glossaire

Acronyme désignant les personnes aux deux esprits, lesbiennes, gaies, bisexuelles, transgenres, queers et intersexuées et les autres personnes de diverses identités sexuelles et de genre.

Centre d’artistes autogéré sans but lucratif, le A Space émerge dans le sillage de la Nightingale Gallery de Toronto, en 1971. Important centre pour la présentation et la promotion de l’art innovant, toutes disciplines confondues, dans les années 1970, A Space reste aujourd’hui un lieu d’exposition de premier plan pour l’art visuel contemporain. Sa programmation inclusive fait une large place au militantisme.

Berenice Abbott naît à Springfield, en Ohio, et devient une figure centrale de la photographie moderne. D’abord assistante de Man Ray, elle réalise dans les années 1920 des portraits de l’avant-garde parisienne et sauve de l’oubli l’œuvre du photographe français Eugène Atget. De retour aux États-Unis en 1929, elle acquiert une renommée durable grâce à sa documentation du paysage urbain en pleine transformation à New York durant les années 1930.

Historien de l’art et critique artistique, Abell a aussi été, de 1928 à 1943, le premier professeur de beaux-arts à l’Université Acadia à Wolfville, en Nouvelle-Écosse. Abell est un partisan de la démocratie culturelle ainsi que le fondateur de la Maritime Art Association qui soutient la programmation et les expositions artistiques partout dans la région. Cadre fondateur de la Fédération des artistes canadiens, son travail contribue à établir un discours critique concernant l’art canadien.

L’absence d’ego ou du sentiment de soi est un principe fondamental du bouddhisme qui correspond à une « voie du milieu » entre la croyance en une âme ou un soi éternel qui se perpétue après la mort physique, et la croyance en un soi transitoire contenu dans le corps physique et ne pouvant exister sans lui. L’ego est plutôt conçu comme un processus, non comme une entité stable, qu’il faut oublier ou perdre sur la voie de l’éveil.

Forme d’abstraction inspirée des formes courbes héritées de la nature. Le terme « biomorphique » fait son apparition comme descripteur de l’art abstrait dans les années 1930, quoique son usage ne se limite pas à cette période. L’abstraction biomorphique est visible dans les éléments stylistiques de l’Art nouveau, dans les peintures et les sculptures surréalistes de Jean Arp et Joan Miró, dans les œuvres de Henry Moore et Barbara Hepworth ainsi que dans le design américain des années 1940 aux années 1960.

Style d’art abstrait issu du mouvement de l’art informel, plus large, considéré comme le complément européen de l’expressionnisme abstrait américain. Les œuvres d’art informel s’inspirent généralement du monde naturel. Elles sont moins rigides et plus expressives que l’abstraction géométrique, qui prévalait à l’époque.

Étroitement associé à l’écrivain et philosophe français Albert Camus, l’absurde, tout comme l’existentialisme, reconnaît un univers essentiellement vide de sens dans lequel l’être humain lutte pour en trouver un. Contrairement à l’existentialisme, l’absurde ne dépend pas de l’acceptation du non-sens; il propose plutôt aux individus de se rebeller contre celui-ci en adoptant le paradoxe consistant à chercher des réponses à des questions auxquelles il est impossible de répondre, transformant la recherche de sens en une quête absurde.

Fondée à Paris, en France, par James Abbott McNeill Whistler, l’Académie Carmen est une école d’art privée. La directrice éponyme de l’école, Carmen Rossi, a été le modèle préféré de Whistler. Les cours sont ouverts aux femmes et aux hommes, bien qu’ils soient séparés selon leur sexe, et axés sur la peinture et le dessin. L’école a été en activité de 1898 à 1901.

Fondée à Paris en 1870 par le sculpteur italien Filippo Colarossi comme alternative à l’École des beaux-arts jugée trop conservatrice, l’Académie Colarossi est l’une des premières écoles françaises à accueillir des filles. Si les classes y sont formées selon les sexes, filles et garçons suivent un cheminement identique et notamment des cours de dessin d’après modèle vivant nu. Parmi les élèves les plus remarquables de cette académie, mentionnons Emily Carr, Camille Claudel, Paul Gauguin, Amedeo Modigliani et Alfred Pellan. L’école ferme ses portes dans les années 1930.

École d’art fondée à Paris en 1904 par l’artiste espagnol Claudio Castelucho, la Grande Chaumière est dirigée conjointement à partir de 1909 par les artistes Martha Stettler, Alice Dannenberg et Lucien Simon. Demandant des frais de scolarité moins élevés que les autres institutions parisiennes, cette école propose un programme d’enseignement fondé sur une approche non académique, expérimentale et moderniste de la peinture ainsi que de la sculpture.

Fondée en 1808 sous le nom d’Académie royale des beaux-arts par Maximilien I^er Joseph, roi de Bavière, l’Académie des beaux-arts de Munich tire son origine d’une école de dessin établie dans la ville à la fin du dix-huitième siècle. Dans la seconde moitié du siècle suivant, l’institution est devenue un centre important pour les peintres formés dans le style académique, étroitement associé aux artistes allemands influents de l’école de Munich. L’Académie a changé de nom pour sa version actuelle en 1956.

L'Académie Julian est une école d’art privée fondée par Rodolphe Julian à Paris en 1868. Maurice Cullen, J. W. Morrice, Marc-Aurèle de Foy Suzor-Côté, A. Y. Jackson et Clarence Gagnon figurent parmi les nombreux artistes du Canada qui y ont mené des études.

Organisation d’artistes et d’architectes professionnel·les modelée sur les académies nationales présentes depuis longtemps en Europe, telles que la Royal Academy of Arts de Londres (fondée en 1768) et l’Académie royale de peinture et sculpture de Paris (fondée en 1648).

Un style de peinture établi en Europe à la Renaissance, au sein des premières académies et écoles d’art qui visaient à professionnaliser les artistes, auparavant considérés comme des artisans. Dans les académies officielles, souvent associées à un mécène royal, les artistes acquièrent des compétences dans diverses disciplines utiles à la pratique de la peinture ou de la sculpture, notamment en dessin. En même temps, la pratique académique est théorisée, telle que la peinture par exemple, avec la hiérarchie des genres picturaux : la peinture historique est placée au sommet, suivie, dans l’ordre, par le portrait, la scène de genre, le paysage et la nature morte. Au dix-neuvième siècle, l’art académique en est venu à être considéré comme conservateur et à être désigné comme de l’académisme. Bientôt, il allait être remplacé par de nouveaux styles de création artistique d’avant-garde.

Artiste multidisciplinaire né à New York dont la pratique embrasse de multiples moyens d’expression, Acconci exploite la sculpture, l’installation, la performance, l’art cinématographique et l’architecture. Explorant les notions d’espace privé et d’espace public, son travail comporte souvent des images ou des actes transgressifs et controversés. Il détient une maîtrise en beaux-arts de l’Université de l’Iowa et enseigne dans des institutions telles que le Nova Scotia College of Art and Design (aujourd’hui l’Université NSCAD), la Cooper Union, la School of the Art Institute of Chicago et l’Université Yale.

Artiste du textile, du numérique et des médias mixtes, Ace amalgame le perlage traditionnel Anishinaabeg et la récupération de pièces électroniques pour explorer où convergent, pour les peuples autochtones, le passé, le présent et l’avenir. Il transforme les déchets technologiques en motifs floraux, un geste de continuité culturelle et d’appartenance. En 2015, Ace a reçu le prix K.M. Hunter pour les arts visuels.

Fondé dans les années 1960, ce groupe de performeurs viennois s’efforce de choquer le public pour attirer l’attention sur la violence de la société. Ses performances sont célèbres pour les mutilations et les défécations exécutées en public. Les artistes principalement associés à ce groupe sont Günter Brus, Hermann Nitsch et Rudolf Schwarzkogler.

Ansel Adams  est un maître-photographe du paysage américain du vingtième siècle. Sa vision du monde prend forme lorsqu’il a une vingtaine d’années, au cours d’un séjour dans le parc national de Yosemite, en Californie. Conservationniste et président du Sierra Club, Adams produit des images fortement contrastées, d’une grande netteté, qui cherchent à saisir l’expérience mystique d’une nature sauvage encore intacte. Il publie des livres qui traitent à la fois de protection de l’environnement et de photographie et s’attache à faire reconnaître la photographie au sein des beaux-arts en contribuant à la fondation d’un département de conservation dédié à la photographie au Museum of Modern Art de New York.

KC Adams est une artiste multidisciplinaire, pédagogue et activiste de Winnipeg, dont le travail aborde les relations entre la nature, la technologie et leur impact sur l’identité autochtone. Diplômée de l’Université Concordia, Adams a participé à des expositions internationales et elle a également publié l’ouvrage Perception: A Photo Series en 2019. De 2008 à 2009, elle a occupé le poste de directrice de la galerie Urban Shaman à Winnipeg.

Pionnier dans le domaine de l’art thérapie. Formé comme artiste, Adamson a enseigné l’art et a facilité la tenue de séances de création pour les patients psychiatriques après la Seconde Guerre mondiale. Il est devenu directeur de l’hôpital Netherne en 1948 et y a travaillé pendant plus de trente ans, jusqu’à sa retraite. Sa collection d’œuvres d’art faites par des patients a voyagé à l’échelle mondiale.

Photographe et l’un des deux membres de l’équipe de photographes, Hill et Adamson, dont il est surtout le technicien. Connus pour être les premiers à lancer le portrait photographique artistique et à maîtriser le procédé du calotype, Hill et Adamson comptent parmi les plus importants photographes du dix-neuvième siècle.

Membre d’une illustre famille de peintres et de musiciens, Murray Adaskin est d’abord musicien d’orchestre et chambriste avant de se tourner vers la composition. Moderniste prolifique, réputé pour son travail de promotion de la musique et des musiciens canadiens, Murray Adaskin a également une profonde influence comme professeur.

Peintre abstraite, spiritualiste et occultiste, Hilma af Klint est à la tête de The Five (De Fem), un groupe de femmes artistes suédoises qui croient que leurs œuvres leur sont dictées par des esprits d’un autre univers. Ses peintures purement abstraites précèdent celles de Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, et Piet Mondrian. Af Klint souhaitait que ses œuvres ne soient exposées au public que vingt ans après sa mort; elles ont finalement été exposées pour la première fois à Los Angeles en 1986.

