer, ce qui contribue à son succès. La surface lisse caractéristique de l’image est également appréciée par les photographes néophytes et de profession.

Procédé photographique par lequel les couleurs sont imprimées séparément, puis superposées et combinées pour créer une image finale aux couleurs saturées. Une première version de ce procédé présentée par Technicolor apparaît à la fin des années 1920; les matériaux de transfert de colorant sont fabriqués par la Eastman Kodak Company, qui améliore et commercialise le procédé en 1946. Dans les années d’après-guerre, il est largement employé dans la photographie commerciale et la publicité.

La Equinox Gallery est située à East Vancouver et a été fondée en 1972 par Elizabeth Nichol. On y présente de l’art contemporain et de la photographie. Proposant dix expositions chaque année, la galerie représente un mélange d’artistes chevronnés et émergents ainsi que des successions d’artistes. Sa vocation est de promouvoir l’œuvre d’artistes du Canada pour les aider à se faire reconnaître à l’échelle internationale.

Premier architecte canadien à remporter une médaille d’or du American Institute of Architects (1986), Erickson mène à bien de nombreux projets au Canada et à l’étranger. Son bureau de Vancouver lance des projets résidentiels modernistes qui renouvellent l’esthétique architecturale de la ville dans les années 1950. Sa carrière ultérieure se distingue par ses contributions à l’Expo 67 (Montréal) et à l’Expo 70 (Japon) ainsi que par des structures permanentes tels le Roy Thomson Hall de Toronto et le premier campus de l’Université Simon Fraser. 

Ernst est un artiste prolifique ainsi qu’un membre fondateur de Dada et du surréalisme. Il a exploré une variété de moyens d’expression, dont la peinture, la sculpture, le collage et la gravure, et inventé les techniques artistiques expérimentales du frottage, du grattage et de la décalcomanie. Critique de ce qu'il considérait comme l'irrationalité du monde moderne, Ernst a largement fondé sa démarche créative sur l'intérêt des surréalistes pour le rêve et le subconscient.

Sur une image, l’espace pictural vide entre les sujets et autour d’eux. Les artistes utilisent parfois l’espace négatif pour créer des formes significatives dans une œuvre.

Dessin ou peinture sommaire, souvent réalisée en préparation d’une image plus aboutie.

Processus de création artistique fondé sur le transfert d’encre d’une surface à une autre par impression, l’estampe consiste généralement à dessiner, sculpter ou graver une image sur une plaque, un bloc de pierre, de bois ou de métal, à couvrir cette surface d’encre et à imprimer ensuite cette image sur du papier, une toile ou une autre surface. Cette méthode permet de faire des copies d’une même image. La lithographie, la gravure sur bois, la sérigraphie et l’intaille sont des procédés courants d’estampes.

Peintre photoréaliste dont les images sont souvent construites à partir de plus d’une image de source photographique, présentant ainsi une « réalité » qui n’a jamais existé ou qui ne pourrait jamais être perçue à l’oeil nu. Son sujet privilégié est l’environnement construit, en particulier celui de la ville de New York.

Esthétique associée à l’architecture et au design modernistes des années 1920 et 1930 qui préconise le fonctionnalisme et les formes simplifiées qui révèlent le fonctionnement interne de la machine. Cette esthétique est apparue à la suite des grandes transformations culturelles de l’ère du machinisme, avec notamment la nouvelle fabrication en série. Le mouvement du Bauhaus et le futurisme italien sont les principaux mouvements à développer les caractéristiques majeures de l’esthétique de la machine.

Peintre, illustrateur, dessinateur et cinéaste, Etrog est surtout connu comme sculpteur. Il crée des œuvres abstraites de dimensions variées qui évoquent la forme humaine. L’une de ses nombreuses commandes est la statuette de bronze, appelée l’Etrog de 1968 à 1980, remise comme prix d’excellence aux cinéastes canadiens et, par la suite, appelée Génie. Ses œuvres font partie d’importantes collections publiques et privées au Canada, aux États-Unis et en Europe. (Voir Sorel Etrog : sa vie et son œuvre par Alma Mikulinsky.)

Artiste des États-Unis, Evans est la première directrice – et la première femme à ce titre – de la Victoria School of Art and Design (aujourd’hui l’Université NSCAD) de 1895 à 1898. Diplômée de l’école d’art industriel du Philadelphia Museum of Art et de l’Académie Colarossi à Paris, elle est surtout connue pour ses aquarelles et ses natures mortes.

Né à St. Louis, au Missouri, Walker Evans s’est fait connaître pour ses photographies de la Grande Dépression, documentant la population ouvrière ainsi que l’architecture du sud-est des États-Unis. Il a collaboré avec l’écrivain James Agee sur le livre devenu un classique Let Us Now Praise Famous Men (1941). Il a été photographe attitré au magazine Fortune pendant vingt ans, puis professeur à l’Université Yale.

Artiste, éducateur et activiste établi à Montréal, Evergon (né Albert Jay Lunt) est également connu sous les noms de ses alter-egos, Celluloso Evergoni, Eve R. Gonzales et Egon Brut. Ses contributions à la photographie prennent la forme de photocollages, de photocopies couleur et d’expérimentations avec le cyanotype, le Polaroïd et l’hologramme. Evergon est renommé pour ses tableaux soigneusement mis en scène, ses autoportraits saisissants et son exploration soutenue de la sexualité homosexuelle, de la masculinité et des constructions sociales du genre.

Peintre américaine qui s’installe à Winnipeg en 1907. Ewart est formée à l’Académie des beaux-arts de Pennsylvanie et par John Singer Sargent et James McNeill Whistler. Elle défend ardemment la création de la Winnipeg Art Gallery et de la Winnipeg School of Art, avançant des arguments sociaux et esthétiques. Ewart a été présidente de la Western Art Association.

