Femme à sa coiffeuse, 1964

L’importance de cette peinture dépasse toutefois le simple fait qu’elle marque des étapes clés de sa carrière. Il s’agit d’une étude sur l’intimité, l’observation et la maîtrise de la composition. L’objectif de Pratt n’a jamais été de simplement représenter une personne, mais de comprendre le personnage comme une partie d’un tout plus vaste – traité avec le même soin que le mobilier, le papier peint, la lumière. Doreen Ayre, une amie de St. John’s, a posé pour le tableau. Pratt a imaginé le reste : le miroir, la pièce, voire le papier peint à fleurs. Ses croquis préparatoires pour cette œuvre témoignent du processus de réflexion mûrement réfléchi qui a guidé cette période.

Malgré le caractère désinvolte de la pose du personnage, il se dégage une impression de monumentalité. La femme étant vue de dos, son visage est dissimulé, ce qui introduit une dimension d’intimité et d’introspection. Les lignes droites des murs et du mobilier contrastent avec les courbes du miroir et de la coiffeuse. Tous les éléments s’harmonisent parfaitement : les personnages et le mobilier font partie intégrante de la scène. Ce qui frappe avant tout, c’est que le tableau est baigné d’une lumière douce et uniforme. Elle se répand délicatement sur la scène, effleurant l’épaule de la femme et soulignant les contours de la pièce. Pour Pratt, la lumière agit non seulement comme un élément visuel, mais aussi comme une métaphore de la connexion – ce qu’il décrit comme « une métaphore du toucher ». Cette sensibilité élève Femme à sa coiffeuse au-delà de l’étude académique. L’œuvre est sensuelle, mais pas sentimentale, intime, mais pas envahissante.

Alors que la figure humaine n’apparaît qu’occasionnellement dans ses œuvres ultérieures, ce tableau ouvre la voie à son exploration continue de la présence. Plus qu’un portrait, Femme à sa coiffeuse témoigne de l’intérêt durable de Pratt pour les complexités du regard et de la manière dont l’observation peut être à la fois intime et distante, analytique et tendre.