Période de la république hollandaise du dix-septième siècle qui connaît une soudaine croissance économique reposant sur le commerce, la construction navale, les avancements dans la technologie de l'énergie, la colonisation et la prédominance du protestantisme. Les arts, comme bien d’autres domaines, s’épanouissent avec une importante croissance démographique, une augmentation des salaires et l’émergence de nouveaux mécènes. La nation devient une des plus riches du monde, avec Amsterdam comme capitale des arts. Les personnalités notables de cette ère incluent Baruch Spinoza, Johannes Vermeer et Rembrandt van Rijn.

Photographe largement autodidacte, Aguilar explore son identité de femme lesbienne chicana dans son œuvre. À la fin des années 1980 et dans les années 1990, elle réalise de puissants autoportraits où elle est représentée nue dans divers cadres, du paysage naturel aux espaces domestiques intérieurs. Pendant cette période, elle produit également des portraits de femmes queer chicana de sa communauté d’East Los Angeles. L’œuvre la plus connue d’Aguilar, Three Eagles Flying (Trois aigles en vol), 1990, est un autoportrait qui articule les complexités de son identité biculturelle.

Jeune homme, Aitken étudie l’art à Dublin et voyage en Europe et en Amérique du Nord avant de s’établir comme peintre à Glasgow. Reconnu pour ses paysages, il se spécialise dans l’aquarelle. Ami de William van Horne, il est l’un des nombreux artistes qui peignent des paysages pour le Chemin de fer Canadien Pacifique.

Artiste reconnue pour ses dessins audacieux qui représentent souvent des ours et des oiseaux. Des estampes tirées à partir de ses dessins ont fait partie de la Collection annuelle d’estampes des Ateliers Kinngait, notamment en 2013, 2014 et 2015.

Peintre et graphiste qui étudie et, par la suite, enseigne au Bauhaus, Albers émigre aux États-Unis après la fermeture de l’école par les Nazis en 1933. Professeur au Black Mountain College de Caroline du Nord, il y attire de futures sommités, comme Robert Motherwell et Willem de Kooning. Albers est un pionnier de l’op art et de l’art cinétique.

Fondée en 1931 par A. C. Leighton et d’autres artistes de Calgary, l’Alberta Society of Artists (ASA) sert à promouvoir les arts visuels en Alberta par l’entremise d’abonnements, d’expositions et de programmes éducatifs. D’éminents artistes de la province ont présidé l’ASA, notamment Leighton, H. G. Glyde, Illingworth Kerr et Stanford Perrott. L’ASA octroie des bourses d’études dans le domaine des arts visuels aux étudiantes et étudiants de niveaux postsecondaire et supérieur en même temps qu’elle gère le programme TREX, responsable de la circulation des expositions d’art dans les communautés du sud-ouest de l’Alberta.

Auteur de traités sur la peinture, la sculpture et l’architecture — ces trois textes réunis constituent la base théorique de tout l’art de la Renaissance —, Alberti est reconnu pour avoir répertorié les formes du classicisme.

Peintre chicagoan à qui l’on doit des natures mortes et des portraits obsédants, composés de façon très méticuleuse. Ses œuvres les plus célèbres — dont sa première peinture monumentale, Into the World There Came a Soul Called Ida (Une âme nommée Ida vint au monde) (1929-1930) — traduisent la préoccupation constante du peintre pour l’idée de la mortalité. Par ailleurs, Albright écrit et réalise des sculptures, des estampes et des films.

Couche faite d’un mélange de blancs d’œuf et de sel, appliquée sur du verre (pour les négatifs photographiques) ou, plus couramment, sur du papier (pour les épreuves photographiques), puis sensibilisée avec une solution de nitrate d’argent. Les épreuves à l’albumine sont courantes, des années 1850 aux années 1890, et préférées aux épreuves sur papier salé en raison de leur clarté.

Artiste de guerre officiel au sein de l’Aviation royale canadienne pendant la Seconde Guerre mondiale, Aldwinckle a produit plus de 100 dessins et peintures témoignant de ses expériences. Graphiste et enseignant renommé, il a ensuite été directeur de l’Ontario College of Art and Design (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO).

Peintre paysagiste connu pour ses représentations colorées et gestuelles des reflets naturels de l’eau et des territoires accidentés du Canada, des États-Unis et de l’Islande. En 2011, Alexander a enseigné au Emma Lake Artists’ Workshop en Saskatchewan. Ses œuvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques, dont le Museum London, en Ontario, et la Vancouver Art Gallery.

Native de Victoria, C.-B., Vikky Alexander est une photographe et une artiste multidisciplinaire dont l’œuvre est associée à l’art d’appropriation, au photoconceptualisme de l’école de Vancouver et à la Picture Generation. Diplômée de l’Université NSCAD d’Halifax en 1979, elle expose à New York dans les années 1980. Son approche de la photographie est introspective et portée sur l'exploration des tensions entre nature et culture.

Artiste tsimshian qui a produit des sculptures, des peintures et des diapositives sur verre représentant la vie dans sa communauté de Lax Kw’alaams (Fort/Port Simpson) sur la côte du nord de la Colombie-Britannique, Alexcee a vendu ses œuvres aux colons européens. Il a également reçu une formation de sculpteur halaayt et a créé des objets tels que des sculptures de nax nox (esprit) pour les pratiques chamaniques des Tsimshians.

Peintre et épouse du miniaturiste William Berczy, Jeanne-Charlotte Allamand-Berczy est venue au Canada à la tête d’un groupe d’immigrants allemands, s’établissant d’abord à Markham, en Ontario, avant de s’installer à Montréal. Une sélection de ses lettres destinées à son mari constitue aujourd’hui un document d’archives important de la vie en Amérique du Nord au dix-huitième et au début du dix-neuvième siècle.

Peintre innovateur et cérébral qui évolue dans une foule de styles tout au long de sa carrière, de l’expressionnisme abstrait au pop art. Alleyn étudie aux côtés de Jean Paul Lemieux à l’École des beaux-arts de Québec pour ensuite s’établir à Paris en 1955, où il restera quinze ans. Il représente le Canada à la Biennale de Venise en 1960.

Conservateur et critique d’art, Lawrence Alloway s’est vu attribuer la paternité de l’expression « pop art ». Bien qu’il amorce sa carrière à Londres, Alloway acquiert sa notoriété de critique dans le monde de l’art new-yorkais des années 1960. En tant que contributeur et rédacteur en chef de publications comme Artforum, il met en lumière les rapports entre différents mouvements artistiques et leur contexte culturel plus vaste, inaugurant une forme de critique qui rejette les jugements de valeur au profit de l’information. Alloway a été le conservateur du Guggenheim Museum de New York de 1962 à 1966.

Après un apprentissage en ornementation architecturale, le sculpteur Walter Seymour travaille sur des œuvres de grande envergure, créant des monuments historiques et commémoratifs pour des sites à Toronto, Ottawa et dans tout le sud de l’Ontario, notamment, Queen’s Park et la Colline du Parlement. Allward est surtout connu pour son impressionnant Mémorial national du Canada à Vimy (1921-1936) situé à Vimy en France, qui commémore à la fois la bataille de la Crête de Vimy de la Première Guerre mondiale et le souvenir des Canadiens morts en France pendant la guerre et privés de sépulture officielle. (Voir Walter Seymour Allward : sa vie et son œuvre par Philip Dombowsky.)

Procédé photographique consistant à transformer en positif une plaque négative au collodion humide, en doublant la plaque de verre d’un tissu ou d'un papier noir, le tout inséré dans un étui à charnière. Les ambrotypes remplacent largement les daguerréotypes (avec lesquels on les confond facilement) à la fin des années 1850 et sont eux-mêmes remplacés dans les années 1860 par les ferrotypes et les cartes de visite moins coûteux.

Peintre né à Londres, arrivé sur la côte Ouest du Canada à un jeune âge. Amess fait partie de la première promotion de la Vancouver School of Decorative and Applied Arts en 1929, et devient professeur dans ce même établissement, rebaptisé la Vancouver School of Art. En 1943, il y fonde le Art in Living Group avec son collègue B. C. Binning. Amess assume la direction de la Vancouver School of Art de 1952 à 1970.

Anastasi est une figure pionnière de l’art minimal et conceptuel américain, dont la pratique est alignée sur celle de Carl Andre, John Cage, Eva Hesse, Robert Rauschenberg et Richard Serra. Anastasi est l’un des premiers artistes modernes à créer des œuvres spécifiques au site; Six Sites, 1966-1967, a ouvert la voie aux artistes et aux conservateurs qui s’intéressent à cette forme d’art.

Anderson est une violoniste de formation, une artiste multidisciplinaire et une compositrice née en Illinois, dont le travail conjugue souvent performance, installation et musique. Elle étudie l’histoire de l’art au Barnard College et obtient une maîtrise en sculpture à l’Université Columbia. Elle est connue pour avoir inventé et conçu plusieurs instruments de musique expérimentaux et non conventionnels.

Réalisateur, producteur et scénariste dont les comédies excentriques et « sérieuses » lui valent régulièrement un succès critique et commercial important. Rushmore (1998) et Moonrise Kingdom (2012) illustrent l’originalité de sa démarche narrative et de son style visuel. Il travaille souvent avec les mêmes acteurs.

Carl Andre est un sculpteur minimaliste et un poète qui vit et travaille à New York. Son œuvre, marquée par l’influence des artistes Constantin Brâncuși et Frank Stella, présente des schémas de grilles répétitifs, composés de blocs, de briques et de plaques de métal disposés au sol. Chaque pièce s’articule en fonction des réalités physiques de l’espace qui l’entoure, l’artiste étant préoccupé par la perception du spectateur, plutôt que par des questions de signification symbolique ou métaphorique. Andre s’est retiré du monde de l’art après avoir été jugé et acquitté en 1985 du meurtre au deuxième degré de sa femme, l’artiste Ana Mendieta.

Angelucci est une artiste torontoise qui utilise la photographie, la vidéo et l’audio pour étudier la fonction commémorative des photographies et des films vernaculaires, ainsi que leur rôle dans la construction de récits et d’histoires. Puisant d’abord dans les archives de sa famille, elle se tourne ensuite vers l’objet trouvé. Son œuvre récente explore la relation entre la photographie et les sciences naturelles.

Personnalité acclamée et controversée de l’underground cinématographique, Anger réalise dès l’âge de quinze ans son premier film, Fireworks (Feux d’artifice), dont la projection sera souvent interdite. Ses films et ses livres montrent une fascination inépuisable pour l’occulte et les scandales hollywoodiens de son époque. Il influencera nombre de cinéastes des sphères commerciales et expérimentales, mais aussi des artistes d’autres disciplines.