Né à Montréal et ensuite installé à London, Ontario, Ewen participe aux mouvements des Automatistes, des Plasticiens et des régionalistes de London, bien qu’il ne s’identifie jamais entièrement à un mouvement en particulier. Ses œuvres de maturité expérimentent des combinaisons de couleurs et de textures, peintes sur des surfaces de contreplaqué gravées. Ses tableaux évoquent des paysages et des éléments de la nature exprimés par une gestuelle abstraite et géométrique. (Voir Paterson Ewen : sa vie et son œuvre par John G. Hatch.)

Un ex-libris est une gravure personnalisée collée à l’intérieur des livres d’un collectionneur comme marque d’appartenance. Le terme provient de la phrase latine ex libris meis, qui signifie « faisant partie de mes livres ».

Destiné à un dieu ou à un saint, un ex-voto est une offrande faite pour qu’un vœu soit exaucé ou en guise de reconnaissance pour quelque chose qui nous a été accordé. Beaucoup de choses peuvent servir d’ex-voto : images, versets imprimés de la Bible, figurines, crucifix ou autres objets religieux, même des effets personnels tels que des vêtements, des bijoux ou des jouets.

Cette exposition, connue comme la Southern Dominions Exhibition [exposition des dominions du sud], et intitulée au complet comme Exhibition of Contemporary Canadian Painting: Arranged on Behalf of the Carnegie Corporation of New York for Circulation in the Southern Dominions of the British Empire (Exposition de peinture canadienne contemporaine : exposition organisée au nom de la Carnegie Corporation of New York pour une tournée dans les dominions du sud de l’Empire britannique), est présentée pour la première fois à l’Empire Exhibition (exposition de l’Empire) de 1936 à Johannesburg, en Afrique du Sud. De septembre 1936 à avril 1939, elle est en tournée dans les principales villes d’Afrique du Sud, d’Australie et de Nouvelle-Zélande ainsi qu’à Hawaï.

L'Exhibition of Paintings, Drawings, and Sculpture by Artists of the British Empire Overseas (Exposition de peintures, dessins et sculptures des artistes de l’Empire britannique outre-mer ou « exposition du couronnement ») est présentée aux Royal Institute Galleries de Londres dans le cadre des fêtes du couronnement du roi George VI et de la reine Elizabeth, le 12 mai 1937. Les œuvres canadiennes sont ensuite montrées en tournée dans plusieurs galeries régionales anglaises jusqu’en avril 1938.

Mouvement culturel du milieu du vingtième siècle qui se manifeste dans la littérature, le cinéma et la philosophie. Associé aux philosophes Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Albert Camus et Maurice Merleau-Ponty, l’existentialisme affirme que l’existence humaine est par essence inexplicable et vaine, et que les êtres humains sont des acteurs libres et indépendants.

Une qualité d’inhabituel ou d’inconnu, l’« exotisme » est employé pour commenter les œuvres d’art et les attitudes qu’elles suscitent en mettant l’accent sur leur altérité. Souvent, l’exotisme suggère la valorisation de la différence culturelle plutôt que la volonté de comprendre comment cette culture complexe façonne la société.

Foire internationale de 1967, qui a lieu à Montréal, pour célébrer le centenaire de la Confédération canadienne. Avec ses 62 nations participantes et sa fréquentation de plus de 50 millions de personnes, l’Expo 67 renforce la réputation de Montréal comme ville internationale et lieu d’innovation au Canada.

Cinquante-cinq pays participent à cette foire internationale qui a lieu à Vancouver pour célébrer son centenaire. Fréquentée par plus de 22 millions de personnes, Expo 86 est aujourd’hui reconnue pour son rôle dans la croissance et l’essor de Vancouver, et son émergence comme ville internationale.

Technique photographique consistant à superposer deux ou plusieurs images, créées sur le même négatif ou combinées à partir de plusieurs négatifs, en une seule photographie, permettant ainsi de faire apparaître plusieurs moments, personnages ou points de vue dans le même cadre.

Foire annuelle qui se tient à Toronto, fondée sous le titre de Exposition industrielle de Toronto en 1879. L’ENC produit des expositions et des catalogues d’art chaque année jusqu’en 1961, sauf durant et tout de suite après la Seconde Guerre mondiale.

Une exposition universelle est une foire internationale, généralement thématique, organisée par un pays hôte, qui rassemble et présente les réalisations nationales dans des domaines tels que l’industrialisation, l’agriculture, les exportations et l’art. Reconnues comme des « World’s Fair » en anglais, ces expositions publiques sont popularisées au dix-neuvième siècle et ont une grande influence sur le tourisme, l’art et le design, ainsi que sur les relations internationales.

Foire mondiale, appelée également la Grande Exposition de Londres, dont le but est de présenter les plus récents progrès dans les domaines de la technologie, de l’industrie et des arts, provenant de 36 pays. Ses immeubles couvrent vingt-et-un acres dans Kensington-Sud où le Musée d’histoire naturelle et le Musée des sciences s’élèvent aujourd’hui.

La deuxième exposition universelle de Paris, qui se déroule sous Napoléon III, au Champ-de-Mars. Bien que largement consacrée à l’industrie, elle comprend des expositions de beaux-arts; les œuvres de Paul Cézanne, Claude Monet, Gustave Courbet et d’autres peintres aujourd’hui considérés comme les plus importants de cette époque, sont exclues, puisque le comité de sélection les a rejetées.

L’expressionnisme est un style d’art intense et émotionnel qui valorise la représentation des idées et des sentiments subjectifs de l’artiste. L’expressionnisme allemand en est une déclinaison et voit le jour au début du vingtième siècle en Allemagne et en Autriche. En peinture, l’expressionnisme est associé à l’usage de couleurs puissantes et à des coups de pinceau non naturalistes.

Mouvement pictural qui connaît un essor à New York dans les années 1940 et 1950, l’expressionnisme abstrait se définit par la combinaison de l’abstraction formelle et de l’expression du subconscient. Le terme décrit une grande variété d’œuvres. Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Newman et Willem de Kooning comptent parmi les figures les plus célèbres de l’expressionnisme abstrait.