Terme collectif qui signifie « le peuple » ou « peuple d'origine » et qui renvoie à un nombre de communautés liées entre elles, telles que les Ojibwe/Ojibwa/Ojibway, les Odawa, les Chippaouais, les Saulteaux, les Mississaugas, les Potéouatamis, parmi d'autres. Au Canada, la région des Anishinaabeg couvre des parties du Manitoba, de l’Ontario et du Québec.

Peintre américain et professeur réputé de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Thomas Pollock Anshutz est surtout connu pour ses portraits, bien qu’il ait aussi réalisé des paysages. Avec Thomas Eakins, il a utilisé la photographie comme outil d’observation dans ses cours et dans son propre travail, et a participé aux études sur le mouvement d’Eadweard Muybridge et à ses expériences avec son zoopraxiscope.

Centre d’étude, de conservation et d’exposition d’œuvres cinématographiques, sis à New York, qui met l’accent sur les œuvres indépendantes et expérimentales, lancé en 1969 par cinq cinéastes et critiques de cinéma d’avant-garde : Stan Brakhage, Jerome Hill, Peter Kubelka, Jonas Mekas et P. Adams Sitney.

Terme employé en référence à l’époque géologique actuelle, marquée par les profondes répercussions de l’activité humaine sur la terre et ses écosystèmes. Certains considèrent que les débuts de l’Anthropocène remontent aux années 1800, avec la révolution industrielle. Les changements climatiques et le réchauffement de la planète d’origine anthropique, ou causé par l'être humain, sont les caractéristiques de cette époque.

Philosophie spirituelle développée par Rudolf Steiner au tournant du vingtième siècle, l’anthroposophie part du principe que la dimension spirituelle de l’être humain peut être vécue de manière concrète et faire l’objet de quantification scientifique. Le curriculum des écoles Waldorf, aujourd’hui implantées dans le monde entier, est basé sur les théories pédagogiques et la philosophie anthroposophique de Steiner. Cette méthode d’enseignement met l’accent sur le rôle de l’imaginaire dans l’apprentissage et cherche à intégrer globalement le développement intellectuel, pratique et artistique des élèves.

Artiste conceptuelle et féministe pionnière, Antin pratique la performance, le film et l’installation. Des années 1970 aux années 1990, elle explore la construction de l’identité personnelle en développant différents alter ego – notamment, un roi, une ballerine et une infirmière – qui brouillent les limites du genre, de la classe sociale et de l’identité raciale. Depuis le début des années 2000, son œuvre se constitue de tableaux photographiques grand format qui s’inspirent de l’histoire et de la mythologie grecques et romaines pour critiquer la culture contemporaine.

Le moyen format réfère traditionnellement à un appareil photo qui requière des pellicules d’environ 60 mm de large (tandis que le grand format en requière de 102 x 127 mm et plus). Le plus célèbre de ces dispositifs est le format 120 de Kodak, qui est le plus couramment utilisé des années 1900 à 1950. Depuis, il a été adapté aux formats numériques.

Peintre et sculpteur abstrait, Karel Appel a participé au Nederlandse Experimentele Groep (Groupe expérimental néerlandais, 1948) et a fondé CoBrA (1948-1951), un groupe influent de jeunes artistes européens actifs dans les années suivant la Deuxième Guerre mondiale et étroitement associés à ses membres d’Amsterdam, tel qu’Appel. Après s’être installé en France en 1950, il se met à exposer en Europe et en Amérique du Nord, et ce, jusque des années 1980. Son travail révèle des affinités avec l’art brut, sa fougue notamment, une tendance qui émerge dans la réaction de CoBrA en opposition aux conventions artistiques.

Peintre et sculpteur abstrait, Karel Appel a participé au Nederlandse Experimentele Groep (Groupe expérimental néerlandais, 1948) et a fondé CoBrA (1948-1951), un groupe influent de jeunes artistes d'Europe en activité dans les années suivant la Seconde Guerre mondiale et étroitement associés aux membres d’Amsterdam. Après s’être installé en France en 1950, Appel se met à exposer en Europe et en Amérique du Nord, et ce, jusqu'aux années 1980. Son travail révèle des affinités avec l’art brut, sa fougue notamment, une tendance qui émerge dans la réaction de CoBrA en opposition aux conventions artistiques.

Sert à immobiliser le corps lors d’un portrait photographique au dix-neuvième siècle, quand les vitesses d’émulsion sont lentes. Un appuie-tête typique est formé d’un berceau en métal sur un support ajustable; les mains et les bras sont disposés sur un livre, une plinthe ou un autre accessoire.

Matériau de peinture consistant en une solution aqueuse dans laquelle des pigments sont en suspension; aussi, l’appellation désigne une œuvre achevée peinte à l’aide de ce matériau. L’aquarelle a une riche histoire qui remonte aux enluminures de manuscrits (datant de l’Égypte ancienne) et à la peinture au pinceau ou sur rouleau pratiquée en Chine, en Corée et au Japon. En Occident, la Renaissance consacre l’aquarelle comme matériau de choix pour les croquis et sa popularité va croissant aux dix-huitième et dix-neuvième siècles, en particulier pour les illustrations de la flore et de la faune. Les artistes et les illustrateurs d’aujourd’hui continuent d’utiliser l’aquarelle pour sa transparence et les effets que rendent possibles les lavis de pigment pur.

L'aquatinte est un procédé d’impression en intaille où une plaque de cuivre gravée est immergée dans un bain d’acide pour créer des zones enfoncées qui retiennent l’encre. Variante de la gravure à l’eau-forte, l'aquatinte ressemble à un dessin à l’aquarelle en raison des dégradés qu'elle permet.

Revue canadienne du dix-neuvième siècle, Arcadia est publiée en anglais à Montréal et paraît deux fois par mois, de mai 1892 à mars 1893, sous la direction de Joseph Gould. Elle est « consacrée à la musique, à l’art et à la littérature » et présente des articles sur des événements à Montréal et dans d’autres villes canadiennes, ainsi qu’à l’étranger.

Terme employé pour désigner un lieu idyllique et pastoral, ou un paysage naturel utopique. Les origines des paysages d’Arcadie remontent à la période hellénique; on en trouve de nombreux exemples célèbres dans la peinture italienne de la Renaissance et la peinture française et britannique du dix-huitième siècle. Le terme est dérivé du nom d’une province grecque qui existe depuis l’Antiquité.

Figure incontournable de la sculpture canadienne au vingtième siècle, Archambault reçoit un grand nombre de commandes publiques que l’on retrouve tant à Montréal, Toronto qu’Ottawa. Archambault contribue également aux pavillons canadiens de l’Exposition universelle de Bruxelles, en 1958, et d’Expo 67 à Montréal. Il figure parmi les signataires du manifeste du groupe Prisme d’Yeux en 1948.

Sculpteur cubiste très influent, il découvre le mouvement grâce à Fernand Léger après son déménagement de Moscou à Paris en 1908. Ses premières œuvres expriment la matérialité de l’espace positif et négatif et leur contraste; comme Pablo Picasso, il crée des assemblages sculpturaux de matériaux trouvés.

Au vingtième siècle, l’architecture néo-géorgienne marque un retour au style géorgien britannique, également connu sous le nom de style néocolonial anglais. Caractérisés par la symétrie et des proportions classiques, les bâtiments néo-géorgiens sont généralement construits en brique ou en pierre et surmontés d’un toit en croupe. Ils présentent des moulures blanches sur une façade souvent rectangulaire, percée d’une entrée centrale et de fenêtres à guillotine à carreaux multiples. Au Canada, on trouve quelques exemples de ce style, notamment le Langdon Hall à Cambridge (ON) et l’église baptiste de Blythwood Road à Toronto.

Archives provinciales et Musée royal de la Colombie-Britannique, situé à Victoria, a été fondé en 1886 et se concentre sur l’histoire de la Colombie-Britannique à travers des collections, des expositions et des activités de sensibilisation. Le musée possède plus de sept millions d’objets en plus des archives provinciales. Ses collections d’origine autochtone font actuellement l’objet d’un processus de restitution et de consultation auprès des communautés concernées.

Maître graveur japonais, spécialiste de la gravure sur bois, Arikushi immigre au Canada en 1981. Il collabore à la réalisation de gravures sur bois avec plusieurs artistes au pays, notamment Mary Pratt et Takao Tanabe.

Sculpteur et peintre né et formé en France qui pratique un art de plus en plus expérimental au fil de sa carrière. Arman est affilié au mouvement nouveau réalisme des années 1960 et plusieurs de ses œuvres sont considérées comme les premiers exemples de land art.

Née à Brampton, en Ontario, Armington est une infirmière et une artiste connue pour ses peintures et ses gravures de Paris. De 1905 à 1910, Armington et son mari artiste, Frank Armington, poursuivent leur formation à l’Académie de la Grande Chaumière et à l’Académie Julian à Paris. Pendant la Première Guerre mondiale, Lord Beaverbrook demande à Armington de créer des gravures pour le Fonds de souvenirs de guerre canadiens. En 1939, Armington s’installe à New York, où elle trouvera la mort plus tard la même année.

Présenté à New York, Chicago et Boston en 1913, l’International Exhibition of Modern Art, mieux connu sous le nom d’Armory Show, signale un moment clé dans l’histoire de l’art moderne aux États-Unis. En présentant pour la première fois au grand public américain des artistes modernistes américains et des représentants de l’avant-garde européenne, l’exposition rassemble des œuvres de centaines d’artistes, dont plusieurs qui choquent les sensibilités du public de l’époque.

Artiste paysagiste né à Toronto, Armstrong s’établit à Montréal en 1942. Il enseigne à l’École d’art et de design du Musée des beaux-arts de Montréal et fait partie d’un groupe informel d’artistes montréalais qui partagent son intérêt pour le postimpressionnisme et l’art moderne, dont Goodridge Roberts et John Lyman.

Surtout connue comme graveuse, Germaine Arnaktauyok s’intéresse dans son œuvre aux mythes et à la vie traditionnelle des Inuits; nombre de ses œuvres explorent les thèmes de la naissance et de la maternité. Parfois autobiographiques, ses images s’inspirent également de ses sept années d’enfance passées dans les pensionnats indiens. Diplômée de l’Université du Manitoba (arts visuels) et de l’Algonquin College (graphisme publicitaire), Arnaktauyok est aussi une écrivaine qui a illustré ses propres ouvrages.

Né Hans Arp, Jean Arp est un artiste surréaliste et membre cofondateur du mouvement dada. Sa production se compose d’œuvres textiles, de reliefs en bois peint, de sculptures et de collages. Arp signe également essais et poèmes pour des revues d’art comme De Stijl et La Révolution surréaliste. Dans les années 1930, sous l’influence du collectif parisien Abstraction-Création qu’il fréquente, Arp s’approprie certains éléments du constructivisme, visibles dans les arêtes plus nettes de ses formes. Sa femme est l’artiste surréaliste Sophie Taeuber.

L’art abstrait est un langage de l’art visuel employant la forme, la couleur, la ligne et les traces gestuelles pour créer des compositions qui ne tentent pas de représenter des choses appartenant à la réalité visible. L’art abstrait peut interpréter la réalité sous une forme modifiée ou s’en éloigner tout à fait. On l’appelle aussi l’art non figuratif.

Institution fondée en 1860 par l’évêque Francis Fulford (1803-1868) et par un groupe montréalais de collectionneurs et collectionneuses d’art, la Art Association of Montreal est issue de la Montreal Society of Artists (elle-même datant de 1847). Premier musée d’art au Canada, la Art Association of Montreal organise des expositions d’art un peu partout dans la ville avant d’établir son siège permanent au centre-ville de Montréal. L’association est rebaptisée Musée des beaux-arts de Montréal en 1950, qui est aujourd’hui l’un des musées d’art les plus visités au Canada.

L’art conceptuel, qui remonte au travail de Marcel Duchamp, mais qui ne sera pas codifié avant les années 1960, est une expression générale pour décrire un art qui met l’accent sur les idées plutôt que sur la forme. Le produit fini peut même avoir une forme concrète éphémère, comme le land art ou la performance.

L’art contemporain international se réfère à l’art qui, à partir de la fin de la guerre froide, a défié les frontières géographiques traditionnelles. De la fin du dix-neuvième siècle aux années 1980, les artistes bâtissent leur carrière au sein de capitales artistiques telles que Paris, Londres ou New York, où ils acquièrent une certaine notoriété, et les artistes en dehors de ces pôles demeurent souvent en marge des débats sur l’art menés par les grands musées, galeries et universités. Avec la croissance du commerce international et de la connectivité technologique toutefois, les artistes commencent à développer des réseaux internationaux et à faire circuler leurs œuvres dans les foires de villes de partout dans le monde.

La miniature se caractérise par son échelle et tient généralement dans la paume de la main. Empruntant le plus souvent la forme d’une peinture ou d’une sculpture, l’art de la miniature exige de la précision pour rendre compte de détails complexes. Cet art s’inscrit dans une longue tradition, le portrait en miniature ayant connu une grande popularité avant l’invention de la photographie, en raison du lien personnel qu’il favorisait avec les êtres chers représentés à un prix abordable.

Style décoratif du début du vingtième siècle, découvert à Paris en 1925 lors de l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, l’Art déco est fondé sur plusieurs influences : les motifs égyptiens et asiatiques, les mouvements artistiques modernistes et le style Art nouveau qui l’a précédé.

L’art décoratif englobe la conception et la décoration d’objets à la fois esthétiques et fonctionnels. L’artisanat et les arts appliqués sont souvent considérés comme des synonymes. Le champ des objets d’art décoratif est vaste et comprend des articles tels que la vannerie, la céramique, le mobilier, la verrerie, la bijouterie et les textiles.

Lancé en 1897, le magazine français Art et décoration est le premier magazine de décoration au monde. À l’origine, il est sous-titré « Revue mensuelle d’art moderne », et dans ses premières années, défend les styles artistiques modernes, surtout l’Art nouveau. Au fil du temps, Art et décoration suit l’évolution du modernisme, et ce, notamment après son fusionnement avec la revue L’Architecte en 1936. Le magazine continue à paraître mensuellement.

L’art dit « ethnique », une expression utilisée historiquement pour désigner l’art des artistes non-occidentaux, est traditionnellement collectionné par les musées d’ethnographie et d’histoire naturelle plutôt que par les musées d’art. L’expression a été critiquée pour avoir isolé les artistes non-occidentaux, notamment les artistes autochtones, de leurs pairs occidentaux et pour les avoir exclus des marchés de l’art et des échanges sur la place de l’art dans la société, tant dans le passé que de nos jours.

Terme descriptif désignant une œuvre d’art qui représente ou fait référence à des objets ou des êtres reconnaissables, y compris les êtres humains. L’art figuratif est souvent représentationnel et puise son matériel source dans le monde réel, bien que ses sujets puissent être exploités en parallèle avec des métaphores et des allégories. Le terme est apparu dans l’usage populaire vers les années 1950 pour décrire les œuvres d’art en contraste avec celles du mouvement expressionniste abstrait ainsi qu’avec l’art non figuratif et non-objectif.

Mouvement artistique américain né en Californie, dans les années 1960, en réaction à l’expressionnisme abstrait et à sa noblesse de sentiments, l’art funk rassemble des œuvres figuratives qui peuvent sembler grossières et irrévérencieuses. Le mouvement associe des techniques et des matériaux inhabituels – principalement la céramique –, intégrant souvent à son esthétique caricaturale des objets trouvés de la culture populaire. Le nom « funk » est dérivé de « funky », un terme de la musique jazz qui désigne ce qui est non conventionnel.

Ouvert en 1951, le musée Art Gallery of Greater Victoria, situé sur l’île de Vancouver, présente la plus grande collection d’art public en Colombie-Britannique. Ses points forts sont les œuvres canadiennes et autochtones, mais l’institution possède également une importante collection d’œuvres asiatiques. Sa collection permanente comprend des œuvres d’Emily Carr, une célèbre artiste de Victoria, et ses jardins abritent un authentique sanctuaire shintoïste japonais.

La Art Gallery of Hamilton (AGH), le plus grand musée d’art public du sud-ouest de l’Ontario, a été fondée en 1914. Sa collection permanente compte plus de 10 000 œuvres d’artistes tant historiques que contemporain·es, originaires du Canada et d’ailleurs dans le monde. Occupant un espace de près de 7000 mètres carrés sur la rue King, la AGH est repensée par l’architecte Bruce Kuwabara entre 2003 et 2005.

Style de peinture, de sculpture et d’architecture né en Europe au douzième siècle. Art chrétien, le gothique privilégie la lumière et la hauteur, et s’exprime principalement dans des manuscrits enluminés et une architecture caractérisée par des ensembles sculptés et des vitraux.

Art de la civilisation maya qui fait son apparition dans la région de ce qui est aujourd’hui le Mexique et l’Amérique centrale. Les Mayas exercent un art évolué, produisant des sculptures en pierre, des céramiques peintes, de délicates figurines, des bijoux en jade et des masques. Ces objets d’art présentent une quantité remarquable de détails et de couleurs.

Aussi appelée « art des légendes », cette approche élaborée par Norval Morrisseau désigne l’art créé par les artistes de l’école de Woodland. Le terme fait allusion aux légendes secrètes et aux pouvoirs curatifs contenus dans les œuvres.

Terme désignant l’art réalisé par des artistes autodidactes, qui n’adhèrent à aucun style ni école, afin d’être libres de formuler un langage plus personnel. On commence à parler d’art naïf pour décrire le travail d’Henri Rousseau à la fin du dix-neuvième siècle.

Florissant en Europe et aux États-Unis de la fin du dix-neuvième siècle à la Première Guerre mondiale, ce style décoratif caractérisé par des formes organiques fluides et des lignes sinueuses a notamment un impact sur l’architecture, les arts décoratifs et les arts graphiques. Son influence se reflète également dans la peinture et la sculpture.

Désigne les œuvres d’art créées ou manipulées à l’aide de la technologie numérique, souvent en faisant appel à un programme informatique, à l’intelligence artificielle ou à un logiciel électronique. Cette forme d’art prend de l’ampleur à la fin des années 1990, lorsque se généralise l’accès du public à la technologie et aux moyens d’expression numériques.

L’art postal est un mouvement artistique dans lequel les artistes créent, produisent, partagent et échangent des œuvres en recourant au système de la poste. Popularisé dans les années 1960, l’art postal n’adopte aucun style unificateur et peut donc prendre de nombreuses formes, telles que des cartes postales, des colis, des fax ou des courriels, sa seule limite étant celle des restrictions de taille imposées par les services de courrier. En privilégiant la création de réseaux mondiaux plutôt que les circuits commerciaux des galeries, l’art postal remet en question les frontières traditionnelles de l’art.

L’art processuel est un type de pratique artistique qui fait du processus créatif d’une œuvre un élément central de son aspect fini. Concept très large, l’art processuel peut s’appliquer à des œuvres expressionnistes abstraites qui mettent en valeur le coup de pinceau, ou à des œuvres qui abandonnent complètement le concept d’œuvre achevée, l’artiste accordant toute l’importance à la démarche créative.

L’art public se déploie dans les espaces publics pour le plaisir de la communauté. Empruntant diverses formes, telles des installations de sculptures, des peintures murales et des performances, l’art public est la plupart du temps commandé par des institutions publiques ou des organisations privées dans le but d’enrichir les environnements partagés et de favoriser l’engagement en culture.

Forme d’art préhistorique présente dans le monde entier, constituée soit de pictogrammes peints, soit de pétroglyphes gravés sur des surfaces rocheuses fixes, comme les murs des grottes et les parois des falaises. Sur le territoire de ce qui est aujourd’hui le Canada, l’art rupestre est associé à la guérison et à la prophétie.

La Art Students League est une école de beaux-arts progressiste créée par les artistes pour les artistes, en 1875. À l’aube du vingtième siècle, la League attire plusieurs étudiants qui deviendront des figures centrales de l’art américain contemporain. Ses professeurs comprennent William Merritt Chase, Thomas Eakins et Robert Henri.

Tradition picturale britannique de longue date, très populaire au dix-huitième siècle, qui consiste en des représentations réalistes de paysages qui rendent fidèlement les caractéristiques physiques et géographiques d’une région et de son environnement.

L’art vidéo désigne les œuvres d’art créées grâce à la technologie vidéo, audio et cinématographique. L’art vidéo naît à la fin des années 1960, lorsque s’accroît l’accès commercial et public aux magnétoscopes portables. Souvent très expérimentale, cette forme d’art peut également faire appel au montage et à l’assemblage de séquences d’images ou de vidéos existantes.

La Art Gallery of Windsor est une galerie d’art située à Windsor, en Ontario, qui a été fondée en 1943 et est connue depuis 2022 sous le nom de Art Windsor-Essex. Elle abrite d’importantes œuvres d’artistes de la région et du pays, et expose de l’art canadien tant contemporain qu’historique.