Mouvement moderniste englobant toutes les disciplines artistiques dont l’origine remonte à 1905, lorsque Die Brücke (le Pont), un groupe de peintres de Dresde, rompt avec la culture académique et bourgeoise en se proclamant un « pont » vers l’avenir. Un autre groupe audacieux marque l’expressionnisme allemand, soit Der Blaue Reiter (le Cavalier bleu), créé en 1911, qui se concentre sur l’aspect spirituel de l’art. Parmi les principaux peintres expressionnistes, mentionnons Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc et Egon Schiele.

L’extractivisme est un processus consistant à extraire les ressources naturelles de la terre et à les vendre sur le marché mondial. Associées à l’expansion coloniale, au capitalisme et au néolibéralisme, les pratiques extractivistes sont souvent rattachées à l’exploitation et contribuent à la dégradation de l’environnement.

Artiste, auteur, commissaire et professeur de peinture à l’Université du Manitoba. Depuis 1981, Eyland crée principalement des dessins et des peintures aux dimensions de fiches signalétiques. Une installation permanente de plus de mille de ses petites peintures a été inaugurée à la Millennium Library de Winnipeg en 2005.

Peintre, sculpteur et dessinateur abondamment loué, Eyre est un artiste prolifique dont l'œuvre est généreusement collectionnée. Sa pertinence réside tout autant dans son enseignement : professeur de peinture et de dessin à l’Université du Manitoba pendant plus de trente ans, il a travaillé de près avec plusieurs générations d’artistes au pays. Il est surtout connu pour ses paysages majestueux des Prairies.

Figure majeure de la sculpture au Canada, Joe Fafard naît dans la communauté rurale francophone de Sainte-Marthe, en Saskatchewan. Son œuvre s’inspire de la vie dans la province, notamment des animaux de la ferme ainsi que des portraits de ses proches. Il enseigne au campus de Regina de l’Université de la Saskatchewan, où des collègues l’encouragent à travailler l’argile. Fafard se tourne ensuite vers le bronze et l’acier, réalisant de nombreuses œuvres d’art public.

Figure de proue de la scène artistique de Vancouver depuis les années 1960, Falk produit des œuvres surréalistes et oniriques qui transforment les articles du quotidien en objets merveilleux. À travers sa pratique multidisciplinaire en sculpture céramique, en peinture, en installations et en art performance, elle aborde ses sujets de prédilection tels les fruits, les chaussures, les vêtements, les trottoirs, l’eau et les ciels. Bien que distinctement personnelle, son œuvre s’inscrit dans la lignée de l’art funk, de Fluxus, du surréalisme et du pop art, et est largement reconnue au Canada et à l’étranger. (Voir Gathie Falk : sa vie et son œuvre de Michelle Jacques.)

Peintre et illustrateur dont l’approche trahit l’influence des régionalistes américains du milieu du vingtième siècle. Formé à l’École des beaux-arts de Montréal, Faucher enseigne les beaux-arts dans les écoles de la commission scolaire catholique de la ville.

Peintre montréalais ayant participé aux premières expositions automatistes dans les années 1940, Fauteux s’associe au groupe d’avant-garde par l’entremise de Paul-Émile Borduas, qu’il rencontre à l’École du meuble de Montréal. Cependant, contrairement à la majorité des peintres automatistes, Fauteux n’a jamais embrassé l’abstraction et n’a jamais signé le manifeste du groupe, Refus global, en 1948.

Les œuvres de Fautrier, manifestement figuratives ou abstraites, se composent de gravures, de peintures, de sculptures et d’illustrations de livres. Fautrier est associé à l’art informel des années 1950, bien que le style gestuel de plusieurs de ses tableaux des années 1920 préfigure ce mouvement de plusieurs décennies.

Les fauves sont un groupe de peintres qui emprunte son nom à l’expression péjorative lancée par le journaliste français Louis Vauxcelles. En tant que mouvement historique, le fauvisme débute lors du controversé Salon d’automne de 1905, pour s’achever moins de cinq ans plus tard, au début de 1910. Le fauvisme se caractérise par des couleurs audacieuses et pures, des coups de pinceau visibles et une approche subjective de la représentation. Henri Matisse, André Derain et Maurice de Vlaminck comptent parmi les artistes les plus renommé·es du fauvisme.

Artiste multidisciplinaire de premier plan dont les sculptures, dessins et installations sont l’objet d’expositions et d’acquisitions depuis cinq décennies. Murray Favro quitte Huntsville pour s’établir à London en Ontario à l’adolescence. Dans les années 1960, il fait partie, avec Jack Chambers et Greg Curnoe, d’un groupe d’artistes dynamiques de London.

Agence américaine, créée dans le cadre du New Deal, qui organise et finance l’embauche d’artistes en arts visuels en vertu du Emergency Relief Appropriation Act de 1935. Cette agence est chapeautée par le Works Progress Administration (rebaptisée le Work Projects Administration en 1939). Les artistes soutenus par le Federal Arts Project créent 200 000 murales, affiches, illustrations et d’autres œuvres d’art, dont plusieurs ont une importance durable.

Organisme sans but lucratif composé de membres dont le mandat est de promouvoir l’art canadien. La FCA est fondée en 1941 par des artistes, y compris André Biéler et Lawren Harris. L’organisme ouvre une galerie à l’intention de ses membres sur l’île Granville, à Vancouver, qui existe encore aujourd’hui.

Fondée et incorporée en 1961 par M. F. (Budd) Feheley et aujourd’hui dirigée par sa fille Pat, Feheley Fine Arts est une galerie d’art de Toronto, en Ontario, consacrée à l’art inuit. Parmi les artistes représentés par la galerie, on compte d’importantes figures du vingtième siècle et de la période contemporaine, notamment, Kenojuak Ashevak, Shuvinai Ashoona, Annie Pootoogook et Jutai Toonoo.

Directrice de la galerie d’art commercial Feheley Fine Arts de Toronto, Patricia Feheley est une experte de l’art inuit. Quand elle succède à son père, M. F. (Budd) Feheley, qui a créé la galerie en 1961, elle représente d’importants artistes contemporains, dont Annie Pootoogook (1969-2016) et Shuvinai Ashoona (née en 1961). Elle écrit également de nombreux textes portant sur l’art inuit et agit à titre de consultante pour des collections publiques et des collections d’entreprises d’art inuit au Canada, aux États-Unis et en Europe.