L’art Xerox existe depuis les années 1960, alors que des artistes expérimentent avec des photocopieuses pour produire et manipuler des images.

Mouvement d’avant-garde italien, l’Art Povera s'étend de la fin des années 1960 au début des années 1970. Le terme « arte povera », signifiant littéralement « art pauvre », a été inventé par le critique Germano Celant en 1967. Le mouvement préconise l’utilisation de matériaux trouvés et humbles au sein de sculptures, d’assemblages et de performances. L’Arte Povera est en réaction contre le monde des musées et des galeries d’art commercial, et contre le minimalisme américain, par son utilisation de matières tant naturelles qu’industrielles. Les principaux artistes de l’Arte Povera sont notamment Giovanni Anselmo, Giuseppe Penone et Michelangelo Pistoletto.

Magazine mensuel fondé à San Francisco en 1962, Artforum publie des essais, des critiques et des discussions sur l’art contemporain. Offrant une plateforme de réflexions approfondies sur l’art de son époque, il vise à rapprocher artistes, critiques et public. Réputé pour la rigueur de ses textes académiques, il a accueilli des contributions de figures majeures, telles que Douglas Crimp, Hal Foster et Rosalind Krauss.

Exposition-concours d’art canadien présentée au Musée des beaux-arts de l’Ontario en 1968. Des prix sont décernés dans plusieurs catégories, notamment la peinture et le cinéma, par un jury d’artistes de renommée internationale.

Groupe de free-jazz, actif dans les années 1960 et 1970, composé surtout d’artistes qui sont en grande partie des musiciens autodidactes —, associés à l’expressionnisme abstrait. Fondé à Toronto en 1962 par Dennis Burton et Richard Gorman, l’AJB réunit divers musiciens au fil du temps, notamment Graham Coughtry, Harvey Cowan, Terry Forster, Jim Jones, Nobuo Kubota, Robert Markle, Gerald McAdam, Gordon Rayner, Bill Smith et Michael Snow.

The Artists’ Workshop était situé dans une remise près des rues Sherbourne et Bloor. L’école a d’abord été présidée par Barbara Wells, puis par John Sime qui l’a incorporée aux Three Schools of Art.

Précurseur du design moderne, ce mouvement d’arts décoratifs se développe en Angleterre au milieu du dix-neuvième siècle, en réaction à ce que ses tenants considèrent comme les effets déshumanisants de l’industrialisation. Sous l’impulsion de William Morris, le mouvement Arts and Crafts valorise le savoir-faire artisanal et la simplicité formelle, et intègre souvent des motifs naturels dans la conception d’objets ordinaires.

George Agnew Reid fonde la Arts and Crafts Society in Canada à Toronto en 1902. La société fait la promotion des principes issus des arts appliqués et du mouvement Arts and Crafts et comporte parmi ses membres des artistes, des artisans et des architectes. En 1904, la société tient son exposition inaugurale à Toronto et, en 1905, elle change de nom pour devenir la Canadian Society of Applied Art.

La Arts and Crafts Society of Canada est fondée à Toronto en 1903 par George Agnew Reid et un groupe de personnes aux idées similaires, dont les peintres et designers Gustav Hahn et Mabel Cawthra Adamson, ainsi que l’architecte Eden Smith. L’objectif de la société est de promouvoir les principes du mouvement Arts and Crafts dans les domaines du design, de la décoration et de l’architecture. En 1904, la société organise son exposition inaugurale et, l’année suivante, elle change de nom pour devenir la Canadian Society of Applied Art.

Fondé en 1908 pour promouvoir la culture, ce club de Toronto offre un espace où artistes, architectes, écrivain·es, musicien·nes et mécènes peuvent exercer et présenter leur art ainsi que discuter dans une atmosphère conviviale. Les membres du Groupe des Sept s’y rencontrent fréquemment pour se détendre, exposer et faire connaître leur travail.

Les arts appliqués désignent les objets commerciaux ou utilitaires de la vie quotidienne qui possèdent des qualités esthétiques. Historiquement considérés comme une catégorie d’art moins raffinée – et par opposition aux « beaux-arts » dont la peinture et la sculpture font partie – les arts appliqués ne se limitent pas à un moyen d’expression particulier et se manifestent notamment dans le design industriel, l’artisanat et la publicité.

Fondé en 1912 par des peintres, des sculpteurs, des architectes et des écrivains établis et appartenant à la haute société, le Arts Club of Montreal s’inspire du modèle des gentlemen’s clubs londoniens du dix-neuvième siècle. Parmi ses membres les plus éminents, signalons l’architecte William Maxwell Sutherland (fondateur et premier président), le respecté professeur d’art William Brymner, de même que Maurice Cullen, A. Y. Jackson, Henri Hébert, Alfred Laliberté et James Wilson Morrice. En 1996, l’adhésion est ouverte aux femmes, alors que le club devient une association professionnelle représentant une vaste gamme d’artistes.

Également connus sous le nom d’arts de la fibre, les arts textiles englobent une vaste gamme d’activités artistiques qui exploitent la fibre naturelle (par exemple, le coton, la laine, le lin ou la soie) ou la fibre synthétique (par exemple, le polyester ou le nylon) comme moyen d’expression principal. Le tissage, le tricot, la broderie, le crochet et la confection de courtepointes font partie des pratiques relevant des arts textiles.

Pratique d’abnégation de soi, souvent accompagnée d’un retrait du monde, et qui tend généralement vers un idéal spirituel. À travers l’histoire, l’ascétisme a fait partie intégrante de nombreuses traditions religieuses. En philosophie, il est associé à diverses pratiques axées sur la discipline, depuis celle des sophistes de la Grèce antique jusqu’aux prescriptions morales d’Emmanuel Kant – le terme est tiré du grec askeo, ou entraînement. Les pratiques ascétiques comprennent notamment le jeûne, le célibat, la restriction des déplacements et des contacts sociaux, le renoncement aux conforts physiques et psychologiques, etc.

Renommé avant tout pour ses sculptures, Arnaqu Ashevak est aussi graveur et graphiste. Il est le fils adoptif de la célèbre artiste inuite de première génération Kenojuak Ashevak et du graveur et sculpteur Johniebo Ashevak.

Née au sud de l’île de Baffin, cette artiste graphique est une ambassadrice de l’art inuit au Canada et à l’étranger à partir des années 1960. Beaucoup de ses œuvres sont des commandes pour des organismes fédéraux et des établissements publics, notamment le ministère des Affaires indiennes et du Nord canadien, Postes Canada et VIA Rail. Ses représentations saisissantes d’animaux et d’êtres humains sont parmi les plus largement reconnues de l’histoire de l’art canadien.

Appartenant à la troisième génération d’une famille d’artistes de Cape Dorset, Goota Ashoona est une sculptrice traditionnelle inuite qui crée des sculptures en fanons de baleine et en pierre. En 2008, son atelier familial présente l’exposition The Gift from Haïda Gwaii (Le cadeau de Haïda Gwaii), qui comprend une œuvre collaborative de six pieds de long, sculptée à partir d’une même côte de baleine.

Maître sculpteur traditionnel inuit, Kuiga Ashoona est fait membre de l’Ordre du Canada en 2000. Il compte parmi les plus importants artistes contemporains du Nord. Appartenant à la deuxième génération d’une famille d’artistes inuits, Kuiga est un des fils de Pitseolak Ashoona. Sa carrière, qui s’échelonne sur plusieurs décennies, a fait l’objet d’une exposition rétrospective au Musée des beaux-arts de Winnipeg en 2010.

Artiste et maître sculptrice dont la mère, Sheouak Parr, était une des pionnières de l’art inuit. Après la mort de son mari, le sculpteur Qaqaq Ashoona, Mayoreak quitte le campement familial du sud de l’île de Baffin pour s’établir à Cape Dorset. Son travail a été exposé partout au Canada, de même qu’en Allemagne et au Japon.

Sculpteur de Frobisher Bay, île de Baffin, Napachie Ashoona est le fils des artistes Sorosilutu et Kiugak Ashoona. Ses œuvres figuratives, qui sont sculptées dans la serpentine, une pierre indigène de l’île de Baffin, explorent le mouvement et des thèmes traditionnels tels que la chasse, la danse du tambour et les liens familiaux

Éminent sculpteur et chasseur expert de Cape Dorset, Ohito Ashoona est le fils des artistes Mayureak et Qaqaq Ashoona. Son apprentissage de l’art débute à l’âge de douze ans; en 2002, il se mérite le Prix national d’excellence décerné aux Autochtones pour ses réalisations dans le domaine des arts visuels.

Personnage important de l’histoire de l’art de Cape Dorset, Pitseolak Ashoona réalise plus de huit mille dessins au cours de ses vingt-cinq années de carrière. Ses estampes, souvent autobiographiques, sont très populaires. Chaque année, depuis 1960, l’une de ses compositions est présentée dans la collection annuelle d’estampes de Cape Dorset. Bon nombre de ses dix-sept enfants sont devenus des artistes à part entière. (Voir Pitseolak Ashoona : sa vie et son œuvre, par Christine Lalonde.)

Chasseur et piégeur né à Ikirasak, un campement situé dans le sud de l’île de Baffin, qui débute sa carrière de sculpteur dans la mi-vingtaine. Qaqaq Ashoona est un des fils de Pitseolak Ashoona. Il sculpte ses figures humaines et animales en employant uniquement des outils à main, travaillant notamment le marbre blanc de provenance locale. Il épouse l’artiste Mayoreak Ashoona.

Issue de la troisième génération d’une famille d’artistes de Cape Dorset, Shuvinai Ashoona réalise des œuvres originales et inhabituelles qui sont prisées des collectionneurs et fréquemment exposées. Son travail comprend des dessins aux couleurs intenses et aux motifs complexes, qu’elle réalise au crayon, de même que d’audacieuses gravures sur pierre et des dessins monochromes à l’encre représentant des formes simples et isolées. (Voir Shuvinai Ashoona : sa vie et son œuvre, par Nancy G. Campbell.)

Importante artiste de Cape Dorset qui, alors qu’elle est une jeune femme, reçoit les encouragements de sa belle-mère, Pitseolak Ashoona. Très tôt, Sorosilutu Ashoona est captivée par les couleurs pouvant être produites par le biais des techniques de gravure. Ses lithographies, ses gravures sur pierre et ses dessins au pochoir font souvent référence aux histoires inuites de son enfance.

Renommée pour ses travaux sur l’expressionnisme abstrait, Dore Ashton est une critique et une historienne de l’art ayant pour champ d’intérêt les artistes modernistes new-yorkais de l’après Seconde Guerre mondiale. À ses débuts comme critique pour le New York Times, elle défend ardemment les peintres expressionnistes abstraits de la ville, une prise de position qui entraîne son départ du journal en 1960. Comme historienne de l’art, elle publie des monographies sur les artistes Mark Rothko et Philip Guston ainsi que sur l’expressionnisme abstrait à New York, qui reconnaissent dans ce style une école et un mouvement représentatifs d’un profond changement générationnel au sein de l’histoire de l’art.

Un assemblage, un collage ou un bricolage est une œuvre d’art tridimensionnelle réalisée à partir d’objets trouvés. Le terme « assemblage », utilisé la première fois dans les années 1950 par l’artiste français Jean Dubuffet pour désigner ses collages d’ailes de papillons, est popularisé aux États-Unis pour décrire l’œuvre des artistes américains Robert Rauschenberg et Jim Dine.

Fondée à Toronto en 1912 par George Agnew Reid et d’autres, l’Associated Watercolour Painters est l’une des nombreuses organisations et sociétés d’artistes de l’époque. Bien que le groupe ait été éphémère, il comptait parmi ses membres des artistes comme F. M. Bell-Smith, Fred Brigden et C. W. Jefferys.

Une coalition informelle d’artistes abstraits issue de la Galerie L’Actuelle de Guido Molinari en 1956. L’association a été active jusqu’en 1961 et comptait plusieurs peintres parmi les Automatistes et les Plasticiens de Montréal. Fernand Leduc fut le premier président de l’association.

Écrivain, professeur et éditeur de livres, Howard Aster est, avec Mike Walsh, l’un des fondateurs de Mosaic Press, une maison d’édition qui publie des documentaires, des œuvres de fiction et de la poésie d’auteurs canadiens. De 1970 à 2000, il occupe un poste au Département de sciences politiques de l’Université McMaster à Hamilton en Ontario.

Fondés en 1919 par Maurice Denis et Georges Desvallières, les Ateliers forment des artistes à la réalisation de décors religieux pour les églises — en particulier celles détruites pendant la Première Guerre mondiale. Cette initiative parisienne contribue à renouveler l’intérêt pour l’art chrétien en France.

Depuis 2006 environ, la section d’art et d’artisanat de la West Baffin Eskimo Co-operative de Cape Dorset (Kinngait) au Nunavut est aussi désignée sous le nom d’Ateliers Kinngait. Les membres de la coopérative viennent y faire de la sculpture, du dessin et de l’estampe.

Atget est un photographe reconnu pour ses images de Paris à l’aube de l’ère moderne. Ses clichés des rues, de l’architecture et des grands monuments de la ville lumière ont influencé les surréalistes et autres artistes de l’avant-garde, qui se sont intéressés au potentiel créatif de ses œuvres documentaires.

Né à London, Ontario, Caven Atkins grandit dans les Prairies. Peintre, lithographe et graphiste, il étudie auprès de LeMoine FitzGerald à Winnipeg et emprunte à l’expressionnisme allemand. Il travaille entre autres comme graphiste avec Bertram Brooker et Charles Comfort. De 1943 à 1945, il est président de la Société canadienne des peintres en aquarelle.

Terme physiologique initialement employé par les surréalistes pour nommer les procédés tels que l’association libre, ou encore l’écriture, le dessin et la peinture automatiques, qui permettent d’accéder au subconscient sans que la pensée contrôlée ou la planification ne fassent interférence. Parmi les principaux praticiens européens de l’automatisme, on compte André Masson, Hans Arp et Joan Miró.

Groupe d’artistes montréalais qui s’intéressent au surréalisme et à la technique surréaliste de l’automatisme. Formé autour de l’artiste, professeur et théoricien Paul-Émile Borduas, le groupe des Automatistes expose régulièrement entre 1946 et 1954, et fait de Montréal un haut lieu de l’art d’avant-garde au milieu du vingtième siècle. Marcel Barbeau, Marcelle Ferron, Fernand Leduc, Jean-Paul Mousseau, Jean Paul Riopelle et Françoise Sullivan comptent parmi ses membres.

L’autoportrait est une forme de portrait dans lequel l’artiste est le sujet même de son œuvre. L’autoportrait donne un aperçu intime de l’identité de son créateur ou de sa créatrice, en même temps qu’il peut renseigner sur ses croyances et son processus créatif, en étant à la fois œuvre d’art et méthode d’autoréflexion.

Au début du dix-neuvième siècle, l’expression « avant-garde » entre dans le vocabulaire de l’art du philosophe socialiste Henri de Saint-Simon, qui croit que les artistes ont un rôle à jouer dans la mise en place d’une nouvelle société. La signification de l’expression évolue avec le temps et fait dorénavant référence à des artistes en lien avec leur époque plutôt qu’à un groupe d’artistes en particulier travaillant à moment précis de l’histoire. Le terme évoque le radicalisme et le rejet du statu quo, et est souvent associé à des œuvres provocatrices, qui cherchent la confrontation.

L’un des portraitistes et photographes de mode les plus influents du vingtième siècle, Avedon travaille pour de grands magazines, notamment Harper’s Bazaar et Vogue, réalisant les nombreuses photographies emblématiques qui font sa carrière. Son livre In the American West, un recueil de portraits photographiques de cowboys, de mineurs et autres habitants de l’Ouest américain, a été acclamé par la critique.

Né à Partis de parents juifs russes ayant fui la persécution dans leur pays d’origine, Claude Aveline est le pseudonyme d’Evgen ou Eugène Avtsine. Il adopte le nom à la fin de son adolescence et publie sous celui-ci pendant toute sa vie, sauf à un moment de l’occupation allemande de la France pendant la Seconde Guerre mondiale alors qu’il utilise le nom de plume Minervois. Auteur prolifique et membre actif de la Résistance française pendant la guerre, Aveline a écrit de la poésie, des romans, des mémoires et des essais. Désigné comme étant influent par Albert Camus, Aveline est une figure importante de la culture littéraire à Paris au vingtième siècle. 

Artiste pluridisciplinaire établi à Calgary, Averns pratique la sculpture, l’installation, la performance et la photographie. Il a enseigné à l’Université de Calgary, a œuvré dans l’administration des arts et a été commissaire d’expositions pour la Galerie des fondateurs des Musées militaires de Calgary. Averns a voyagé au Moyen-Orient en tant que participant du Programme d’arts des Forces canadiennes en 2009.

Artiste peintre et de l’installation, Eruoma Awashish est reconnue pour ses œuvres qui décolonisent la spiritualité autochtone en se réappropriant les symboles catholiques et en les mêlant aux traditions artistiques atikamekw. Son travail explore sa double identité atikamekw et québécoise, abordant les thèmes de l’hybridation, de la transformation et du deuil comme catalyseurs d’un renouveau personnel et culturel.

Artiste née en Pennsylvanie, Aycock s’impose comme l’une des premières à embrasser le land art. Basée en grande partie à New York, Aycock est surtout connue pour ses installations publiques à grande échelle, dans lesquelles se déploient des formes géométriques et d’autres se chevauchant. Elle utilise des matériaux organiques et industriels pour explorer des idées métaphysiques, des concepts cybernétiques et des avancées technologiques.

Artiste torontoise qui exprime dans ses tableaux – souvent tirés de photographies – ses préoccupations au sujet des différentes versions du réel et des aspects parfois effrayants des espaces « normaux ». Depuis 1977, Ayearst a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives en Ontario, au Québec et à l’étranger.

Le groupe British Columbia Indian Arts and Welfare Society (BCIAWS), dirigé par des non-Autochtones, est formé à la fin des années 1930 pour protéger et faire la promotion des arts et de l’artisanat autochtones. Sous la direction de l’éducatrice Victoria Alice Ravenhill, il regroupe des dirigeants d’églises et de pensionnats indiens, tels que le révérend George H. Raley, un missionnaire et un collectionneur. Le BCIAWS remet des bourses et présente des expositions pour encourager de jeunes artistes autochtones à fréquenter les pensionnats et externats indiens pour acquérir des habiletés en art et artisanat. Ces activités visent à trouver des moyens pour que les communautés autochtones gagnent de l’argent et deviennent autosuffisantes au sein de la structure économique de la société coloniale.

Artiste juif et survivant de l’Holocauste, Yehuda Bacon a décrit ses expériences dans les camps de concentration de Theresienstadt, Auschwitz, Mauthausen et Gunskirchen par des dessins à l’encre qui tentent de réconcilier l’artiste avec son histoire traumatique. Les dessins de la chambre à gaz et des crématoires d’Auschwitz qu’il a créés après sa libération ont été utilisés comme preuves dans le procès d’Adolf Eichmann qui s’est tenu en 1961 et 1962 à Jérusalem.

Peintre, sculpteur, architecte et fonctionnaire, François Baillairgé amorce une carrière en peinture religieuse et en sculpture après une formation inachevée à Paris. Son œuvre inclut des compositions originales et des copies. Il devient un architecte important, responsable des plans du palais de justice de Québec (1799), de la vieille prison de Québec (1808-1811, aujourd’hui édifice du Morrin College), et de l’ancienne prison de Trois-Rivières (1816-1822).

Artiste californien, Baldessari est reconnu comme l’un des fondateurs de l’art conceptuel. Peintre au milieu des années 1960, il commence à intégrer la photographie et le texte dans son œuvre et, dans les années 1970, il s’aventure dans la pratique de la sculpture, de l’installation, du cinéma et de la gravure. Dans son art, il s’approprie souvent des images qu’il modifie, efface, recombine et juxtapose à du texte pour en transformer le sens, ou pour offrir un commentaire social sur la culture contemporaine. Baldessari est aussi connu pour ses images photographiques superposées de points de couleur.

Peintre, sculpteur et théoricien de l’abstraction, Joost Baljeu a également été rédacteur en chef de la revue artistique internationale Structure, le texte de référence pour les artistes qui s’intéressent à l’art concret et constructiviste. Il est surtout connu pour ses grandes sculptures géométriques peintes en métal.

Surtout un peintre et un sculpteur, Balla est l’un des principaux membres du mouvement futuriste italien. Il signe leur deuxième manifeste, au sujet de la peinture, en 1910, et il expose des œuvres avec le groupe en 1913. Il s’intéresse à la nature de la vitesse et du mouvement et il est influencé par la chronophotographie d’Étienne-Jules Marey. Les tableaux de Balla représentent ce qu’il appelle des « séquences dynamiques » : des représentations de corps en mouvement qui poussent leurs sujets vers l’abstraction pour justement exprimer le mouvement. 