Figure éminente de l’expressionnisme allemand, Lyonel Feininger a fait partie de plusieurs collectifs d’artistes, dont Die Brücke, Novembergruppe, Gruppe 1919 et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu). Il a travaillé dans plusieurs disciplines, notamment la peinture, l’aquarelle et la gravure sur bois en plus d’être caricaturiste pendant une partie de sa carrière, et ce, avant de devenir professeur au Bauhaus en 1919 et de fuir le régime nazi pour retourner à New York en 1937. Feininger est également musicien et compositeur de formation.

Artiste d’Ottawa établi à Toronto, feldman-kiss développe une pratique multidisciplinaire portant sur les thèmes du corps, de l'incarnation, de l'identité et de l'auto-ethnographie, dans une perspective critique soutenue du paradigme colonial. Titulaire d’une maîtrise en beaux-arts du California Institute of the Arts, feldman-kiss participe au Programme d’arts des Forces canadiennes en 2011, dans le cadre duquel iel est intégré à la mission des Nations Unies au Soudan pour suivre les casques bleus canadiens et les observateurs militaires internationaux des Nations Unies (ONU). L’œuvre de feldman-kiss est exposée à l’international.

Englobant un large éventail de perspectives philosophiques et politiques historiques et contemporaines, le féminisme se définit, au sens large, comme la conviction que les hommes et les femmes devraient être socialement, politiquement et économiquement égaux. En Occident, à la Renaissance, un petit nombre de femmes de lettres commencent à remettre en question le statut social inférieur des femmes, notamment en matière de mariage et d’éducation. Au dix-neuvième siècle, d’éminentes féministes en Grande-Bretagne, aux États-Unis et au Canada défendent l’idée du droit de vote des femmes. Le vingtième siècle voit l’expansion du cadre de la pensée féministe qui s’ouvre à d’autres dimensions identitaires, notamment la race, la classe sociale, le travail, la sexualité et une compréhension plus large du genre, pour étudier leur influence sur la façon dont différentes femmes vivent l’inégalité et façonnent les objectifs de justice sociale des mouvements féministes dans le monde entier.

Né à Cincinnati, en Ohio, et établi à Halifax, en Nouvelle-Écosse, Gerald Ferguson est un artiste et peintre conceptuel qui a enseigné au Nova Scotia College of Art and Design (aujourd’hui l’Université NSCAD) de 1968 à 2003. À l’aide de matériaux ordinaires, il a produit des tableaux de grande envergure et souvent monochromes qui explorent la notion de paternité d’une œuvre et la construction du sens en peinture. Ferguson a joué un grand rôle dans l’établissement de l’Université NSCAD en tant que centre d’art conceptuel.

Éminent peintre du début du vingtième siècle, Fergusson étudie à Paris et y passe de nombreuses années à fréquenter des cercles d’artistes (impressionnistes, fauves et cubistes). Comme les autres artistes connus sous le nom des Scottish Colourists, il utilise des tons audacieux et des motifs caractéristiques du postimpressionnisme français.

Peintre, sculptrice et artiste du verre, Ferron est membre du groupe des Automatistes. Elle étudie à l’École des beaux-arts de Montréal avant de rencontrer Paul-Émile Borduas, dont l’approche de l’art moderne est déterminante pour la suite de son œuvre. En 1953, elle s’installe à Paris où elle demeure pendant treize ans.

Procédé photographique sur plaque de métal, le ferrotype peut se réaliser en différents formats sur des feuilles de fer laquées noires. Le ferrotype connaît une grande popularité au cours de la seconde moitié du dix-neuvième siècle, car il peut être produit rapidement et à peu de frais par les photographes professionnels et amateurs, non seulement en studio, mais aussi sur les marchés en plein air et dans les carnavals.

Peintre, styliste et éducatrice artistique, Fife travaille dans le style expressionniste avec des couleurs subtiles et des coups de pinceau qui agissent comme métaphores de la pensée intérieure. Elle est la fondatrice de la Fife Collection, une ligne de vêtements amérindiens de renommée internationale.

Terme inventé par l’historien du cinéma américain, P. Adams Sitney, à la fin des années 1960, pour décrire les films qui insistent davantage sur la forme que sur le contenu, et qui exigent du public de considérer la construction de l’œuvre plutôt que son intrigue —une nouvelle tendance dans le cinéma d’avant-garde de l’époque.

Peintre abstrait dont les œuvres présentent souvent un style gestuel et calligraphique. Fink poursuit des études au Walker Art Centre de Minneapolis et à la Art Students League de New York avant de s’installer à Paris dans les années 1950, où ses œuvres font l’objet de plusieurs expositions individuelles et collectives.

Artiste de performance, activiste, écrivaine et poète, Karen Finley est reconnue pour sa pratique abordant les enjeux sociaux, les politiques de genre et la sexualité. Ses performances incluent souvent des représentations explicites de la sexualité, de la violence et des tabous sociaux. Finley s’est fait connaître comme l’une des NEA Four dans l’affaire National Endowment for the Arts v. Finley (1998), un procès marquant portant sur le financement public des arts et la liberté d’expression artistique.

Né à New York, Fischl est surtout connu pour ses peintures expressionnistes et réalistes ayant pour sujets la vie quotidienne dans les banlieues des États-Unis. Il obtient un baccalauréat en beaux-arts au California Institute of the Arts et, de 1974 à 1978, il enseigne au Nova Scotia College of Art and Design (aujourd’hui l’Université NSCAD) avant d’être administrateur et critique principal à la New York Academy of Art. En 2006, il est nommé membre de l’American Academy of Arts and Letters.

Artiste abstrait et professeur d’art, Brian Fisher est actif sur la scène dynamique de Vancouver en Colombie-Britannique dans les années 1960 et 1970. Au cours de sa carrière, il participe à des expositions individuelles et collectives, tant au Canada qu’à l’étranger. La commande la plus importante qu’il reçoit au Canada est la peinture murale qu’il réalise pour l’aéroport international de Montréal à Dorval. Ses œuvres font partie de collections muséales d’un peu partout au pays, notamment le Musée des beaux-arts de l’Ontario, la Vancouver Art Gallery, le Musée des beaux-arts du Canada et le Musée national des beaux-arts du Québec.

Peintre accompli, Fisher a étudié à la Vancouver School of Art (aujourd'hui l’Université d’art et de design Emily-Carr) sous la direction de Frederick Varley. À titre d’artiste de guerre officiel canadien pendant la Seconde Guerre mondiale, Fisher a réalisé 246 croquis qu’il a ensuite transformés en aquarelles et en peintures à l’huile. Avant de devenir artiste de guerre, Fisher était connu pour une série de murales qu’il a peinte pour le pavillon de la Colombie-Britannique à l’Exposition universelle de 1938 à San Francisco.

Originaire de Winnipeg, peintre et graveur, FitzGerald est membre du Groupe des Sept de 1932 à 1933. Ses sujets de prédilection sont les maisons et les paysages des Prairies, ainsi que les natures mortes, qu’il exécute en empruntant divers styles, notamment le pointillisme, le précisionnisme et l’abstraction. Il est un ami intime de Bertram Brooker. (Voir Lionel LeMoine FitzGerald : sa vie et son œuvre par Michael Parke-Taylor.)

Professionnelle des institutions muséales, universitaire et artiste née à Toronto et aujourd’hui établie à Londres (Royaume-Uni), Fleming se penche sur l’histoire des collections institutionnelles par son travail dans chacun de ces domaines. Alors qu’elle vit à Montréal dans les années 1980, Fleming collabore avec l’artiste québécoise Lyne Lapointe à la création d’installations publiques in situ, appuyées par des recherches approfondies. Dans les années 1990, elle déménage à Londres où sa carrière bifurque vers des projets plus interdisciplinaires et académiques.

Collectif international d’artistes, Fluxus est en activité dans les années 1960 et 1970 dans les domaines de l’art visuel, du théâtre, de la musique, du design et de la poésie. L’art de rue, les festivals et les événements (également appelés « Happenings ») occupent une place importante dans la pratique de Fluxus, qui privilégie le processus et l’expérimentation par rapport au produit fini et s’efforce d’intégrer l’art dans la vie quotidienne. Influencé·es par John Cage et Marcel Duchamp, les représentant·es majeur·es de Fluxus comptent George Maciunas, Dick Higgins, Alison Knowles, Ken Friedman, Nam June Paik, Yoko Ono et Joseph Beuys.

Artiste et auteur né à London en Ontario. Depuis 1976, il vit à Toronto où il est actif dans le milieu artistique à titre de membre de conseils d’administration, de commissaire d’exposition, d’auteur et de professeur. Dans ses photographies, sculptures, aquarelles et installations, Fones s’intéresse aux enjeux de la production artistique, des matériaux et de la représentation.

Peintre de techniques mixtes influencé par les motifs de vannerie, les mythes de la création maidus et le personnage du coyote filou. En 1979, Fonseca commence sa série Coyote, qui dépeint la figure traditionnelle comme un personnage contemporain enfilant une veste en cuir, ou portant des baskets surélevées, ou flânant à Mission District, un quartier de San Francisco ou dans un café parisien. Fonseca est connu pour établir des liens entre les identités autochtones du passé et du présent. Dans les années 1990, ses œuvres sont devenues plus abstraites et politiques, faisant référence au génocide physique et spirituel des peuples autochtones de Californie.

Sculpteur et peintre abstrait novateur né en Argentine. À Milan en 1947, Fontana fonde Spazialismo, un mouvement qui préfigure la performance et le land art par son intérêt pour le temps, l’espace et le dynamisme. À la fin des années 1940, il commence à lacérer et à perforer ses tableaux, un procédé nouveau qui vise à contester la planéité de la toile.

Un procédé de moulage relativement simple et peu coûteux qui utilise du sable compacté pour créer un moule dans lequel le métal fondu est coulé. Le sable couramment employé à la fin du dix-neuvième et au début du vingtième vient de France et possède des propriétés permettant d’obtenir un moule qui produira très fidèlement le modèle final du sculpteur.

Après avoir étudié à Londres, à New York, à Munich, en Bretagne et aux Pays-Bas, l’artiste Elizabeth Armstrong Forbes arrive à Cornwall, au Royaume-Uni, en 1885. C’est là qu’elle rencontre son mari, le peintre Stanhope Forbes, avec qui elle ouvre en 1899 la Newlyn School of Painting. Forbes a exposé et vendu ses tableaux tout au long de sa vie, et a été une figure importante dans les colonies d’artistes de Cornwall au début du vingtième siècle. Son œuvre couvre un large éventail de styles et de pratiques, notamment des gravures du début de sa carrière, et elle témoigne d’un intérêt particulier pour le thème des enfants.

Forbes s’enrôle dans l’Armée canadienne au début de la Première Guerre mondiale et devient artiste de guerre officiel en 1918. Connu par la suite comme portraitiste et paysagiste et opposé à l’art moderne et, en particulier, à l’abstraction, Forbes a démissionné de la Société des arts de l’Ontario et de l’Académie royale des arts du Canada, en 1953 et 1958 respectivement. Il est ensuite devenu membre fondateur de l’Ontario Institute of Painters, une association axée sur le réalisme en peinture.

Né à Dublin, Stanhope Forbes a grandi en Angleterre. Influencé par les peintres de plein air français, il fonde en 1899, avec son épouse, la peintre canadienne Elizabeth Armstrong Forbes, une école d’art à Newlyn, un village de Cornouailles. L’œuvre de Forbes comporte des scènes de genre, des paysages et des intérieurs.

Association réactionnaire de peintres, Forces nouvelles est fondée à Paris, au milieu des années 1930, par le critique d'art et peintre Henri Hérault. Le groupe rejette les mouvements d'avant-garde, tels que l'impressionnisme et le surréalisme, au profit d’une quête visant à la renaissance des principes de l’artisanat dans l'art français. Leur production tient surtout en des scènes de la vie contemporaine peintes dans des styles accessibles, souvent réalistes.