Corps de ballet parisien constitué en 1909 par l’imprésario russe Sergei Diaghilev. Protagonistes de l’avant-garde française du début du vingtième siècle, les Ballets russes présentent leur première saison à Paris, avant de se produire dans le reste de la France et à l’étranger, suscitant un intérêt renouvelé pour le ballet. Leurs spectacles sont traités comme des collaborations interdisciplinaires. Georges Balanchine, Jean Cocteau, Michel Fokine, Joan Miró, Anna Pavlova, Pablo Picasso et Igor Stravinsky sont parmi les nombreux danseurs, chorégraphes, peintres et compositeurs associés à la troupe, dissoute en 1929.

Peintre, illustrateur et scénographe autodidacte issu d’une famille extrêmement artistique dont le cercle comprenait l’écrivain Rainer Maria Rilke et l’artiste Pierre Bonnard. Bien que précocement talentueux, Balthus n’a été largement reconnu qu’à la fin de sa carrière, peut-être parce que son oeuvre d’inspiration classique semblait en contradiction avec l’éthos du modernisme, qui dominait les beaux-arts de son époque.

Une balustrade est une rangée de balustres – des colonnes courtes, généralement décoratives – qui soutient une rampe pour former une barrière ou un parapet ornemental ou protecteur qui suit le bord d’un étage supérieur, d’une terrasse, d’un balcon, d’un pont, etc.

La « bande de Beaupré » est une communauté informelle d’artistes dont les membres – parmi lesquels William Brymner, Maurice Cullen et James Wilson Morrice – partagent un intérêt commun pour la représentation du paysage canadien, en particulier la région de Beaupré, près de la ville de Québec dans la province du même nom. Les artistes du groupe peignaient souvent ensemble et s’influençaient mutuellement.

Peintre, aquarelliste et poète, Frances Jones (Bannerman à partir de 1886) compte parmi les tout premiers artistes d'Amérique du Nord à travailler dans le style impressionniste. Elle est la première femme à être élue membre associée de l’Académie royale des arts du Canada en 1882. Au Salon parisien de 1883, elle expose Le jardin d’hiver, une première et exceptionnelle représentation d’un sujet canadien à figurer à l'exposition. Plus tard, l’artiste développe la polyarthrite chronique évolutive et se tourne vers la poésie.

Artiste né au Nouveau-Brunswick et membre de l’école américaine de Barbizon, un groupe de peintres réalistes dont les œuvres, à l’instar de celles de l’école française de Barbizon dont ils s’inspiraient, représentent des scènes rurales et des paysages bucoliques. Bannister passe la majeure partie de sa vie en Nouvelle-Angleterre, où il devient une figure influente du mouvement abolitionniste de Boston. Il est cofondateur du Providence Art Club et de la Rhode Island School of Design.

Barbeau est membre du groupe des Automatistes et ancien élève de son fondateur, Paul-Émile Borduas, à l’École du meuble de Montréal. Les modes d’expression artistiques de Barbeau oscillent entre une approche libre, dans la veine automatiste, et une peinture de couleurs pures, dans le style hard-edge.

Barbeau, un pionnier de l’anthropologie et de l’ethnologie au Canada, est aussi considéré comme l’instigateur de la recherche scientifique dans le domaine du folklore au pays. Embauché au Musée national du Canada (aujourd’hui le Musée canadien de l’histoire) à Ottawa, il a étudié les communautés canadiennes-françaises et autochtones. Il a recueilli des chants et des légendes, acquis des œuvres d’art, et fait l’inventaire de coutumes et d’organisations sociales. Ses intérêts l’ont poussé à collaborer avec plusieurs artistes, notamment Emily Carr, A. Y. Jackson et Jean Paul Lemieux.

Un village au bord de la forêt de Fontainebleau, près de Paris et, au cours des années 1830 à 1870, un lieu de rassemblement pour les paysagistes français qui rejettent le style académique en faveur du réalisme. Ce groupe informel, plus tard connu sous le nom d’école de Barbizon, met l’accent sur la peinture de plein air, dans la nature et directement issue de la nature, ouvrant la voie à l’impressionnisme. Les principaux artistes du groupe comprennent Théodore Rousseau, Jean-François Millet et Jean-Baptiste-Camille Corot.

Illustrateur surtout connu pour ses travaux publicitaires des années 1920 et 1930 représentant des femmes à la mode et à la beauté classique, audacieusement esquissées et colorées. Son travail est publié dans de nombreux périodiques populaires; il a conçu la « Fisher Body Girl » pour General Motors, des affiches de cinéma hollywoodiennes et des affiches de recrutement pendant la Seconde Guerre mondiale.

Sculptrice, native de Vancouver et héritière d’artistes renommés de la côte du Nord-Ouest, notamment Ellen Neel et Naka’pankam (Mungo Martin), Barkhouse vit actuellement en Ontario. Les loups, les coyotes et les hiboux peuplent ses œuvres, lesquelles abordent les thèmes de l’impact du colonialisme et de la gestion des terres. Le travail de Barkhouse figure au sein des principales institutions canadiennes et ses nombreux projets d’art public sont exposés partout en Ontario.

Originaire de Pennsylvanie, Barnard étudie à l’Art Institute of Chicago avant de s’installer en France en 1883, où il fréquente l’École des beaux-arts et s’inspire de l’œuvre d’Auguste Rodin. À son retour aux États-Unis, il s’établit à New York et devient célèbre pour ses sculptures pour le Capitole de l’État de Pennsylvanie.

Barnet est un peintre et un graveur connu pour son approche géométrique, en aplat et semi-abstraite de la figuration. Établi à New York dès les années 1930, il travaille à la Art Students League avant d’occuper des postes de professeur à la Cooper Union, l’Université Yale et la Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Son style de figuration inédit et expérimental inspire une génération d’artistes modernistes alors en plein essor, comme Cy Twombly, Mark Rothko et Marion Nicoll.

Artiste reconnu pour ses paysages, James M. Barnsley naît en Ontario et grandit à St. Louis, Missouri, où il étudie à la St. Louis School of Fine Arts. Il voyage en Europe pour poursuivre ses études, notamment à l’Académie Julian, et il expose au Salon de Paris. Il s’établit ensuite à Montréal. Il cesse de peindre en 1892 en raison de problèmes de santé.

Tendance artistique des dix-septième et dix-huitième siècles, le baroque se caractérise par des œuvres au mouvement exacerbé, empreintes de majesté et d’expressivité. Le baroque trouve ses origines à Rome, il constitue la réponse de l’Église catholique à la réforme protestante, laquelle priviégiait un engagement spirituel austère avec le divin. En revanche, le baroque est oppulent, il magnifie le désordre, contrairement au classicisme tenant de l’ordre, et suscite le vertige par sa grandeur outrée.

Sculpteur structuriste du Michigan reconnu pour ses reliefs muraux et ses sculptures publiques d’envergure, David Barr mène sa carrière pendant cinquante ans et crée des œuvres qui s’appuient sur les mathématiques pour explorer les structures sous-jacentes du monde naturel. En 1995, il fonde le Michigan Legacy Art Park, un parc de sculptures en plein air situé près de Thompsonville, au Michigan.

Peintre et graphiste établi, connu pour ses dessins et ses gravures, Barraud immigre au Canada en 1913 depuis l’Angleterre. Il devient artiste de guerre officiel du Canada pendant la Première Guerre mondiale, après avoir été blessé en service, au sein du 43^e bataillon, en 1916. Professeur éminent à la Winnipeg School of Art (qui fait maintenant partie de l’Université du Manitoba), Barraud a enseigné la gravure à plusieurs élèves remarquables, notamment Walter J. Phillips.

Grande figure de l’histoire intellectuelle du vingtième siècle, Roland Barthes est sémiologue, critique littéraire et social, philosophe et essayiste. Ses ouvrages Le Degré zéro de l’écriture, 1953, et Mythologies, 1957, contribuent à faire du structuralisme un cadre théorique dominant, tandis que La chambre claire, note sur la photographie, 1980, reste l’un des ouvrages théoriques les plus marquants jamais écrits sur cette sphère d’activité.

Connu pour sa conception de la Statue de la Liberté à New York, Bartholdi étudie la peinture sous la direction d’Ary Scheffer (1795-1858) et la sculpture sous celle d’Antoine Étex (1808-1888) et de Jean-François Soitoux (1824-1891). Il se passionne pour la sculpture monumentale au milieu des années 1850 après avoir vu le Sphinx et les Pyramides de Gizeh en Égypte.

Illustrateur britannique qui sillonne l’Amérique du Nord des années 1830 à 1850, produisant des dessins de paysages pour divers ouvrages illustrés. Bartlett réalise 120 dessins pour le Canadian Scenery Illustrated (1842), un projet de l’éminent écrivain et journaliste américain Nathaniel Parker Willis.

Compositeur, pianiste et ethnomusicologue, Béla Bartók intègre des influences folks hongroises à ses compositions classiques. Au début du vingtième siècle, avec Zoltán Kodály, Bartók collectionne et transcrit la musique traditionnelle de la campagne hongroise. Dans ses compositions, il fait appel à la dissonance et aux rythmes dynamiques découverts au cours de ses recherches et il intègre à la fois l’influence des compositeurs classiques du dix-neuvième siècle et celle des modernistes du vingtième. Incapable de demeurer en Hongrie alors que la puissance nazie s’étend à toute l’Europe, Bartók immigre à New York en 1940.

De 1791 à 1840, une partie du Québec actuel était une colonie britannique connue sous le nom de Bas-Canada. En 1841, le Bas-Canada est rebaptisé Canada-Est lors de la création de la Province du Canada. Il deviendra le Québec après la Confédération canadienne en 1867.

Ouvrage de sculpture dont le motif décoratif est en faible saillie sur un fond uni. Les bas-reliefs abondent dans le design architectural extérieur du monde entier.

Peintre naturaliste français parmi les plus importants, Bastien-Lepage est reconnu pour ses scènes de la vie rurale et pour ses portraits d'acteurs célèbres. Il étudie auprès d’Alexandre Cabanel à l'École des beaux-arts en 1867 et se voit attribuer la prestigieuse Légion d'honneur en 1879 pour son Portrait de Sarah Bernhardt, 1879.

Bates est un architecte et un artiste dont les peintures expressionnistes sont conservées dans les principales institutions muséales du Canada. Soldat de l’armée territoriale britannique durant la Seconde Guerre mondiale, il est capturé en France et passe cinq ans dans un camp de prisonniers de guerre. Il raconte son expérience dans son livre A Wilderness of Days (1978).