Peintre, muraliste, autrice et joaillière, Ford étudie à la Central Ontario School of Art de Toronto en 1881, puis elle voyage en Angleterre et en France pour poursuivre sa formation artistique à la Royal Academy of Arts et à l’Académie Colarossi. Elle est membre fondatrice de la Society of Mural Decorators et coédite le magazine Tarot (1896) consacré au mouvement Arts and Crafts.

Le formalisme tient en une approche de l’art consacrée à l’analyse de la forme et du style d’une œuvre pour en déterminer le sens et la qualité. Le formalisme met l’accent sur la couleur, la texture, la composition et la ligne plutôt que sur le contexte narratif, conceptuel ou social et politique. Dans les années 1960, le critique américain Clement Greenberg défend vigoureusement le formalisme pourtant remis en question dès la fin des années 1960 avec l’essor du postmodernisme et de l’art conceptuel.

Pellicule moyen format lancée par Kodak en 1901 pour son appareil Brownie n^o 2. À l’origine, il s’adresse aux photographes amateurs et il est encore utilisé aujourd’hui.

Artiste néo-écossais connu pour ses sculptures à l’échelle 1:1 en bronze, en bois ou en acier. Dans Anything Less Is a Compromise (Quelque chose de moins est un compromis), 2004, la Coupe Stanley, célèbre trophée de hockey, trône au sommet d’une machine à laver, évoquant le schéma artéfact sur piédestal qui est la norme en sculpture. Son Drum Kit (Batterie) présente l’instrument de 1964 du batteur de The Who, Keith Moon, dispersé sur le sol. Ces bronzes figurent dans la collection du Musée des beaux-arts de la Nouvelle-Écosse à Halifax.

Peintre associé au réalisme de l’Atlantique, Forrestall produit des images fascinantes, soigneusement travaillées, qu’il tire d’un large éventail de sources réelles et imaginaires. Forrestall bénéficie du mentorat d’Alex Colville à l’Université Mount Allison dans les années 1950; il utilise la tempera à l’œuf, une technique que lui ont fait découvrir Colville et son camarade de classe Christopher Pratt.

Artiste, danseuse et chorégraphe, Forti est une figure importante du développement de la danse expérimentale et du minimalisme dans les années 1960. Née en Italie, elle s’installe à New York au début des années 1960, où elle invente un style de danse centré sur l’improvisation et les mouvements naturels. En 1960, elle inaugure ses Dance Constructions (Constructions de danse), dans lesquelles les corps des interprètes forment ensemble une danse qui peut également être interprétée comme une sculpture.

Peintre, aquarelliste et graveur québécois, Marc-Aurèle Fortin est établi à Montréal pendant la majeure partie de sa carrière. Il est surtout réputé pour ses représentations détaillées et pittoresques de la vallée du Saint-Laurent ainsi que des paysages environnants. Influencé par l’œuvre du peintre français Jean-François Millet (1814-1875), Fortin s’intéresse particulièrement à la représentation des villages ruraux et des modes de vie de la campagne québécoise.

Artiste, éducateur et administrateur établi à Ottawa, Fosbery est surtout connu pour ses gravures réalistes et ses portraits peints. Dans les années 1890, il étudie auprès de l’artiste canadien Franklin Brownell, puis brièvement à Paris. Il est blessé pendant la Première Guerre mondiale et contribue à l’établissement de programmes canadiens d’art de guerre. Fosbery a été président de l’Académie royale des arts du Canada de 1943 à 1946.

Initialement connu comme photographe, Frampton est surtout célèbre aujourd’hui pour ses écrits théoriques et ses films expérimentaux non narratifs. Influent professeur de cinéma, d’histoire cinématographique, de photographie et de design, il enseigne dans divers établissements de la région de New York durant les derniers vingt-cinq ans de sa vie.

Le terme désigne les pratiques et les institutions de ses membres, les francs-maçons (maçons libres et acceptés). Elle est la plus ancienne et la plus grande société secrète au monde. Liés par des serments et voués à la fraternité, à la discipline morale et à l’entraide, les francs-maçons sont issus des corporations médiévales de tailleurs de pierre et s’appuient sur un système élaboré de hiérarchies, de rituels et de symboles.

Joseph-Charles Franchère est un peintre, illustrateur et décorateur d’églises québécois, formé à Paris dans la tradition académique. Son œuvre s’inspire du symbolisme et présente souvent une image idéalisée de la vie pastorale. Il illustre, entre autres, Les rapaillages (1916) de l’abbé Lionel Groulx. Ses œuvres sont choisies pour représenter le Canada aux expositions universelles de Chicago (1893), Buffalo (1901) et St-Louis (1904).

Associé à la deuxième génération d’expressionnistes abstraits, Francis est peintre et graveur. Il poursuit des études en art à l’Université de Californie à Berkeley, avant de s’installer à Paris en 1950, où il subit l’influence de l’artiste québécois Jean Paul Riopelle. Il revient en Californie en 1962. Ses tableaux s’appuient sur une utilisation riche et évocatrice de la couleur, passant, au fil de sa carrière, de l’utilisation de formes centrales à l’utilisation de formes fluides et diluées, tout en mettant l’accent sur l’utilisation de l’espace blanc. À titre d’imprimeur et éditeur, Francis dirige un studio de lithographie, The Lapis Press, dédié aux livres d’artistes. Il aide à établir un style californien de peinture moderniste et participe à l’organisation du Los Angeles Museum of Contemporary Art en 1980.

Né aux Pays-Bas, Franck émigre au Canada au lendemain de la Première Guerre mondiale. Il est reconnu pour ses aquarelles et ses huiles sur toile représentant des rues et des maisons de Toronto. Franck exerce une influence importante sur le collectif Painters Eleven.

Photographe documentaire et cinéaste suisse-américain, Frank travaille comme photojournaliste pour des magazines américains tels que Life et Vogue. On le connaît surtout pour son ouvrage photographique The Americans, publié en 1958, qui a suscité la controverse pour ses images franches et sans fard de la société américaine d’après-guerre, prises par l’artiste au cours de ses voyages à travers le pays, et pour son exploration de questions telles que la ségrégation raciale et sociale. À partir des années 1970, Frank partage son temps entre New York et Mabou, en Nouvelle-Écosse.

Praticienne de l’école de New York, Frankenthaler développe des procédés techniques particuliers pour créer des effets atmosphériques dans ses tableaux, notamment en tamponnant et en faisant pénétrer de fines couches de pigment sur la toile non préparée. Elle expérimente également la gravure sur bois, l’estampe en couleur et la sculpture.

Artiste, commissaire d’exposition et éducatrice née au Wisconsin, connue pour son style de peinture et de dessin expressif et très détaillé, Hoorn Fraser crée principalement des portraits et des paysages. Elle obtient une maîtrise en beaux-arts à l’Université du Minnesota avant de s’installer à Halifax, où elle enseigne le dessin à l’Université technique de Nouvelle-Écosse et où elle est directrice par intérim de la Dalhousie Art Gallery. Elle est intronisée à l’Académie royale des arts du Canada en 1976.

Fraser est un peintre, photographe, illustrateur et professeur d’art né en Angleterre. Lors de son immigration au Canada vers 1860, il commence à peindre des arrière-plans de studio pour le photographe William Notman et devient partenaire de la firme torontoise de Notman en 1867.

Daniel (Danny) Freedman est acteur. Il partage l’appartement du 78, rue Gerrard Ouest avec AA Bronson, Felix Partz, Jorge Zontal et Mimi Paige. Il est également membre du jury du The 1971 Miss General Idea Pageant (Concours de beauté Miss General Idea 1971), 1971, une performance présentée au Musée des beaux arts de l’Ontario.

Artiste reconnu et influent professeur de dessin d’anatomie à l’Ontario College of Art (OCA, aujourd’hui l’Université de l’ÉADO), prometteur dès son jeune âge. Les intérêts de Freifeld et sa production sont vastes, mais il est probablement le mieux connu pour un cycle d’aquarelles structurelles, méticuleusement détaillées, qui le place parmi les artistes canadiens majeurs de sa génération.

Premier sculpteur monumental américain du début du vingtième siècle, French est principalement connu pour la conception de la statue d’Abraham Lincoln, 1920, au Lincoln Memorial (Washington). Néanmoins, c’est avec The Minute Man (Le Minute Man), 1871-1875, un monument commémoratif de style Beaux-Arts commandé par la ville de Concord (Massachusetts) qu’il se fait d’abord repérer. Au cours de ses soixante ans de carrière, French crée des figures allégoriques et historiques ainsi que des bustes dans un style néoclassique imprégné de naturalisme.

Peintre et photographe avant tout figuratif, et membre important de la communauté artistique gaie à l’époque de la Dépression. Membre du collectif de photographes PaJaMa avec son épouse, Margaret Hoening, et son amant Paul Cadmus. Il est profondément intéressé par les théories psychanalytiques de Carl Jung et a suggéré que ses peintures soient regardées à la lumière des écrits de Jung.

Artiste multidisciplinaire et écrivaine tchèque de renommée internationale, Frenkel est née à Bratislava et est aujourd’hui établie à Toronto. D’abord connue pour ses sculptures et ses estampes, Frenkel est depuis les années 1970 à l’avant-garde de l’art médiatique contemporain canadien, et ses œuvres sont présentées dans les principaux musées et festivals du monde entier. Elle est aujourd’hui professeure émérite à l’Université York, au département d’art visuels et d’histoire de l’art, de l’école des arts, médias, performances et design. Frenkel a reçu d’importantes distinctions, dont le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques en 2005.

Frère récollet (une branche des franciscains), peintre et architecte, le frère Luc est l’artiste le plus connu de son ordre à avoir visité la Nouvelle-France. Il arrive à Québec en 1670 et fait les plans de la nouvelle chapelle des récollets, ainsi que plusieurs tableaux d’église.

Frères jumeaux et cinéastes expérimentaux, actifs dès leur adolescence sur la scène cinématographique new-yorkaise aux côtés d’Andy Warhol, Stan Brakhage, Ken Jacobs, Michael Snow et Joyce Wieland. Parmi leurs films 8 mm renommés, mentionnons I Was a Teenage Rumpot, 1960, et The Devil’s Cleavage, 1973 – des versions à petit budget de films de style hollywoodien.

L’expression italienne fresco secco, ou « fresque sèche », désigne une technique de peinture murale dans laquelle des pigments de couleur mélangés à un liant sont appliqués sur un enduit sec recouvrant le mur. Bien que les pigments soient moins durables et que la peinture puisse s’écailler avec le temps, cette technique permet aux artistes de travailler plus lentement qu’avec le buon fresco et de retoucher plus facilement leurs murales.

La fresque est une technique picturale souvent utilisée pour créer des murales. Après avoir couvert une partie d’un mur de plâtre humide, on y applique de la peinture qui sera absorbée par le plâtre en séchant pour faire partie intégrante de la surface. Cette technique a surtout été développée par des maîtres de la Renaissance italienne comme Giotto et Michel-Ange.

Peintre figuratif influencé tout autant par le surréalisme et la nouvelle objectivité que par le classicisme français d’Ingres, Freud demeure néanmoins à l’écart de tout mouvement artistique contemporain. Petit-fils de Sigmund Freud, l’ensemble de son oeuvre est profondément personnel, ses modèles étant choisis parmi les membres de sa famille et de son cercle immédiat. Des similitudes peuvent être établies entre son travail et celui du peintre Francis Bacon.

Peintre, illustrateur et graphiste, Frey peint des portraits et des paysages marqués au coin du symbolisme. Membre de la Coopérative artistique de Dresde, il enseigne à l’Académie des arts et techniques de cette ville.