Le batik est une technique artistique consistant à teindre des tissus à l’aide d’une résine de cire pour créer des motifs, des textes et des dessins décoratifs. Si cette technique est originaire de Java, en Indonésie, elle est également pratiquée en Inde, en Malaisie, au Sri Lanka et en Afrique centrale et occidentale. Le batik suppose l’usage d’une cire résistante aux colorants pour dessiner des motifs sur le tissu, qui est ensuite plongé dans une teinture d’une seule couleur. Après quoi la cire est enlevée avec de l’eau bouillante et le processus est répété avec différentes couleurs, si désiré, afin de créer un motif.

Poète et critique d’art influent qui a inspiré le mouvement symboliste et révélé les contradictions sensuelles entre les ruines de la vie urbaine et la beauté, Baudelaire est peut-être mieux connu pour son recueil de poésie de 1857 Les fleurs du mal, qui explore les tabous des valeurs bourgeoises. Il est associé au philosophe et critique culturel Walter Benjamin et aux figures du flâneur et de la bohème.

Ouverte de 1919 à 1933 en Allemagne, l’école du Bauhaus a révolutionné la formation en arts visuels au vingtième siècle en intégrant beaux-arts, métiers d’art, design industriel et architecture. Parmi ses professeur·es, mentionnons Josef Albers, Walter Gropius, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe et László Moholy-Nagy.

Artiste d’installation conceptuelle, photographe et cinéaste qui s’intéresse à la tradition ethnographique occidentale et à la façon dont la perspective colonialiste a été construite. Baumgarten a été critiqué pour son œuvre Monument for the Native People of Ontario (Monument aux Autochtones de l’Ontario), 1984-1985, que l’artiste saulteaux Robert Houle a qualifié « d’anthropologie romantique ». Baumgarten enseigne à l’Universität der Künste de Berlin.

Figure clé de l’histoire de l’art conceptuel au Canada, Iain Baxter cofonde, en 1966, avec Ingrid Baxter, la N.E. Thing Co., un collectif d’artistes conceptuels; la même année, il lance la galerie et le programme d’arts visuels de l’Université Simon Fraser. Sa démarche réunit habituellement la photographie, la performance et l’installation. En 2005, Iain Baxter change de nom pour devenir IAIN BAXTER, afin de souligner son approche non autoritaire de la production artistique.

Nommé peintre de guerre officiel pour l’Aviation royale canadienne en 1944, Bayefsky dépeint le camp de concentration de Bergen-Belsen après sa libération en 1945. Tout au long de sa carrière, il dénonce l’antisémitisme par son art et crée une série d’œuvres qui explorent son propre héritage juif. Il enseigne au Ontario College of Art de Toronto et est nommé membre de l’Ordre du Canada en 1979.

Né en Russie, émigré aux États-Unis au début du vingtième siècle, Baylinson est un peintre cubiste établi à New York dans les années 1910 et 1920. Ses tableaux deviennent plus figuratifs après un incendie dans son studio en 1931 qui détruit la majorité de ses œuvres antérieures. Il occupe les fonctions de secrétaire de la Society of Independent Artists à New York, de 1918 à 1934, période au cours de laquelle il sera à l’origine d’une controverse en raison de sa décision d’exposer une peinture intitulée Père, pardonnez-leur : ils ne savent pas ce qu’ils font, de l’artiste suisse Jean-François Kaufman, lors d’une exposition de la société. 

Photographe né au Massachusetts, Beal immigre au Manitoba en 1906 et est l’une des premières personnes noires à s’installer dans la vallée de la rivière Swan. Ingénieur de métier, Beal s’initie à la photographie de façon autodidacte et ouvre un studio où, de 1915 à 1925, il réalise des portraits et des scènes de la vie quotidienne de sa communauté rurale.

L’une des premières photojournalistes aux États-Unis, Beals, née à Hamilton (Ontario), développe une production variée composée de portraits de célébrités et de portraits ethnographiques, ainsi que d’autres photographies pour divers journaux et magazines. Plus tard, elle crée son propre studio à Greenwich Village, à New York.

Artiste né à Montréal et établi à Brooklyn, Bealy produit des œuvres de collages et de techniques mixtes. Il a fréquenté l’École d’art du Musée des beaux-arts de Montréal. Membre du centre d’artistes autogéré Véhicule Art, Bealy y utilise la presse à imprimer pour publier son premier magazine artistique et littéraire, Davinci. Après avoir déménagé à New York en 1975, il travaille comme directeur artistique de publicité et fonde le magazine artistique interdisciplinaire Benzene, publié dans les années 1980.

Artiste multimédia qui a expérimenté la photographie, Beam a été le fer de lance de la récupération de l’espace culturel par des artistes autochtones contemporains au Canada. Il a souvent travaillé à partir de collages photographiques mettant en scène des photos de famille, des textes, des dessins, et des images récurrentes portant sur l’anatomie des oiseaux par exemple, l’iconographie chrétienne ou les célèbres combattants pour la liberté. Sa peinture The North American Iceberg (L’iceberg nord-américain), 1985, est la première œuvre d’un artiste autochtone reconnue comme art contemporain achetée par le Musée des beaux-arts du Canada. En 2005, il reçoit le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques.

Éminent artiste figuratif et paysagiste, membre de l’Académie royale des arts du Canada (ARC), Beament a été artiste de guerre officiel pendant la Seconde Guerre mondiale. Pendant son mandat, il a dépeint des scènes tirées de ses expériences en tant que commandant naval en mer Méditerranée, dans la Manche et dans les eaux de l’Atlantique Nord et de Terre-Neuve.

Membre de la Première Nation Neqotkuk (Tobique), au Nouveau-Brunswick, et locutrice de la langue wabanaki, l’artiste multidisciplinaire, écrivaine et activiste Shirley Bear est connue pour ses toiles gestuelles et picturales qui s’inspirent souvent de l’histoire culturelle et du symbolisme wabanaki. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions partout au Canada et aux États-Unis. Bear est nommée membre de l’Ordre du Canada en 2011, en reconnaissance de son influence artistique et de l’importance de son militantisme en faveur des droits et de la représentation des peuples autochtones.

Cet auteur, dessinateur et illustrateur est l’une des figures marquantes de l’Art nouveau et du symbolisme à la fin du dix-neuvième siècle. Beardsley produit un œuvre remarquable pendant sa courte vie, dont les illustrations de Salomé (1894) d’Oscar Wilde sont parmi ses dessins les plus connus.

Peintre reconnu pour son style graphique qui incorpore des aplats de couleurs chaudes et pour ses représentations de légendes autochtones et de concepts spirituels et cosmologiques. Membre fondateur de la Professional Native Indian Artists Inc. (PNIAI), Beardy agit essentiellement comme conseiller et enseignant en art autochtone au cours des dernières années de sa carrière.

Peintre et professeur influent de l’Ontario College of Art (aujourd’hui l’Université de l’ÉADO), J. W. Beatty est désireux d’établir un style de peinture proprement canadien. Il est un contemporain de Tom Thomson et du Groupe des Sept, bien que son approche picturale soit plus traditionnelle que celle de ces derniers. Son tableau le plus connu, Evening Cloud of the Northland (Nuage du soir dans le Nord), 1910, est conservé au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa.

Henri Beau est un peintre impressionniste québécois qui passe une grande partie de sa vie à Paris, où il voyage pour la première fois en 1886. Il participe aux expositions de salons européens et nord-américains, menant aussi une vie publique active qui le conduit à être nommé Officier à l’Académie française. De 1915 à 1938, toujours installé à Paris, il occupe le poste de « peintre officiel des Archives publiques du Canada ».

Principalement portraitiste et professeure d’art, Amélie Beaury-Saurel enseigne et fait de la supervision à l’Académie Julian à Paris après avoir épousé le fondateur, Rodolphe Julian. Elle devient la directrice de l’Académie après sa mort en 1907. En 1923, Beaury-Saurel reçoit la Légion d’honneur pour son engagement en faveur de l’éducation artistique.

Style architectural qui émerge à Paris en France, au dix-neuvième siècle, et qui tire son nom de l’École des beaux-arts de la ville où il se développe et est enseigné dans le cadre d’une approche académique de l’architecture. Il s’appuie sur des influences grecques et romaines classiques, mais intègre également des matériaux modernes comme le verre et l’acier ainsi que des éléments empruntés aux autres styles historiques. L’architecture Beaux-Arts se répand partout en Europe et en Amérique du Nord et devient l’un des styles caractéristiques des bâtiments publics et institutionnels du dix-neuvième et du début du vingtième siècle.

Né en Nouvelle-France, ce cartographe et dessinateur était procureur du roi en la Prévôté de Québec. Son talent pour le dessin était reconnu par ses contemporains; il l’est encore par les historiens de la Nouvelle-France.

Couple de photographes reconnus pour leurs clichés documentant l’architecture des bâtiments industriels en Europe et en Amérique du Nord, Bernd et Hilla Becher ont également été des professeurs influents de l’école de photographie de Düsseldorf. Ils se distinguent par leur esthétique en noir et blanc, leur approche conceptuelle de la photographie architecturale et l’exploitation de la disposition en grille.

Bechtle est un peintre et une figure marquante du photoréalisme. Le réalisme saisissant, le sujet à première vue inoffensif (voitures, maisons, familles) et la composition désordonnée de ses tableaux sont tous des indices de son utilisation de la photographie comme matériau source, une partie importante de son processus depuis les années 1960. Une rétrospective majeure de son travail s’est tenue au SFMOMA en 2005 et a fait la tournée d’institutions artistiques majeures.

Peintre, Clarice Beckett a vécu et travaillé à Melbourne, en Australie. Elle a été l’élève du peintre tonaliste Max Meldrum, duquel elle a suivi le style en faisant usage de variations et de superpositions tonales dans la création d’atmosphère.. Beckett est connue pour représenter des scènes de son environnement, souvent dans la lumière de l’aube ou du crépuscule, et enveloppé de brume. Son œuvre, méconnue de son vivant, fait aujourd’hui partie d’importantes collections australiennes.

Samuel Beckett écrit des romans, de la poésie et des essais, tant en anglais qu’en français, avant de devenir célèbre avec sa pièce En attendant Godot en 1953. Ses récits, qui mettent en scène des personnages qui souffrent dans des situations extrêmes et absurdes où le sens est illusoire, sont axés sur une sorte d’humanité élémentaire privée des traits de la société. Il est l’un des principaux auteurs du théâtre français de l’absurde. Beckett a reçu le prix Nobel de littérature en 1969.