Critique d’art et critique littéraire, historien de l’art et poète de renom, Fried est un formaliste qui fait la distinction entre l’œuvre d’art elle-même, l’expérience de voir l’œuvre d’art et le contexte sociopolitique dans lequel elle a été réalisée. Son essai de 1967, Art and Objecthood, est une analyse critique bien connue de l’art minimaliste. Plus tard, il abandonne la critique d’art pour écrire sur l’histoire du modernisme primitif. Il enseigne au département des sciences humaines de la Johns Hopkins University.

Propriétaire d’une galerie d’art de New York, Rose Fried reprend la Pinacoteca Gallery dans les années 1940 qu’elle renomme Rose Fried Gallery en 1944. Défenseure de l’art abstrait, elle introduit le public américain à l’œuvre d’abstractionnistes européens, dont Piet Mondrian et Wassily Kandinsky. Fried représente également des artistes modernistes cubistes, futuristes et latino-américains.

L’un des grands peintres romantiques, et le plus typique des tenants de ce style en Allemagne. Ses paysages saisissants, où mer, montagnes, forêts et champs, à la fois réalistes et symboliques, sont peints dans un grand souci du détail, expriment une spiritualité et un mysticisme profonds.

Né en Russie, Eric Friefeld est un peintre figuratif et un professeur influent du Ontario College of Art (OCA, aujourd’hui l’Université de l’ÉADO), où il a enseigné le dessin et a été directeur du département des beaux-arts. Il a d’abord été reconnu à Edmonton, où il avait déménagé avec sa mère et sa sœur à l'âge de cinq ans. En 1986, une exposition rétrospective de son œuvre a été présentée au Rodman Hall Arts Centre à St. Catherines, en Ontario, et au Musée des beaux-arts de l’Ontario, à Toronto, après son décès par suicide en 1984.

Terme architectural désignant l’entablement entre l’architrave et la corniche d’un bâtiment. Le terme désigne aussi les bordures ornementales sur les meubles et les murs. Dans le domaine de la peinture, ce terme peut être employé pour désigner un élément pictural composé d’une rangée horizontale de figures ou d’objets.

Le Front de libération du Québec, créé en 1963 par Raymond Villeneuve, Gabriel Hudon et Georges Schoeters, est un groupe extrémiste qui mène des actions violentes pour promouvoir l’indépendance du Québec. Il a vu le jour en réponse aux changements politiques et culturels majeurs qui se sont produits au Québec, ainsi qu’à d’autres mouvements révolutionnaires organisés dans le monde, notamment en Algérie, et opposés à l’impérialisme étranger. Le FLQ s’est dissous en 1971, à la suite de l’arrestation de plusieurs de ses membres liés à la crise d’Octobre.

Le critique artistique qui invente le terme « postimpressionnisme » pour décrire les œuvres des peintres de l’avant-garde parisienne du début du vingtième siècle, Fry est un peintre et un écrivain britannique et il est membre de l’influent Bloomsbury Group. Il entreprend sa carrière en se spécialisant dans l’étude des grands maîtres, et en 1906, il est nommé conservateur responsable des peintures européennes au Metropolitan Museum de New York. Après son retour en Angleterre en 1910, son travail dans le but d’élaborer une théorie formaliste de la critique artistique ainsi que sa promotion du postmodernisme ont une grande influence sur les goûts artistiques dans le monde anglophone.

Critique littéraire et professeur d’anglais, les idées de Frye sur les fondements symboliques de la littérature ont influencé une génération de critiques et d’écrivains, dont Harold Bloom et Margaret Atwood. La meilleure explication de l’importance qu’il accorde aux mythes et aux archétypes à titre de fondements d’un univers littéraire de l’imagination a paru dans Anatomie de la Critique (1957).

Architecte, théoricien des systèmes et ingénieur, Richard Buckminster Fuller débute en travaillant sur des technologies pour maisons modulaires, mais il élabore ensuite des propositions de design futuristes et utopistes qui tentent de répondre aux enjeux planétaires de l’énergie et de l’industrialisation. Ses expériences en géométrie mènent à son invention du dôme géodésique, une forme de construction dont la force augmente de manière logarithmique en fonction de sa taille. Le dôme géodésique est un symbole de design des années 1960, tant dans le courant conventionnel (pavillon des États-Unis de l’Expo 67) que dans le courant non conventionnel (Drop City, une communauté d’artistes formée dans le sud du Colorado en 1965).

Salle et collectif de cinéma expérimental à Toronto qui, de 1977 à 1989, se consacre à la production, à la distribution et à la présentation de films 8 mm, Super 8 et 16 mm. Plusieurs de ses membres sont liés au Ontario College of Art, dont Ross McLaren, le cofondateur de Funnel. 

Stan Furnival est graphiste, puis directeur artistique de la version anglaise du magazine Châtelaine en 1952-1953. À ce titre, il commande maintes illustrations à Oscar Cahén, dont il serait parmi les premiers à avoir encouragé la carrière.

Coco Fusco est une artiste interdisciplinaire et autrice établie à New York, dont les vidéos et les performances abordent les politiques de genre, de race et les systèmes de pouvoir. Influencée par les théories postcoloniales, féministes et psychanalytiques, elle explore les concepts de l’altérité culturelle et s’intéresse plus récemment à Cuba. Lauréate de plusieurs prix prestigieux pour son art et ses écrits, elle est également professeure à la Cooper Union School of Art de New York.

Ancienne méthode d’éclairage artificiel pour la photographie. À compter de 1859, la poudre de magnésium sert à cette fin sous diverses formes problématiques, y compris les fils et les fusées; il faut attendre 1887, quand Adolf Miethe et Johannes Gaedicke la mélangent à du chlorate de potassium, pour obtenir la première photopoudre facilement utilisable.

Fondé en 1909, ce mouvement artistique et littéraire italien embrasse des éléments du cubisme et du néo-impressionnisme. L’esthétique futuriste idéalise le progrès scientifique, la guerre, le dynamisme et l’énergie de la vie moderne. Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà et Luigi Russolo figurent parmi les artistes futuristes les plus reconnus.